Arte visuale

Lo zen e l'arte di fotografare gli oggetti

2011-09-02T14:59:00.001+02:00

Chi mi segue tramite altri "canali" (flickr, facebook, il blog di fibre di luce) l'avrà già letto diversi giorni fa.
Per tutti gli altri, mi sono ricordata (meglio tardi che mai) di aggiornare anche questo blog :)
Seguo da tempo diversi forum e blog dedicati all'artigianato, al riciclo e via dicendo. Uno di questi è quello di Doria, che parallelamente ha cominciato ad apprezzare le mie foto e così tra un commento e l'altro, qualche tempo fa mi ha chiesto di scriverle un guest post per il suo blog.
Abbiamo pensato insieme che fosse un'idea simpatica unire l'artigianato e la passione per la fotografia, con una serie di tre lezioni che spiegano come migliorare le foto alle proprie "creazioni" senza bisogno di attrezzatura professionale, ma utilizzando oggetti d'uso comune e... santa pazienza. :)

La prima puntata, dedicata agli errori più frequenti, è già online sul blog di Doria e potete trovarla qui:
www.unideanellemani.it/foto-fai-da-te-1-parte-errori-comuni

Lunedì prossimo ci sarà la seconda lezione sulla gestione della luce, e l'ultima puntata sarà invece dedicata agli sfondi, lunedì 12 settembre.

Buona fotografia fai-da-te (no Alpitour)
;)

Fotografie in movimento

2011-07-24T16:29:00.004+02:00

Arrivo in ritardo a parlare di un argomento che ormai è sulla bocca non di tutti, ma di molti sicuramente.
Ne scrivo, più che altro, perché alcuni mi hanno chiesto un parere sull'argomento, ma anche perché è qualcosa che mi ha incantato e incuriosito a prima vista e mi ero già ripromessa di provare.
Il risultato è mediocre perché l'esecuzione è stata abbastanza approssimativa, l'attrezzatura inadeguata e la "modella" capricciosa e scostante... però mi sono divertita un casino, questo sì :)
Di che stiamo parlando? Delle fotografie in movimento, ovvero una particolare tipologia di GIF animate...

Chi ha conosciuto gli albori di Internet (e il fatto che io faccia parte del club mi fa capire che sto invecchiando) ricorda le gif animate con un misto di orrore e vergogna. Orrore perché non esiste, oggettivamente, al mondo, niente di più brutto, molesto e pacchiano di un sito con le GIF animate. Vergogna perché... diciamolo... TUTTI noi di quell'infelice generazione (alzi la mano chi aveva uno spazio su Geocities) almeno una volta abbiamo inserito (o pensato di inserire) nel nostro sito quell'orrenda icona della cassetta delle lettere con la bandierina in movimento, oppure la busta da lettera con la scritta "e-mail" in 3D, o quell'altra con la penna d'oca che scrive la lettera e via dicendo.

Questo per farvi capire come mai il solo pensare alle GIF animate mi faccia venire la pelle d'oca, e il fatto che l'evoluzione naturale delle iconcine stile Geocities siano state le emoticon animate di messenger non è una gran consolazione.

Qui stiamo parlando di qualcosa di completamente diverso, e senza fare troppe chiacchiere, vi indirizzo direttamente ai blog in cui ne ho sentito parlare per la prima volta:
http://www.saralando.com/blog/?p=1313
http://jox1989.wordpress.com/2011/04/27/hogwarts-is-almost-here/
e inoltre al blog "incriminato", quello di Jamie, la fotografa newyorkese che ha in qualche modo inventato un genere fotografico completamente nuovo, con il nome di "cinemagraph".
Potete vedere i suoi lavori qui:
http://fromme-toyou.tumblr.com/tagged/cinemagraph
Inutile dire che delle vecchie, tristi GIF animate c'è solo il tipo di file. Queste immagini hanno qualcosa di magico che incanta. Guardate ad esempio questa...

Non mi soffermerò neanche tanto sul "come", perché in giro c'è fior di tutorial sull'argomento: cercate semplicemente cinemagraph tutorial su google e risparmiatemi la fatica di riscrivere qualcosa che c'è già :)
Quello che posso fare, avendo provato velocemente e con mezzi di fortuna, è raccontarvi come l'ho fatto io e come si può migliorare.

L'immagine in movimento che ho postato all'inizio, e che ritrae la meravigliosa Ginger in un momento di particolare iperattività felina, è il frutto di circa 15 scatti a mano libera con luce pessima, e di una mezzoretta di Photoshop per aggregare il tutto.

Il succo è questo: a partire da n foto, si sovrappongono in tanti livelli perfettamente allineati uno con l'altro, e smanettando con le maschere di livello si rendono visibili, per ogni frame, solo gli elementi da rendere in movimento (le orecchie, la coda, ecc.). Così tutto il resto rimane magicamente fermo. Poi si apre la finestra "Animazione" di Photoshop e si aggiunge un frame alla volta rendendo visibili i livelli uno alla volta. Si aggiustano i tempi e le durate di ogni frame, e poi si salva come GIF (File > Salva per web).
Fine della storia. Niente di particolarmente complesso.

Quello che fa davvero la differenza, sono le immagini di partenza.
Io ho utilizzato la raffica perché la 5D non fa video, è per questo che i movimenti sono scattosi e poco fluidi (tra l'altro la 5D ha una raffica ridicola). Se avete la possibilità di realizzare un breve video ed estrapolare i fotogrammi, il risultato sarà migliore.

Altra cosa: cavalletto. Assolutamente. Io ho scattato a mano libera e poi sono andata al manicomio per riallineare tutte le immagini: non è proprio il massimo della praticità.

E poi, ovviamente, la qualità del set, dello sfondo, della luce. Quello che rende così speciali queste immagini, per me, è proprio l'accuratezza delle immagini di partenza: fotografie già belle a cui l'animazione aggiunge l'effetto surreale.
Quindi la nostra Ginger animata prendetela per quello che vale: un esperimento "tanto per".
Cosa farne poi di queste immagini... bella domanda. Non si possono tenere in alta risoluzione, sarebbero troppo ingombranti. C'è il limite dei 256 colori del formato GIF, che causa un inevitabile dithering. Non potete stamparle e inserirle in un album, a meno che... chi ha detto "PVC lenticolare"??? :)
No, sto scherzando, troppo costoso. Rimane una tecnica interessante che dà risultati suggestivi, sulle cui applicazioni c'è probabilmente ancora da pensare.

Nel dubbio, però, meglio averlo fatto che non averlo fatto. Bravo Jamie :)

Il valore di una foto, ovvero la sublime arte di tirare sul prezzo

2011-07-09T10:47:00.002+02:00

Momento digressione: non aggiorno il blog da mesi ma non ho dimenticato i vari argomenti promessi (tutorial e via dicendo), che vi assicuro saranno pubblicati non appena riuscirò a riemergere da questo vortice di iperattività che sono stati i miei ultimi 2 mesi di vita. Sì perché, tra il lavoro di tutti i giorni, tra i vari fichissimi progetti creativi che mi affollano ogni secondo di tempo libero (se volete curiosare, ne cito due: questo e questo), tra la stagione dei matrimoni che, dopo tanto sbattersi in pubblicità e iniziative promozionali, finalmente è decollata alla grande... tra tutte queste cose, abbiamo deciso di movimentarci l'esistenza con un "piccolo" incidente che fortunatamente non ha avuto conseguenze irreparabili (avrebbe potuto, e quindi dico fortunatamente), ma che ha avuto l'effetto di concentrare tutto il lavoro di due persone su una persona sola: me! :)
Ma visto che fortunatamente sono anche un po' bipolare, niente di nuovo sul fronte occidentale!

Bando alle ciance e veniamo al tema principale di questo post. Quanto vale una foto? Quanto vale un servizio fotografico?
Meglio ancora: che valore ha il lavoro che c'è dietro alla realizzazione di un singolo scatto o di un reportage?
Non sto parlando solo della postproduzione (che è, per quanto mi riguarda, parte integrante della fotografia digitale, così come lo sviluppo era parte integrante della fotografia su pellicola), ma di tutto il lavoro organizzativo, che sia logistica, che sia brainstorming, che sia raccolta di materiale (qualcuno ha detto Pinterest??), che c'è prima dello shooting.

Non conosco il flusso di lavoro di tutti i fotografi sulla piazza, quindi posso parlare solo in prima persona: uno shooting non si improvvisa. E' come presentarsi a un esame senza neanche aver aperto il libro. Che si tratti di un servizio in studio, di una sessione di ritratti o di un matrimonio, la gran parte del lavoro avviene molti giorni prima, in termini di comunicazione, documentazione, sintesi. Quello che accade durante il servizio fotografico è per lo più adrenalina in alcuni casi, esecuzione pura in altri casi, un pizzico di improvvisazione quasi sempre, ma sempre sulla base di un piano ben preciso. Ovvio, a meno che non si parli di generi fotografici che sono documentazione al 100%, vedi fotogiornalismo, vedi street.

In estrema sintesi (scusate, lo so, sono logorroica), molta gente vede la realizzazione di un servizio fotografico come un "vai e scatti, che ce vo', hai l'attrezzatura figa, devi solo fotografare quello che succede", e ignora completamente tutto il lavoro che c'è sia prima che dopo (soprattutto quello che c'è prima e, scusate se lo sottolineo, è quello che fa la differenza in termini qualitativi).

In particolare, poi, da quando ci siamo buttati a testa bassa in questa avventura dei matrimoni, noto un'abitudine veramente fastidiosa a giocare al ribasso, come se si stesse al mercato del pesce (con tutto il rispetto per chi vende il pesce). Non lo dico in tono polemico, mi rendo conto che le coppie hanno tante spese e un budget da rispettare, ma dico che molti non si rendono conto di quanto "pretendono" di pagare poco per un servizio che richiede giorni di preparazione, ore di concentrazione ininterrotta (per non parlare dello stress, ehehehe) e altri giorni di postproduzione.
Non è obbligatorio: ognuno assegna alle cose una personale scala di priorità. Per qualcuno il servizio fotografico è la parte più importante di un evento, per altri non lo è. Ed è giusto che sia così, non siamo tutti uguali. Ma se arrivi a decidere che un certo fotografo è il TUO fotografo, e che vuoi lui a tutti i costi, e che questa è realmente una priorità... è giusto tirare sul prezzo? Non ti accorgi che stai SMINUENDO drasticamente il valore di tutto il resto, se pretendi di "pagare meno" qualcosa che per te è importante?

Ma visto che rischio di dilungarmi, vengo al succo e vi riporto un estratto da un articolo di Stephanie Elizabeth, la fotografa californiana di Fab You Bliss Weddings, perché quando l'ho letto ho pensato "ecco, è esattamente questo il punto".
Tradotto per voi dal mio inglese stentatissimo, buona lettura:

Non so dirvi quante volte, dopo aver letto le mie tariffe, ho sentito una sposa dire "Oh... stavo cercando qualcosa di un po' più economico". E solitamente prosegue con: "Non si potrebbe avere uno sconticino?". Non dirò molto altro a riguardo, ma tutti i fotografi sanno esattamente di cosa sto parlando perché è un evento abbastanza comune nel nostro lavoro.
Non so con precisione da dove venga l'idea di dover mercanteggiare con il fotografo.
Voglio dire, nessuno di voi direbbe al proprio dentista "Questo canale radicolare mi sembra un po' troppo costoso, che ne pensa di abbassare un po' il prezzo?"

Ok, fine delle lamentele; come dicevo, non insisterò su questa cosa perché probabilmente potrei andare avanti per giorni [allora non sono l'unica, eheh - Lu]. Ma ciò che voglio dire alle coppie che stanno cercando un fotografo di matrimonio è: dimenticatevi di tutte le liste che trovate nei più famosi siti o riviste di matrimonio, quelle che vi dicono cosa chiedere a un fotografo prima di assoldarlo, e piuttosto educate voi stessi a riconoscere cosa piace A VOI nelle immagini che vedete. Dopo tutto è il vostro matrimonio, e alla fine della storia le immagini sono ciò che vi resterà per ricordare quel giorno speciale.
E mi sembra una cosa dannatamente importante, se vi interessa il mio parere!

Così, quando trovate un fotografo il cui lavoro vi parla, seguite il vostro istinto e fate tutto il possibile per farlo rientrare nel budget. Io mi sono sposata prima di diventare una fotografa di matrimonio, e all'epoca ho riservato metà del mio budget per il fotografo. Perché? Perché a che serve avere un matrimonio meraviglioso se alla fine le foto non sono veramente quelle che volevate?"

Voi che ne pensate? Qual è il vostro punto di vista sull'argomento?
Mi interessa il parere di tutti, fotografi, non fotografi, futuri sposi, gente che ha in mente di farsi fare delle foto di altro genere e gente che per adesso non ci pensa neanche lontanamente.
Vi chiedo: posto che una foto per voi sia importante, è giusto tirare sul prezzo? (ovviamente sono ben accetti sia i no che i sì... purché motivati ;))

Grazie a Stephanie Elizabeth per avermi permesso di tradurre e pubblicare il suo articolo!
Thanks a lot to Stephanie Elizabeth from Fab You Bliss Weddings!

Raster vs Vector - aka: Vettoriale, questo sconosciuto :)

2011-05-20T16:02:00.005+02:00

Stiamo parlando di immagini, ovviamente.
Sto per lanciarmi in un argomento spinoso, ma dalle chiacchiere che scambio in giro con contatti vari (collaborazioni e non) mi rendo conto che da una parte tutto ciò che è considerato "grafica" è molto più alla portata di tutti grazie a blog e software di editing (e per come la vedo io è bello che ci sia tanta gente che vuole imparare da autodidatta), dall'altra ci sono ancora lacune abbastanza importanti su alcuni argomenti abbastanza basilari che, per forza di cose, conosce meglio chi ha cominciato a occuparsi di questi argomenti qualche anno fa, quando le risorse erano minori, meno disponibili, ma c'era anche meno confusione.
Mi trovo sempre più spesso a dover fare presente che no, un logo non si disegna con Photoshop, e quando chiedo a qualcuno di mandarmi un vettoriale, spesso la reazione è -> O_o (occhio pallato / interrogativo)

Fine delle chiacchiere sconnesse, veniamo al succo: Raster e Vettoriale, chi erano costoro?

Un'immagine raster (o bitmap):
è un'immagine composta da "pixel", ovvero punti, ovvero piccolissime tessere quadrate (come un mosaico), così ravvicinate che non si distinguono l'una dall'altra e viste da distanza sufficiente, danno l'effetto di un'immagine compatta con sfumature, gradazioni, ecc.
Se vi avvicinate moltissimo al monitor del vostro pc (attenti, non fa bene agli occhi), riuscirete a intravedere i pixel. Il sistema migliore per capire, è aprire un'immagine con Photoshop, Gimp o Paint Shop, e con la lente ingrandire fino al 500%-1000%:


un'immagine raster...	...è una "mappa" di "punti" (bit-map)

Un'immagine raster ha dimensioni ben precise, che sono espresse in pixel. Ad esempio, un'immagine 3000x2000 è una bitmap larga 3.000 pixel e alta 2.000 pixel (6.000.000 pixel in totale).
Queste dimensioni in pixel corrispondono poi a determinate dimensioni di stampa in cm o pollici, in funzione della risoluzione (dpi)... ma questo è un discorso che vedremo in un altro articolo!
Per questa ragione, un'immagine raster non può essere ingrandita se non a discapito della qualità dell'immagine: se si ingrandisce troppo, si vedranno i pixel!
Inoltre, se una bitmap viene ridotta, non è possibile riportarla alla dimensione originale senza perdere qualità.

Una foto, una scansione, una cattura schermo sono immagini raster.
Qualsiasi file bmp, jpg, png, gif, psd, tif, ico, cur è un'immagine raster.
Alcuni editor di immagini raster:

Adobe Photoshop
Paint Shop Pro
Gimp
Paint

Un'immagine vettoriale:
non è composta da pixel, ma da espressioni matematiche: punti, linee rette, linee curve, in breve "aree" geometriche caratterizzate o meno da una linea di contorno (solida, tratteggiata, di spessore variabile, ecc.) e da un riempimento (solido, a gradiente, opaco, trasparente, ecc.).


un'immagine vettoriale...	...è composta da punti e linee

Un'immagine vettoriale può avere delle dimensioni di stampa in centimetri o pollici, che sono però solo indicative: un'immagine vettoriale può essere ridotta e ingrandita a piacimento un numero infinito di volte, senza perdere dettaglio e qualità.

Un logo, un'illustrazione digitale, una scritta, e in generale tutto ciò che è destinato alla stampa e non ha motivo di essere creato sotto forma di bitmap (mappa di pixel), dovrebbe essere vettoriale.
Ovvio, una foto non può essere vettoriale!
Sono file vettoriali tutti i wmf, emf, ai, eps, cdr.
Alcuni editor vettoriali:

Adobe Illustrator
Corel Draw
un numero imprecisato di "metafile editor" reperibili in rete

NB: Paint Shop Pro, pur essendo uno strumento di editing destinato alle immagini raster, ha il supporto per la creazione di livelli vettoriali. Photoshop ha la funzionalità dei tracciati che mantengono le caratteristiche dei vettoriali (possibilità di essere ingranditi e ridotti) finché non vengono riempiti, tracciati o rasterizzati.

Questa era la parte teorica, adesso per fissare bene il concetto ci facciamo una bella esercitazione pratica. Avrete bisogno di un editor raster (gimp, photoshop, paint shop) e di un editor vettoriale (illustrator o corel draw).Se non avete l'editor vettoriale, fate solo la parte raster: vi aiuterà comunque a capire quali sono i limiti e le caratteristiche delle immagini raster. Per questa esercitazione io ho usato Photoshop e Illustrator, e i comandi specifici sono quelli di Photoshop e Illustrator. Ma dovreste riuscire a trovare i comandi corrispondenti anche con gli altri editor.

1. Per prima cosa dobbiamo aprire i nostri due editor e creare un nuovo file: scegliamo come formato il foglio A4 (per il raster specifichiamo anche 300dpi come risoluzione, così poi potremo stamparlo).

Photoshop (raster)	Illustrator (vector)

2. Questa è la situazione da cui dovremmo partire con entrambi gli editor: un foglio A4 vuoto.

Photoshop (raster)	Illustrator (vector)

3. Selezioniamo lo strumento Ellisse

Photoshop (raster)	Illustrator (vector)

In Photoshop selezioniamo la seconda opzione, "tracciati"

4. Disegnamo un bel cerchio al centro del foglio A4, che abbia più o meno le stesse dimensioni in entrambi gli editor (non c'è bisogno di essere precisissimi)

Photoshop (raster)	Illustrator (vector)

4b. In Photoshop, andiamo nella finestra "tracciati" e utilizziamo il comando "disegna il tracciato con il pennello" (in questo modo, il cerchio viene fisicamente "disegnato" sul livello di sfondo. Poi deselezioniamo il tracciato cliccando nell'area grigia all'interno della finestra tracciati.

5. Selezioniamo lo strumento zoom

Photoshop (raster)	Illustrator (vector)

6. Trasciniamo per ingrandire una piccola porzione del nostro cerchio: più piccola è la porzione ingrandita, più sarà visibile la differenza tra raster e vettoriale...

Photoshop (raster)	Illustrator (vector)

6b. Ed ecco come appare il nostro cerchio ingrandito circa al 500%

Photoshop (raster)	Illustrator (vector)

Abbastanza impressionante, vero? :)
Facciamo un'altra prova con qualcosa di molto utilizzato in loghi, volantini e biglietti da visita: il testo.
7. Con lo strumento testo componiamo una scritta in entrambi gli editor, con le stesse caratteristiche. Scegliamo un corpo abbastanza grande per poter vedere bene i dettagli (io ho utilizzato un Bodoni 72pt)

Photoshop (raster)	Illustrator (vector)

8. Sempre con lo strumento zoom, andiamo a ingrandire un piccolissimo dettaglio: io ho scelto l'occhiello della "r".

Photoshop (raster)	Illustrator (vector)

9. Ed ecco come appaiono una scritta raster e una scritta vettoriale, ingrandite tra il 500% e l'800%

Photoshop (raster)	Illustrator (vector)

10. Nel caso la differenza non vi fosse ancora balzata agli occhi... stampate l'immagine da Photoshop, e poi da Illustrator. Guardate molto da vicino la resa del bordo del cerchio, e i dettagli della scritta.

Non venite a dirmi che è uguale... ;)

E questo è il motivo per cui loghi, biglietti da visita e volantini non si disegnano con Photoshop! :)

Ed è anche il motivo per cui è molto facile convertire un vettoriale in un'immagine raster (qualsiasi editor vettoriale prevede il salvataggio in bitmap), mentre è molto più complesso (e a volte impossibile) convertire un'immagine raster in vettoriale.

Per quanto riguarda invece il discorso pixel, dimensioni di stampa, dpi e risoluzione (altro argomento spinosissimo che manda nel pallone fior di fotografi professionisti), ne parliamo un'altra volta... promesso ;)

Hi-Fi Weddings parla di noi ;)

2011-05-13T22:14:00.001+02:00

Ecco, beh, c'erano altri post in programma che sto rimandando di giorno in giorno per mancanza di tempo e bla bla bla, però questa ve la dovevo dire: una delle nostre e-session è stata pubblicata su Hi-Fi Weddings!

Sono piccole ma impagabili soddisfazioni ;)

A prestissimo!

La Belle Epoque Vector Freebie

2011-05-02T17:44:00.003+02:00

Edit: i link erano sbagliati... ora sono giusti! :)
Rieccoci!
Siete già andati a dare un'occhiata al nostro shooting ispirato alla Belle Epoque?
Ne avevo parlato un paio di post fa a proposito di una serie di vicissitudini che ci sono capitate durante la realizzazione :)
Avrete riconosciuto qua e là nel set (spero) i cartigli in stile art nouveau che già avevo mostrato nei giorni scorsi...

Bene: la sorpresa di oggi è un piccolo regalo: i file vettoriali degli elementi grafici disegnati ad hoc per questo shooting. Tutti gli elementi sono stati stampati con una comunissima laserjet b/n e poi invecchiati con un procedimento che vi spiegherò in uno dei prossimi post, oppure utilizzati come base per i miei paper-cut artigianali :)

Ci sono una cornice, ali di farfalla e vari abbellimenti, oltre a composizioni di lettering varie. Se volete personalizzare le scritte, queste sono le font utilizzate:
- Rivanna @ daFont.com per le scritte "Mangez-moi" e "Buvez-moi"
- Paris Metro @ daFont.com per la scritta "Je vois la vie en rose"
- Isadora @ daFont.com per le scritte "Monsieur le Mari" e "Madame la Femme"
- Diehl Deco @ daFont.com (instant love!) per tutte le altre scritte.

Ecco una preview delle clip-art contenute nel file:

- Scarica il file in formato Acrobat PDF (*.PDF)
- Scarica il file in formato Adobe Illustrator (*.AI)
Che altro dire... fatene ciò che volete, la licenza d'uso è Common Creative "faccequellochettepare", non è obbligatoria l'attribuzione... anche se è estremamente gradita! ^_^
L'unica cosa che vi chiedo è di NON redistribuire i file vettoriali originali o modificati: piuttosto, mettete un link a questo post. Grazie ;)
{ Siccome poi sono curiosa come una scimmia, anzi, come due scimmie... se ci fate qualcosa, mi piacerebbe vedere COSA! }
Lasciatemi un commento o mandatemi un messaggio, se vi va!
Buona Belle Epoque a tutti, e a presto per le istruzioni di invecchiamento artigianale...
preparate fondi di caffè e vecchie candele ;)

"Voglio fare il fotografo"

2011-04-28T10:44:00.001+02:00

Qualche consiglio per proporsi come aiutanti e non finire automaticamente cestinati

(pubblicato sul n. 1 di Sprizz Magazine, aprile 2011)

Ricevo quotidianamente o quasi richieste di aspiranti fotografi che si candidano come possibili aiutanti.
Il più delle volte, la richiesta suona come qualcosa del genere:

“Salve, sono Pinco Pallino, diplomato all’istituto XYZ,

e mi piacerebbe molto lavorare nel campo della fotografia. Allego il mio CV”,

dove il curriculum è solitamente un elenco abbastanza casuale di competenze corredato dalla famigerata autorizzazione al trattamento dei dati personali (che in genere occupa mezza pagina).
Il più delle volte queste e-mail finiscono direttamente nel dimenticatoio (non è cattiveria, non c’è proprio il tempo materiale di rispondere a tutti); qualche volta, se sono particolarmente in vena, rispondo chiedendo di vedere un portfolio e di conoscere l’attrezzatura in dotazione, e in questo caso al 99,9% la risposta è:

“Ho Nikon [o Canon] e sarò felice di fissare un appuntamento per farle visionare le mie foto”.

Ora, la premessa indispensabile è che, per qualche misteriosa ragione, da un po’ di tempo tutti vogliono diventare fotografi.
La ragione in effetti tanto misteriosa non è: a tutti piace fare foto, e chi più di me può capirlo.

La percezione errata che emerge al di fuori, è che questo sia un “mestiere facile”, con cui si possono guadagnare un sacco di soldi senza sforzo.

Partite dal principio che quello del fotografo è un mestiere duro e male retribuito, e che se volete davvero mettervi in gioco non vi basterà aver fatto qualche foto ogni tanto alle scampagnate con gli amici; al contrario, quello di cui avrete imprescindibilmente bisogno saranno una passione smisurata per la fotografia, la padronanza della tecnica e un’attrezzatura adeguata.
Quando anche avrete tutte queste cose, dovrete poi inventarvi quel certo “non so che”, necessario per riuscire (forse) ad emergere dalla massa di tutti “quelli che vogliono fare i fotografi”!
Questo “non so che” non posso suggerirvelo io: ognuno ha la sua “strada” fotografica (se ce l’ha), però di certo posso dare qualche consiglio per presentarsi al meglio a un’agenzia fotografica, evitando che la mail finisca dritta dritta nella cartella dello spam.

Il portfolio
Per prima cosa, è indispensabile avere un portfolio, e il portfolio andrebbe anticipato al fotografo, prima di chiedere di fissare qualunque appuntamento: un fotografo di solito non ha tempo da perdere incontrando tutti gli aspiranti apprendisti, quindi fate vedere per prima cosa che genere di immagini sapete scattare.
È ovvio che se non avete mai fotografato a livello professionale, non ci si aspetta di vedere foto di lavori commissionati, ma almeno fatela vedere la vosta passione per la fotografia, quindi: fate vedere le foto!
Un tempo, prima di contattare il fotografo, si anticipava per posta la cartellina con 15-30 foto stampate. Oggi c’è il digitale per cui non ci si aspetta che si spendano soldi per le stampe (soprattutto se state cominciando), ma almeno inviate dei file, o meglio ancora fatevi un portfolio online su Carbonmade o Flickr.
Meglio poche ma buone, evitate le ripetizioni, ricordando che dal portfolio si capisce molto di quello che sapete o che volete imparare.
Il genere fotografico
Tutto il mondo vuole fotografare matrimoni, modelle, tramonti e gattini (non necessariamente in questo ordine): se tra i vostri preferiti c’è qualche genere fotografico differente, come lo still-life, la fotografia architettonica, o altro, puntate su questi. Non solo, ma non sarebbe una cattiva idea indirizzare la richiesta solo a quelle agenzie che trattano proprio il genere fotografico che più vi distingue e vi appassiona.
Di conseguenza, anche le foto del portfolio, andranno incentrate il più possibile su uno specifico genere fotografico: in questo modo, se il fotografo cui vi state proponendo non ha bisogno di voi, magari potrà indirizzarvi presso un altro studio in cui sa che cercano un certo tipo di fotografia.

L’attrezzatura
Non importa quanto sia modesta o amatoriale la vostra attrezzatura: deve essere sempre indicata. E con questo non intendo solo dire se Nikon o Canon, ma il dettaglio dei corpi macchina, delle lenti e dei flash. Questo per un fotografo è fondamentale, perché capisce se siete già attrezzati o se vi dovrà eventualmente mettere a disposizione la sua attrezzatura.
La disponibilità
Un’altra cosa che il fotografo deve sapere prima decidere se darvi una chance, è la vostra disponibilità: full-time, part-time o nei ritagli di tempo? Disposti a fare apprendistato? Potete cominciare da subito? Che reperibilità avete fuori orario lavorativo?
Tradotto in pratica: uscireste di casa alle 2 di notte perché c’è da fotografare un incidente in tangenziale?
(a titolo informativo, se aspirate a fotografare cronaca, la risposta a questa domanda dovrebbe essere “sì”!)
Il Curriculum Vitae
Per prima cosa, si presuppone che un aspirante fotografo abbia un minimo di senso estetico, quindi curate la scelta di font e impaginazione. Attenzione anche ai testi: lo spazio dopo la punteggiatura, i filetti del sottolineato che non si devono estendere oltre la fine (e l’inizio) della parola, il giustificato che non lasci “buchi” tra le parole, e un carattere che sia più leggibile e sobrio possibile. No, il Comic Sans non è una buona scelta!
Non si manda in word, è poco professionale: convertitelo prima in PDF.
In generale, per un aspirante fotografo il CV è poco importante: evitate l’aria fritta e andate al dunque. Studi, esperienze, competenze.
Se avete un portfolio online, indicate l’indirizzo anche nel curriculum.
La lettera di presentazione
Serve a far capire che se avete scritto a una certa agenzia, è perché avete speso un po’ del vostro tempo per raccogliere informazioni su come lavorano e vi interessa proprio quello specifico settore fotografico. Anche questo è importante. Più specifica è la richiesta, meno agenzie saranno adatte alla vostra ricerca, ma avrete più probabilità di essere presi in considerazione. Viceversa, una lettera generica del tipo “vorrei fare il fotografo” finisce facilmente cestinata.
Il peggio che ho visto? Un’e-mail spedita in copia a una decina di agenzie diverse. In chiaro. Ancora stiamo ridendo del povero malcapitato...

Se avete tutto chiaro, potete preparare quello che vi serve e cominciare a proporvi in giro.
Nella disgraziata (eh già) ipotesi che qualche fotografo vi scelga come aiutanti, preparatevi a una vita di fatica, frustrazioni, sudore e delusioni, perché diciamolo: quella del fotografo è una vitaccia!
Ma se avete davvero la stoffa che serve, potreste essere tra i pochi che emergono dalla massa di milioni di “wannabe”... in bocca al lupo!

OT ma forse no: imprevisti e opportunità

2011-04-23T10:40:00.001+02:00

A dispetto del titolo, non sto per parlarvi di una partita a Monopoli, ma di una riflessione che mi è capitato più volte di fare nella mia contorta vita e che nei giorni scorsi si è concretizzata in tutta la sua profonda saggezza (oh, yeah).

Ovvero di come, ogni volta che qualcosa non va proprio come l'avevo prevista (e per me che voglio avere sempre il controllo al 100% della mia vita, non c'è fonte maggiore di ansia), se mi fermo un attimo a respirare di pancia invece che autocommiserarmi per quanto sono tapina, infelice e sfortunata e che "capitanotutteammé"... ecco se smetto per un attimo di frignare e guardo le cose da un altro punto di vista, mi accorgo come per magia che da ogni imprevisto si apre una rosa di possibili opportunità alternative a quello che avevo in mente.

Il che può spaziare da una lampadina fulminata a una ruota forata a un moroso che ti mette le corna... non so se avete presente Sliding Doors...
Be', fatto sta che l'ultima settimana è stata un concentrato di progettare e disfare, preparare e cambiare, pianificare e rattoppare.
Avevamo in programma uno shooting fantastico (oh, yeah, e so' due) per ieri. Giorni passati a pensare, decidere, progettare... e anche a preparare tonnellate di materiale per il set.
Ho avuto sentore di quanto stava per succedere un paio di giorni fa, quando, dopo aver preparato un numero spropositato di bigliettini da stampare tassativamente su carta da lucido... mi sono accorta che il mio fornitore ufficiale di carta da lucido in zona aveva esaurito le scorte (per dirne una). Non che la carta da lucido sia un bene di così difficile reperimento, ma quando hai i minuti contati per fare tutto, questo PUO' essere un problema. Nel dubbio stampo tutto su carta normale, "poi se domani trovo la carta, ristampo", e medito su come ottenere lo stesso effetto traslucido con la carta normale. Olio? Paraffina? Cera?... Cera!
Muble mumble... cera cera cera... e mi ricordo di quando al liceo facevo l'effetto pergamena sui bigliettini spalmandoli di cera e bruciando i bordi. Mumble mumble mumble... pergamena, pergamena... effetto invecchiamento... come ti invecchio un foglio di carta? Acquerello? E qui provvidenziale il suggerimento di Simona: acqua e caffè!

Morale della favola: per un imprevisto banale (carta da lucido esaurita), risultato 100 volte migliore e 100 volte più a tema di quello pianificato. A parte che la mia cucina odorerà di candela profumata per i secoli a venire.

E la giornata di ieri è stata tutta così: a partire da un contrattempo banale (un aereo in ritardo) che ha portato a una serie di contrattempi a catena, ritardi vari e umori altalenanti (a partire da quello della modella che, poverina, tra stress e sballottamenti vari non stava neanche bene), ci siamo ritrovate ad accumulare un ritardo complessivo di quasi 4 ore, ad allestire un set diverso da quello che avevamo pensato, con un mood diverso da quello che avevamo pensato, una luce diversa da quella che avevamo pensato, e uno stress che assolutissimamente non avevamo preventivato... ma il risultato è ben al di là delle aspettative di tutte :)

Le foto non posso ancora divulgarle perché Simona mi ucciderebbe... ma abbiate un po' di pazienza e ne vedrete delle belle... :)
Quindi per ora posso solo ringraziare tutti quelli che hanno partecipato: Simona per prima perché se non ci assecondassimo a vicenda in questi nostri deliri la vita sarebbe una noia, i genitori di Simona per aver messo a disposizione una location da urlo, Noemi che ha posato nonostante la cistite (!!), Giada per il trucco (perfetto), Barbara per i dolci (eccezionali), Sara per il vestito (fantastico), Silvia e Arber per il loro impagabile ruolo di guest star, servizio d'ordine, consulenti d'immagine ecc. ecc. ecc. E anche i vari figli e nipoti che scorrazzavano in giro complicandoci le cose: in fondo è stato uno spasso.

Quello che vi posso lasciare è un piccolo "assaggio" dei cartigli che "dovevano essere di carta da lucido".

Che fortuna aver esaurito la carta da lucido, no?

(e per farmi perdonare, a breve vi dirò anche come si realizzano)

OT: fermate il mondo, voglio scendere

2011-04-20T13:56:00.003+02:00

Sto trascurando imperdonabilmente il blog... sono in ginocchio sui ceci e mi cospargo il capo di cenere, perché tra i buoni propositi del 2011 c'era proprio quello di aggiornarvi con una certa regolarità.

Ma i buoni propositi del nuovo anno, non c'è bisogno che ve lo dica, sono fatti solo ed esclusivamente per essere DISATTESI :)

Nel frattempo, non come alibi per la mia latitanza, ma almeno per aiutarvi a capire cosa mi sta tenendo lontana dal blog, vi faccio una rapida carrellata di tutto ciò che bolle in pentola in questi mesi. Carrellata di cui potreste avere un'idea più esaustiva ma senz'altro più caotica, anche solo mettendo il naso nel mio photostream su Flickr...

Sprizz Magazine
è il free press di cui curo la grafica e (occasionalmente) anche qualche articolo.

Quando mi hanno proposto la collaborazione, mi ci sono buttata a capofitto con l'incoscienza di chi non sa a cosa va incontro... e infatti, benedetta rivista, ha saturato al 180% le mie già scarse riserve di tempo libero. Però è (immodestamente) bellissima :)
Ci hanno consegnato ieri le copie del n. 1 (il secondo numero in uscita) che non ho avuto ancora modo di fotografare.
Come se non bastasse, l'altra malsana idea è stata quella di aprire il blog di Sprizz Magazine.
Chi si occupa del blog? Uhm... indovinate un po'...
Fibre di luce
è la "creatura" di cui avevo già parlato tempo fa, e di cui vado particolarmente fiera (anche questo l'avevo già detto), interamente dedicata da Alfredo e me al mondo del matrimonio creativo.
I risultati ci stanno, piano piano, dando ragione, perché finalmente incontriamo coppie di futuri sposi che non vogliono "il solito matrimonio" e che raccolgono con entusiasmo il guanto di questa sfida...

La novità è che anche qui abbiamo già da tempo inaugurato un blog, rendendoci conto che l'unico sistema per far capire COSA facciamo davvero... è farlo vedere :)
Le collaborazioni
Ve l'avevo già detto che il lavoro di squadra è la chiave del vero spasso creativo? No? Ve lo dico adesso. E penso che gli altri personaggi eccezionali che stanno collaborando con noi (e di cui non mancherà occasione di parlare in seguito) non si offenderanno se questo paragrafo lo lasciamo tutto a Simona, Fairytale Wedding Planner, che da qualche tempo a questa parte mi sta coinvolgendo in una serie di devastanti ma divertentissimi progetti, dalle feste di compleanno al riciclo creativo... lei "wedding design", noi "fotografia e grafica per matrimonio"... il connubio era quasi inevitabile... :)
Le e-session
Questa iniziativa viene fuori dalla mente malata mia e della Simona di cui sopra: pensata per aiutare le coppie che si sposano a scegliere con più consapevolezza, come quando si va a comprare un paio di scarpe e si prova prima di pagare. Il dettaglio dell'iniziativa lo potete leggere qui: www.fibrediluce.it/e-session.aspx
Il successo dell'iniziativa è stato assolutamente elettrizzante, sia per noi che per i futuri sposi!

(e le foto, tanto per cambiare, sono sul blog fibrediluce!)
Lo studio fotografico
L'abbiamo allestito, adesso usiamolo... e infatti, con l'aiuto di qualche modello / cavia, la nostra minisaletta, piccola ma assolutamente funzionale, ha completato la messa a punto.
Prossimamente, vediamo di organizzare qualche workshop, che ne dite?
La presenza su Facebook
Sta diventando un secondo lavoro... notturno :)
E no, non è una moda: essere "socialmente presenti" serve davvero... molte delle nostre iniziative si sono propagate spontaneamente per passaparola su FB.
Se volete saperne di più, queste sono tutte le nostre fan page
www.facebook.com/viziocreativo, VizioCreativo, cioè ME :)
www.facebook.com/skylinephotoagency, Skylinephoto, l'agenzia fotografica
www.facebook.com/sprizzmagazine, Sprizz Magazine, la nostra rivista
Ci date una mano ad aumentare i contatti? ... ci connettiamo? :)
Un progetto per ora senza nome
e di cui non posso dirvi nulla, ma che sarà dedicato 100% alle donne che lavorano in Italia e nel mondo...
Un altro progetto per ora sempre senza nome
ma che se va in porto... ve ne farà vedere delle belle... :)
Uno shooting di cui non vi posso anticipare nulla (sigh)
Ma non disperate (anzi, non dispero io), mancano pochi giorni e vedrete le foto, qui e sul blog fibrediluce. Per ora l'unica cosa che posso dire è che sto andando al manicomio intagliando a mano (oh, yes!) questi segnaposto...

L'altra cosa che vi posso dire è: continuate a seguire il blog perché dopo lo shooting ci sarà del materiale grafico in regalo da scaricare e utilizzare liberamente nei vostri progetti...
(per fare cifra tonda) ...e ancora tante tante tante altre cose.

E chi sono io... Babbo Natale? Se non mi metto a dieta, la panza tra un po' è la stessa, sulla barba ci stiamo lavorando.

Che ne dite... può bastare?

PS: ho veramente tanto, tanto, ma tanto bisogno dei vostri feedback: commentate, io non mordo. Se avete domande o richieste specifiche... fatele :)

Sprizz Magazine è in distribuzione! La nuova rivista gratuita di Roma e dintorni!

2011-02-12T13:08:00.003+01:00

Gente... sono emozionata.
Ho appena ritirato diversi pacchi di copie del n. 0 di Sprizz Magazine, la nuova rivista gratuita in distribuzione su Roma di cui io sono, indegnamente, la responsabile grafica :)
...e, modestia a parte... è bellissimissima!! *_*

Per info sulla rivista, sulle collaborazioni e tutto il resto, scrivete a sprizz@papyeventi.it

La rivista, da due giorni, è in distribuzione in varie zone di Roma: mandatemi una mail per sapere dove ritirare la vostra copia gratuita.

E per chi non è a Roma? Ci abbiamo pensato già, ed è disponibile una versione online di Sprizz Magazine n. 0.

Per tenervi aggiornati su tutte le iniziative e sulle prossime uscite di Sprizz Magazine, diventate subito FAN su Facebook:
www.facebook.com/pages/Sprizz-Magazine/191616424189711

Quello che mi interessa poi farvi sapere, è che la redazione di Sprizz cerca COLLABORATORI, e principalmente:
- articolisti sugli argomenti più disparati
- inserzionisti (qualunque sia la vostra attività, ci sono spazi pubblicitari per tutte le tasche, a partire dai 160 euro)
- agenti di vendita (a provvigione) per gli spazi pubblicitari

Inoltre, essendoci una rubrica che si chiama "LA RAGAZZA DEL MESE"... si accettano candidature ;)

Direttore: Alfredo Falcone
Editore: Vincenzo Toccaceli
Concessionario per la pubblicità: Associazione Salsa per la Vita
Proprietario: Vincenzo Toccaceli
Progetto grafico e impaginazione: Luciana Ognibene (oui, c'est moi!)
Iscrizione al Tribunale di Roma n. 491 del 31 dicembre 2010

Hanno collaborato inoltre: Laura Bianchi, Mirela Cristela, Francesca Piggianelli, José Ramirez Lazo, Serena Rossi, Stefano Simeoni, Tiziano Toccaceli, Vincenzo Toccaceli

Grazie a: Dj Fabio Falasca ed Emanuele Andreoli, Patrik Folco, Yaritza La Rosa, Paolo Lauri, Ivan Zaytzev

Ed ecco la copertina del n. 0:

PS: Scusate se tutta questa faccenda mi gasa un pochettino... ;)

Un regalo per le coppie che si sposano nel 2011

2011-01-17T16:39:00.002+01:00

Oggi, prima di sommergervi di chiacchiere come mio solito, lascio la parola al nostro fin troppo eloquente volantino per parlarvi dell'ultima iniziativa nata in collaborazione con la nostra wp di fiducia:

Avete letto bene: per le coppie che si sposano nei prossimi 12 mesi, abbiamo deciso di realizzare gratis l'engagement shooting, ovvero il "servizio fotografico di fidanzamento".

Perché?

Ve lo spiego dopo il "salto".

Il motivo è molto semplice: ci piace far foto, riteniamo (molto immodestamente) di essere davvero bravi, ed è un buon sistema per farci conoscere :)

Per noi è un investimento ragionevole in termini di tempo, per i futuri sposi è una buona occasione per avere foto gratis (il che, immagino, non è mai un male) e soprattutto per poterci mettere alla prova prima di prendere un impegno economico con noi.

In fondo, quando vado in un negozio di scarpe, di solito "provo" prima di "comprare".

Quindi approfittiamo dell'era digitale per offrirvi un "assaggio" di quello che è il nostro modo di lavorare.

Non fa una piega, no? :)
Il tutto è davvero senza impegno: le foto rimangono ai futuri sposi anche se poi decidono di affidare il servizio fotografico ad altri.

L'engagement shooting o engagement session ("e-session" in breve) è un'abitudine poco diffusa qui in Italia ma ben consolidata in altre parti del mondo: è un'occasione divertente per raccontare la coppia prima del grande "Sì". Niente di polveroso e "ingessato", ma un reportage dei piccoli gesti che rendono unica ogni coppia, in un luogo divertente o significativo per i futuri sposi, impegnati a fare qualunque cosa li renda felici, insieme: una passeggiata al mare, un pic-nic in un parco, un giro sulle giostre... no, il cinema no: sapete com'è, i "clic" delle nostre macchine fotografiche potrebbero innervosire gli altri spettatori! :)

L'iniziativa è aperta a tutti i fidanzati che abbiano già fissato la data delle loro nozze e, ovviamente, che non abbiano ancora affidato l'incarico a un fotografo o a una wp. Anche se, lo ripeto, il tutto è senza impegno. Però lasciateci almeno l'illusione di potervi avere come futuri clienti... ;)

A realizzare il servizio fotografico ci saremo, ovviamente, Alfredo ed io, ma anche Simona sarà presente per darci una mano con i suoi fantasiosi allestimenti.
Insomma, io non è che vi voglio influenzare, ma neanche 24 ore che abbiamo pubblicizzato l'iniziativa su Facebook, e già "piovono" adesioni... se conoscete qualche coppia che si sposa, fareste meglio a passare parola prima possibile ;)

Altre informazioni le trovate qui: www.tinyurl.com/armoniecreative

Armonie creative, ovvero "l'unione fa la forza"

2011-01-11T19:46:00.055+01:00

Scusate la lentezza con cui "rimetto in moto" il blog nel 2011, ma tra gli strascichi delle festività e l'entusiasmo per circa un miliardo di idee nuove (e quasi tutte realizzabili!)... ops... il blog è passato un attimo in cavalleria :)

E sì che, anche per il blog, di idee ce ne sono tante, a partire dai tutorial: raster e vettoriale, dpi e risoluzione, maschere di livello, modalità di fusione, texture overlay, giusto per citare qualche idea buttata lì.

Ma oggi non vi parlo di tecniche di fotoritocco, bensì di un personaggio eclettico e pittoresco diventato in breve tempo l'altra metà della mia "mela creativa", nonché immancabilmente partner del nostro progetto dedicato ai matrimoni (fibrediluce.it) di cui vi raccontavo qualche post fa.

Sto parlando di Simona, wedding planner o meglio wedding designer, capelli rosso fuoco, look variopinto e risata squillante.

Io: tecnica, geometrica, minimal. Lei: estrosa, barocca, esuberante.
Io al lavoro con illustrator, pantoni e tavoletta grafica, lei con tavolozza, acrilico e pennelli.
Riuscite a immaginare un'accoppiata creativa migliore?

Neanche noi, ed è per questo che da oggi trovate anche lei nella sezione collaborazioni del nostro sito.
Prima di lasciarvi con un paio di scatti di Simona che confeziona pazientemente bomboniere di carta con le sue mani di fata, colgo l'occasione per ricordarvi che siamo sempre aperti alle nuove proposte di collaborazione.
Fotografi no, grazie, siamo già in due e per il momento bastiamo :)
Ma siamo sempre alla ricerca di bravi operatori video, cake designer, make-up artist, stilisti, cuochi, artigiani con qualunque specialità purché riconducibile al mondo del matrimonio.

Ci piace il lavoro di squadra :)

Wild Naoko

2011-01-08T14:29:00.004+01:00

"Naoko", che a distanza di quasi tre anni io chiamo ancora con il nickname con cui l'ho conosciuta, è stata una delle mie prime "cavie/modelle".
Due anni in fotografia sono un abisso, in termini di esperienza, di tecnica, di occhio... e di attrezzatura, anche.
Insomma, lei appartiene, assieme a pochi altri, al club di "quelli che mi hanno permesso di giocare quando non sapevo fare quasi una mazza".
Per questo motivo mi ha fatto piacere che fosse proprio lei a inaugurare la nuova mini sala posa (di cui vi raccontavo qui) nonché il primo shooting del 2011.

Le foto dopo il "salto" ;)

Grazie a Naoko!

Wild Naoko, 2011

Il "lusso" di chi non ha (quasi) niente

2011-01-01T11:40:00.002+01:00

Non so come si chiama anche se in zona lo conoscono un po' tutti (almeno, tutti quelli che prendono il treno): lui è il senzatetto della Stazione Nomentana.
"Senzatetto" in questo caso è un termine improprio, perché lui un piccolo tetto se l'è costruito da sé, sono tanti anni che lo vedo nella sua baracchetta "protetto" dalla rete che delimita la stazione: la mattina si prepara la colazione sul suo fornellino a gas, si sbarba e si lava in canotta in un catino di plastica (anche quando fuori è -3°) e poi esce per i suoi giri. Sta lì da anni, non parla con nessuno, non dà fastidio a nessuno, i servizi sociali se ne disinteressano (almeno credo) e ogni tanto qualche pendolare volenteroso gli fa la spesa. A volte intaglia messaggi in grandi caratteri di cartone ondulato o polistirolo, messaggi per chi passa in stazione appesi alla recinzione del "suo" spazio.

A Natale dà il meglio di sé.
Queste decorazioni riciclate, che potremmo definire "eco-friendly" con un termine molto alla moda, sono apparse un po' alla volta dall'8 dicembre in poi, strappando un sorriso a più di un imbronciato viaggiatore.

Non so qual è la lezione che dovremmo imparare da tutto questo, ma sono sicura che ce ne sia una.
Buon 2011.

Tutorial / Test: usare il 50mm come obiettivo MACRO...

2010-12-31T16:23:00.002+01:00

Come si sta chiudendo per voi questo 2010?

State fotografando / creando / pasticciando in qualsiasi forma e con qualsiasi mezzo creativo che vi venga in mente?

Io avevo in programma altri tutorial, ma visto che in questi giorni ho approfittato per fare un po' di sperimentazione fotografica casalinga, mi sembra giusto chiudere l'anno con un ultimo tutorial dedicato alla tecnica fotografica d'emergenza :)

Attenzione, non sto inventando l'acqua calda: quella dell'obiettivo rovesciato e utilizzato come un macro è una tecnica che usavano anche i nostri nonni... io sapevo che si poteva fare ma non avevo mai provato, con la scusa che non mi andava di comprare un anello di inversione. Poi ho scoperto che in realtà l'anello di inversione non è indispensabile :)

Quindi ho dovuto provare per forza. E visto che sono tutto sommato soddisfatta del test, mi sembrava giusto, doveroso e forse anche utile (per chi non ha ancora provato) condividere i miei risultati.

Se volete qualche dato tecnico su quello di cui stiamo per parlare, vi suggerisco di dare un'occhiata qui:

http://www.fotoemonti.com/nozioni/la_macrofotografia.htm

In due parole:
la differenza sostanziale tra una lente normale e una lente macro è la distanza minima di messa a fuoco. La lente macro è fatta per mettere a fuoco oggetti molto vicini, indipendentemente dalla focale, offrendo in questo modo fattori di ingrandimento più o meno elevati. Il che è molto fico.

Nota importante: le lenti macro costano una palla di soldi. Il che non è per niente fico. T_T

Un obiettivo non macro montato a rovescio si comporta "più o meno" come un macro, nel senso che permette di mettere a fuoco a distanza ravvicinatissima (pochi cm). Naturalmente la qualità non è la stessa del macro da un milione di euri, ma se siete come me dei pulciari morti di fame, vale la pena togliersi lo sfizio di provare questa tecnica. Vedo in giro che la lente più usata per fare questo giochetto è il 50mm f/1.8, il che non mi meraviglia. Non mi sono documentata in merito, ma a occhio credo sia così perché:

1) è maneggevole (il 50ino è piccolo e leggero)

2) costa poco e quindi ce l'abbiamo tutti :)

3) dà immagini molto incise (a dispetto del costo basso) e quindi dà risultati accettabili anche usata a rovescio.

4) ha un diametro filtro di 52mm che si adatta perfettamente (o quasi) all'innesto della macchina

Immagino che questa tecnica sia utilizzabile anche con lenti di focale diversa dal 50mm; personalmente non ho provato. A naso penso renda bene con le focali fisse, meno bene con gli zoom.
Ma non mi sono azzardata a fare la prova con il 24-70mm rischiando di rigare la lente sull'innesto... loca sì, ma mica scema ;)

L'anello di inversione
è un aggeggio che permette di montare l'obiettivo a rovescio: si avvita al posto del filtro e si aggancia all'innesto della macchina. In questo articolo è spiegato come costruirne uno con il tappo del corpo macchina e un filtro da buttare. Ma onestamente, considerato che un anello di inversione da 52mm costa sui 9 euro, mi pare fatica sprecata.

La buona notizia è che l'anello di inversione non è indispensabile per provare questa tecnica: abbiamo due mani per fortuna. Una regge la lente a rovescio, e l'altra impugna la macchina e scatta.

Una cosa di questo genere, così si poggia la lente rovesciata sull'innesto della macchina:

E così si scatta:

Raccomandazioni importanti:
prima che mi trovi sommersa di mail di gente che ha fatto danni, vi raccomando di fare tanta tanta tanta attenzione. Ci sono parti delicate che sono certa non vorrete graffiare, danneggiare, incasinare.
In particolare, lavorando con la macchina "aperta", si lasciano allo scoperto i contatti elettrici che collegano la macchina all'obiettivo, l'innesto (che per il vostro bene vi sconsiglio di graffiare) e lo specchio (idem come sopra, se non volete dire ciao ciao alla funzione autofocus).
Quindi maneggiate tutto con molta cura, soprattutto quando appoggerete la lente rovesciata all'innesto.
In questo senso, sì, avere l'anello di inversione è comodo e riduce il rischio di incidenti.
Ovviamente, fate molta attenzione anche ai contatti presenti sull'obiettivo.

Inoltre, sappiate che lavorando in questo modo entreranno un sacco di schifezze dentro la vostra macchina. Quindi, anche se la vostra "assistente" è un po' meno pelosa della mia (che vedete qui a destra), pulite bene tutto con un panno antistatico prima di cominciare, e preparatevi in ogni caso a dover pulire specchio e sensore una volta finito (basta la pompetta, non c'è bisogno di liquidi e panni speciali).
In ogni caso non mi considero responsabile delle macchie sul vostro sensore ^_^

Messa a fuoco:
naturalmente, è tutto manuale. Mettete tranquillamente la ghiera della messa a fuoco all'infinito: la messa a fuoco si regola avvicinandosi ed allontanandosi dal soggetto da fotografare. Il piano di messa a fuoco sarà a pochi centimetri dalla lente, si tratta "solo" di avere un occhio ben allenato e una mano molto ferma.

Diaframma e profondità di campo:
Se avete già fatto qualche prova (sganciato l'obiettivo, messo a rovescio e fotografato come sopra) vi sarete accorti di un piccolo dettaglio molto divertente: non potete regolare l'apertura del diaframma. :)
La macchina dà il valore 0. Ovvio: vi siete dimenticati che i contatti dell'obiettivo stanno dal lato opposto rispetto a dove dovrebbero essere? :)
Quindi sulla macchina potete regolare solo il tempo di esposizione (e consiglio caldamente di mantenersi in tempi più brevi di 1/125 se non volete micro/macromosso).
D'altra parte, quando sganciate l'obiettivo dalla macchina il diaframma è sempre alla sua apertura massima... e se state usando il 50mm... cacchio f/1.8 non è propriamente l'apertura più indicata per una macro!
In primo luogo perché la profondità di campo è veramente troppo ridotta, e poi perché risentirete molto delle infiltrazioni di luce (altrimenti trascurabili) attraverso l'innesto che, in assenza di anello di inversione, non è propriamente "a tenuta stagna".

Domanda da 1.000.000 di dollari: come si regola l'apertura del diaframma?
A meno che non abbiate qualche vecchia lente per analogica di quelle con la ghiera del diaframma incorporata, questo è il trucco.
1) regolare il diaframma con la lente innestata sulla macchina (magari fate anche qualche scatto di prova per vedere se l'esposizione è corretta)
2) tenere premuto il pulsante di controllo profondità di campo mentre sganciate l'ottica.
3) ripetere l'operazione (monta, regola, blocca, smonta) ogni volta che volete cambiare apertura.

Il pulsante di controllo profondità di campo (questo sconosciuto) è quello che di solito sta sotto al pulsante di sblocco obiettivo (nelle Canon, nella mia vecchia Nikon FE pure, nelle Nikon moderne non ne ho idea, guardate sul manuale!):

Foto di Thomas Hawk

Alzi la mano chi non l'ha mai usato... io lo utilizzavo quando scattavo in analogico e poi mi sono dimenticata che esistesse... :)
Per capire cosa fa il pulsante di controllo della P.d.C., settate l'apertura a f/5.6 (ad esempio), impugnate la macchina a rovescio e premetelo. Zac! Il diaframma si chiude (per l'appunto) a f/5.6.

Ora se sganciate l'ottica mentre mantenete chiuso il diaframma (premendo i due pulsanti con due dita come faccio io qui sotto, mentre sganciate la lente con l'altra mano) avrete l'ottica staccata dalla macchina con il diaframma all'apertura che avete scelto.

Tanto per capire la differenza:

f/1.8

f/5.6

f/11

Messa a fuoco con diaframma chiuso
Se chiudete il diaframma oltre f/8, vi consiglio di illuminare la scena con una luce molto forte altrimenti avrete serie difficoltà a mettere a fuoco a occhio... perché anche la visuale dal mirino sarà molto buia :)
Naturalmente, avrete bisogno di molta luce anche per fotografare, ma io ho ovviato al problema usando i flash, di conseguenza con luce ambiente molto inferiore a quella di scatto, ho aggiunto una lampada da tavolo al set per facilitarmi la messa a fuoco (tanto a f/11 e 1/200 la luce della lampada da tavolo diventa trascurabile).
Illuminazione
Per risultati accettabili in termini di profondità di campo, ho notato che bisogna andare da f/8.0 in su. Allo stesso tempo, non si possono usare tempo di scatto troppo lunghi perché avreste inevitabilmente del micromosso. Allora: o comprate l'anello di inversione, piazzate la macchina sul cavalletto (tenendo presente che i soggetti devono essere vicinissimi alla lente) e tanti saluti... oppure serve MOLTA luce.
Io ho usato i flash, naturalmente con trigger perché gli oggetti da fotografare sono troppo vicini per usare il flash sulla slitta della macchina. Immagino che anche il ring flash possa essere una buona soluzione.
Ma se non avete flash e/o trasmettitori, vi potete sicuramente organizzare vicino a una finestra molto luminosa, oppure usando molte lampade a luce continua (tipo i famosi faretti alogeni che si comprano da brico)
Conclusioni e considerazioni
Divertente :)
Vale la pena investire 'sti benedetti 9 euro in un anello per semplificarsi la vita e non fare danni (io ho "casualmente" usato la 350D invece che la 5D), ma diciamo che il 50mm si è rivelato soddisfacente come macro di emergenza anche a mano libera.
Come dicevo, per una resa accettabile non andrei al di sotto di f/8 e con tempi più lunghi di 1/125.
In ogni caso, non è una tecnica difficile e con un po' di tentativi si riesce anche ad avere una messa a fuoco abbastanza accurata.
Concludo con le foto dei miei test, per ognuna c'è il crop al 100% (per capire il livello di dettaglio che si può raggiungere). Notare che sono tutte scattate con la 350D che non ha un sensore eccelso.
Appena mi procuro l'anello, battezzo anche la 5D :)
(per ora con la 5D ho scattato solo la libellula che ho inserito a inizio articolo)

Questo è il massimo ingrandimento per il 50mm usato "dal verso giusto" (immagine non croppata, a distanza di messa a fuoco minima)

Ed ecco come appaiono con il 50mm rovesciato, ai diversi diaframmi.

Alcuni semi di finocchio:

Chicchi di caffè:

Stecche di cannella:

Carta da imballo con stampa laser:

...e adesso smettetela di giocare con la lente a rovescio, e andate a prepararvi per il veglione di Capodanno!
Ci si vede l'anno prossimo ;)

Vola solo chi osa (ma io consiglio un paracadute d'emergenza)

2010-12-27T23:13:00.004+01:00

Ti hanno insegnato che volere è potere.

Ti hanno detto che per far avverare un sogno, bisogna crederci davvero.

Ti hanno inculcato che se davvero desideri qualcosa, allora lo puoi ottenere.

Non è che non sia vero.

Se hai un sogno, ci devi credere, lo devi difendere, lo devi desiderare.

Senza questi presupposti, il tuo sogno rimane lì dov'è: a prendere polvere in un cassetto.

Quello che hanno dimenticato di dirti, è che volerlo non basta.

Non è sufficiente gettarsi allo sbaraglio e sperare che vada bene.

Se vuoi volare, accertati di avere ali abbastanza forti prima di fare il salto.

Sì, lo devi volere, ci devi credere e devi lottare.

Ma prima devi studiare, tanto.

E farti un mazzo che non finisce più.

E avere l'umiltà di accettare le critiche.
E la maturità di riconoscere i tuoi limiti.

E non aspettarti che qualcun altro possa fare i compitini a casa al posto tuo.

Non esistono scorciatoie, non esistono Bignami: c'è "solo" da lavorare sodo.

Cambiare il tuo nome su Facebook da "Mario Rossi" a "Mario Rossi Fireman", e distribuire biglietti da visita al tuo vicinato, non fa di te un pompiere, e se non sai come funziona un'autobotte e non hai mai usato un idrante, probabilmente alla prima occasione valida... ti scotterai, e di brutto ;)

Essere a corto di occasioni non è piacevole, ma c'è qualcosa di peggio.

Avere l'occasione, e non essere pronto: questo è il peggio che ti possa capitare.

{ Piccole riflessioni ad uso e consumo di chi ha un sogno, da parte di una che cerca di realizzare i suoi senza pestare i piedi al prossimo }

(scusate il ~~non~~ piccolo e ~~non~~ innocente sfogo, è solo che oggi, probabilmente reduce dei festeggiamenti natalizi e complici le mestruazioni, sono particolarmente intollerante verso chi si dice "grafico" e fa i biglietti da visita con Photoshop, chi pretende di fare il "programmatore" e fa i siti web con Word, chi si spaccia per "fotografo" e non sa come si usa un flash da studio... insomma quelli che cercano una scorciatoia per tutto quello in cui io e pochi altri imbecilli abbiamo investito tempo e denaro solo per studiare, studiare, studiare e cercare di capirci qualcosa. Non ce l'ho con voi, giuro. Lo sto dicendo per il vostro bene: studiate, studiate, studiate)

Sinceramente, Lu

NB Commenti e riflessioni sempre ben accetti, non siate timidi. Non sono cattiva: è che mi disegnano così (©J. Rabbit)

E voi... siete stati abbastanza buoni, quest'anno? ;)

2010-12-24T18:30:00.003+01:00

Validazione W3C: ecco un plugin che non potete perdere

2010-12-20T18:03:00.002+01:00

Se siete come me maniaci del codice "pulito" e possibilmente "W3C Valid" (non solo perché è bello vedere il semaforo verde sulla pagina del W3C, ma perché html valido vuol dire pagine più performanti sia per l'accessibilità che per il posizionamento), non potete perdervi questo tool per Chrome e Firefox:
l'estensione Web Developer di Chris Pederick

Le funzioni sono molteplici e tutte molto sfiziose, dal ridimensionamento della finestra del browser all'evidenziazione dei meta-tag e degli elementi grafici della pagina, ma il motivo per cui ve lo segnalo oggi è che ha un'intera sezione dedicata alla validazione W3C.
La funzione che mi ha conquistata è quella che permette di validare anche i siti in esecuzione su server locale... questo vuol dire che se sviluppate in locale in un qualunque linguaggio dal php al jsp all'aspx, e come è probabile prima della pubblicazione testate le pagine sul vostro localhost, potete testare anche la validazione W3C prima di trasferire i file sul server di produzione.

Io prima facevo così: aprivo la pagina nel mio browser su localhost, copiavo il sorgente output e lo incollavo in un file, e poi sparavo il file sul validatore W3C. Una menata assurda.
Adesso con questo meraviglioso plugin me ne vado nel pannello "tools" e seleziono molto semplicemente "Validate local HTML" (o local css). Praticamente la stessa cosa, ma in un solo clic. :)

Attenzione: probabilmente anche se è tutto a posto riceverete un warning:

"Using Direct Input mode: UTF-8 character encoding assumed"

Apparirà anche se nelle vostre pagine avete inserito correttamente il meta-tag Content-Type: appare quando la validazione viene effettuata su un file inviato in upload al validatore (che è quello che il tool fa).
Niente panico: il warning sparisce quando le pagine sono online.
Concludendo, consigliatissimo e molto pratico.
Se vi interessa l'argomento, la prossima volta vi spiego come validare documenti XHTML 1.0 Strict anche se sviluppate in Asp.net... ;)

Tutorial: il cielo nei paesaggi (e le modalità di fusione)

2010-12-19T14:20:00.002+01:00

Finalmente dopo tanto tempo un tutorial!

Uhoooooooooooo!! <- folla in delirio :)

Per l'occasione ho ripescato un paio di foto di paesaggi (no comment, io e i paesaggi siamo due mondi a parte) scattate la primavera scorsa nei dintorni di Madrid.

La regola n. 1 per scattare dei buoni paesaggi "sarebbe" avere i filtri adatti: questo perché (sono certa che ve ne siate già accorti senza questa mia illuminante rivelazione) il cielo spesso è molto più luminoso di tutto il resto della scena, soprattutto (come in questo caso) con luce crepuscolare e soprattutto (come in questo caso!!) quando ci si ostina a fotografare la parte più luminosa del cielo... cioè quella con il sole!

In mancanza di filtri (ed esperienza... perché i filtri poi bisogna anche saperli usare... e io anche se li avessi NON li saprei usare), la cosa migliore da fare per non perdere quello scorcio che ci ha lasciati senza fiato è "scattare alla meno peggio" per cercare di avere un'immagine con il maggior numero di informazioni possibili.

Attenzione: non sto per parlare di HDR. Per questioni ideologiche non pratico l'HDR ^_^

No, a parte gli scherzi. Sono sicura che l'HDR sia una figata. Davvero. E' che proprio non è nelle mie corde. Lascio volentieri l'argomento a qualcuno più preparato di me.

Torniamo alla premessa di cui sopra e cioè

tramonto / paesaggio bellissimo
non ho i filtri adatti
non voglio fare più scatti a esposizioni diverse e poi mixarli (HDR)
voglio fare uno scatto unico e poi recuperarlo meglio possibile in post

L'esposizione che io scelgo in questi casi (e ho avuto modo di esercitarmi molto bene in Scozia, dove credo ci sia il cielo più bello e più fottutamente luminoso del mondo) è quella che mi permette di

non bruciare il cielo (o bruciarne un'area minima nella zona adiacente al sole)
non sottoesporre eccessivamente la terra

NB: può essere una buona idea attivare l'istogramma sul display della vostra reflex ;)

Veniamo al caso studio di oggi:

Un bel cielo plumbeo con sprazzi di "vanilla sky" potenzialmente bruciacchiato, ma attenzione: l'istogramma mi dice che non c'è bruciatura. Al momento dello scatto, questa è l'unica cosa che mi interessa.

La terra è sottoesposta ma non ho perso i dettagli delle ombre (vedere alberi al centro). A occhio può sembrare tutto nero, ma l'istogramma mi conferma che c'è tutto quello che ci deve essere.

Prendo per buono l'istogramma, impacchetto il tutto, prendo l'aereo e torno a casa, dove verifico se effettivamente la foto è recuperabile o meno.

In questo caso ciò che dovrebbe essere recuperato sono:

i dettagli delle alte luci del cielo
i dettagli in ombra degli alberi al centro

come si verifica di non aver bruciato il dettaglio delle alte luci?
in altre parole, un'area bruciata (completamente bianca) è persa, non si recupera. Mentre un'area che sembra bruciata ma è solo molto sovraesposta (non completamente bianca) si può recuperare.
Per controllare le altre luci, io agisco sui livelli: prendo l'indicatore delle ombre e lo sparo a destra, appiccicato all'indicatore delle luci, così come vedete qui di fianco.
Le aree bruciate appariranno in bianco; le aree sovraesposte ma non bruciate, in rosso e giallo; tutto il resto diventa nero.
Questo è il dettaglio del mio cielo, dopo il test dei livelli: c'è una piccola bruciatura nella zona adiacente al sole, più che accettabile, mentre tutto il resto (in rosso) si può recuperare.

Se avessi avuto un risultato di questo tipo, invece, avrei saputo che le aree in bianco non sono comunque recuperabili.

In sintesi:
cielo sovraesposto ma non bruciato
cielo bruciato
Come si verifica di non aver "bucato" il dettaglio delle ombre?
Stessa cosa, ma all'incontrario.
Con i livelli, sposto l'indicatore delle alte luci tutto a sinistra (lo "spiaccico" sulle ombre. Vedere qui di fianco.
In questo modo, avrò quasi tutto bianco tranne le aree "bucate" (cioè completamente nere) in nero, e le aree sottoesposte in giallo e verde.
Questi sono gli alberi al centro della scena, dopo il secondo test dei livelli: anche se l'area è molto scura, il dettaglio delle ombre è stato conservato al 100%. Si può recuperare.

Se il risultato fosse stato una cosa di questo genere, avrei saputo che i dettagli dell'area in nero erano andati persi (troppo sottoesposti = bucati)

In sintesi:
dettaglio degli alberi recuperabile
dettaglio degli alberi perso
Attenzione: lo so che questi primi due punti sembrano un po' ostici e pallosi, ma quando ho una foto con un range tonale molto ampio (paesaggi, controluce... ritratti esposti male, perché no :)) io preferisco perdere quei due minuti per fare questa velocissima verifica, piuttosto che perdere tempo su una foto e poi accorgermi all'ultimo che certe zone non si possono recuperare!
Quindi leggeteli bene questi due punti e se qualcosa non è chiaro chiedete... e cercherò di spiegare ^_^
Fine delle chiacchiere, si comincia il lavoro "sporco": schiariamo un po' il tutto
C'è un sistema sicuro per dare una schiarita alla scena senza correre il rischio di bruciare le alte luci: con i livelli, intervenendo solo sulla gamma (cioè la levetta al centro, quella grigia).
Questo è il risultato, aumentando la gamma di 0.1 punti (cioè portandola a 1.10): tiriamo fuori il dettaglio degli alberi.
Adesso veniamo alla parte più "ostica": creare una maschera per intervenire solo sulle aree più luminose del cielo.
Do per scontato (illusa io!) che sappiate già come funzionano le maschere, cioè bianco = opacità totale, nero = trasparenza totale... se così non fosse, suggerisco un ripasso... ^_^
In questo caso la natura stessa dell'immagine ci facilita le cose: facciamo per prima cosa una copia del livello di base, e una successiva conversione in b/n

cerchiamo il tipo di conversione che lasci più contrasto possibile nel cielo, scurendo al massimo la terra (se è nera, meglio ancora)
Sempre sul livello duplicato (lo chiameremo per comodità "LIVELLO MASCHERA"), applichiamo i livelli per aumentare il chiaroscuro: area luminosa del cielo quasi completamente bianca, terra nera (vuol dire tirare un po' a destra l'indicatore delle ombre, e un po' a sinistra quello delle luci)
Questa è la nostra maschera di regolazione per il cielo, per ora teniamola in un livello separato (invisibile) e poi vediamo cosa farne:
Ci sono molti modi per scurire un cielo: quello che io preferisco è applicare una copia del livello in modalità di fusione sottrattiva. Traduco in italiano: faccio una copia del livello di base (lo chiameremo per comodità "LIVELLO SCURISCI"), e imposto la modalità di fusione del livello su "Moltiplica". In questo caso, ho anche fatto una conversione in b/n e ho regolato un po' i livelli per avere il massimo contrasto nelle aree più sovraesposte.

Quindi, in soldoni: 1) duplica livello, 2) converti in b/n e regola i livelli, 3) cambia la modalità di fusione su "Moltiplica".
Come vedete, abbiamo recuperato in un attimo tutti i dettagli delle alte luci del cielo, ma abbiamo scurito eccessivamente tutto il resto. Ora vediamo come applicare questo effetto solo dove serve.
Mascheriamo l'effetto. Andiamo a riprendere il nostro LIVELLO MASCHERA, copiamolo e applichiamolo come maschera di livello su LIVELLO SCURISCI.
Domanda da 1.000.000 di dollari. Come si fa ad applicare un livello come maschera di un altro livello?
Con Photoshop:
- attivo LIVELLO MASCHERA e lo copio, ctrl+A, ctrl+V
- deseleziono tutto, ctrl+D
- attivo la maschera veloce (in basso nella toolbox, tasto rapido: Q)
- incollo, ctrl+V
- disattivo la maschera veloce (Q): apparirà una selezione.
- attivo LIVELLO SCURISCI e applico la selezione come maschera del LIVELLO SCURISCI (basta creare una nuova maschera di livello e viene automaticamente presa l'area selezionata)
Con Paint Shop:
- attivo LIVELLO MASCHERA e lo copio, ctrl+A, ctrl+V
- attivo LIVELLO SCURISCI e aggiungo una maschera vuota
- attivo la maschera di LIVELLO SCURISCI e incollo dentro (ctrl+maiusc+L)
Fatto :)
LIVELLO MASCHERA non serve più, lo potete cestinare!
Il risultato dovrebbe essere una cosa del genere:

Sperimentate modalità di fusione diverse e vedete come cambia l'effetto.
Potremmo aver finito qui, ma per questo paesaggio volevo un'atmosfera più fiabesca :)
Quindi qui comincia la fase del taroccamento :)
Voglio un cielo meno saturo, quindi cambio la modalità di fusione da "Moltiplica" a "Colore più scuro"
Non contenta di ciò, do un tono violetto al LIVELLO SCURISCI con la regolazione di tonalità e saturazione (modalità "colora", tonalità sul viola e saturazione non molto alta)
C'è ancora una leggera dominante rossa che vorrei eliminare, soprattutto per recuperare il verde della vegetazione. Applico il bilanciamento colore in questo modo:
Ombre: verde +16 (per gli alberi)
Mezzitoni: ciano +12 e blu +16 (per eliminare la dominante rossa e raffreddare il cielo)
Luci: Rosso +9 (per recuperare il calore nelle alte luci)
Per finire aumento leggermente la tonalità con la regolazione di tonalità e saturazione: un +13 sulla tonalità mi permette di avere un verde "più verde" e un cielo ancora più violetto. Si può anche aumentare leggerissimamente la saturazione. Senza esagerare, però!

Conclusioni
Questo ovviamente è solo il procedimento che ho voluto seguire per questa particolare foto: situazioni di scatto differenti richiedono una postproduzione differente e vi dirò di più, a me capita spesso di scattare in funzione del tipo di postproduzione che ho intenzione di fare.
Quindi potrei scattare una foto volutamente scura (come in questo caso) perché so come intervenire in post.
Le raccomandazioni:

familiarizzate con l'istogramma della vostra reflex, non fate affidamento sulla miniatura che vedete nel display
imparate a usare le maschere di livello in modo "smart" (oggi abbiamo visto come utilizzare una maschera di livello ricavata direttamente dall'immagine, con un effetto più naturale rispetto a una maschera editata manualmente)
sperimentate moltissimo i livelli di fusione... questa devo averla già detta :) ma quando si lavora con i chiaroscuri molto marcati i livelli di fusione possono rivelarsi provvidenziali.

La foto di oggi era molto luminosa, da qui la scelta di utilizzare una fusione sottrattiva (Moltiplica, Colore più scuro... ma provate anche Colore brucia)

In altre circostanze, magari, può essere più utile schiarire o aumentare il contrasto locale: provate una combinazione delle fusioni Scolora, Schiarisci e Colore Scherma...

oppure, per aumentare il contrasto, sperimentate la modalità Sovrapponi... e lavorate anche sulla trasparenza del livello ;)

In ogni caso ribadisco quello che ho detto all'inizio: questo non è il modo giusto per scattare foto di paesaggio. Io non sono brava a scattare foto di paesaggio. Questo è un sistema per salvare il salvabile quando fate un viaggio da qualche parte e volete portarvi via qualche bella cartolina, ma siete troppo pigri per imparare ad usare i filtri ;)

Fibre di luce. Foto, ovviamente. Ma non solo

2010-12-16T12:22:00.001+01:00

Va bene, va bene, va bene.
Prometto che dal prossimo post smetterò di fare pubblicità occulta (ma neanche tanto) e mi dedicherò di nuovo ai tutorial.
Ma questa non potevo non raccontarvela, perché è un progetto in cantiere da tanto tempo (quasi due anni dalla prima ideazione alla stesura definitiva) e c'è tanto di noi due qui dentro: è stato ragionato, fatto decantare, demolito e ricostruito tante di quelle volte, che alla fine credo che, sì, ci siamo riusciti.

"Fibre di luce" è veramente quello che siamo, e quello che facciamo. Anzi, che ci piace fare.
Quindi, senza altre chiacchiere inutili, vi lascio alla visione del sito.

www.fibrediluce.it

Qualsiasi considerazione è, come sempre, più che ben accetta... usatela l'area commenti, non siate timidi: in fondo io non mordo! ;)
(cioè, a volte sì, ma oggi si dà il caso che abbia già mangiato)

Le 5 regole d'oro della postproduzione

2010-12-10T21:15:00.001+01:00

Abbiamo parlato molto, in passato, di tecniche varie di postproduzione fotografica e fotoritocco.
Ultimamente, lo avrete notato, sono un po' a corto di idee: più che altro perché mi rendo conto che gli interventi di fotoritocco che mi capita di fare, sono talmente specifici e mirati alla particolare foto, che non avrebbe senso farne un tutorial.

Per questa ragione oggi mi va di affrontare l'argomento in maniera un po' più generica, e vi do un elenco di 5 regole che più che regole vere e proprie sono un riassunto del mio personale modus operandi...

progettare il fotoritocco: a cosa voglio arrivare?
qual è il risultato che voglio? quali sono le differenze rispetto all'originale?
Che non vuol dire che non si possa arrivare a risultati esaltanti andando a tentativi, ma spesso il tempo per i tentativi non c'è e quindi bisogna avere ben chiari i passaggi da effettuare prima ancora di aprire Photoshop (o Paint Shop, o Gimp, o quello che vi è più comodo)
capire bene cosa significa mescolanza additiva / sottrattiva: imparare benissimo come si comportano i pixel e i colori quando sono sovrapposti tra loro in modalità diverse. In questo modo spesso si arriva al risultato voluto semplicemente aggiungendo qualche livello con modalità di fusione "ad hoc" ;)
{ad esempio: provate a duplicare il livello e impostare la modalità di fusione su scolora, moltiplica e sovrapponi. Poi fate la stessa cosa con il livello duplicato e convertito in b/n...}
ogni intervento comporta una perdita di informazione (anche minima) quindi fare sempre una copia dell'originale, e cercare di arrivare al risultato finale con meno passaggi possibile (e su livelli diversi, in modo da poter recuperare "pezzi" dai livelli sottostanti)
Per la stessa ragione, una buona abitudine è quella di utilizzare i livelli di regolazione piuttosto che le regolazioni nude e crude direttamente sul livello (Paint Shop li ha, Gimp non lo so, Photoshop li ha resi molto più "user friendly" dalla CS4 in poi).
La ragione è semplice: i livelli di regolazione si possono in qualunque momento... "spegnere".
{Quindi, se ad esempio hai impiegato un'ora e mezza a clonare via uno sconosciuto dal tuo tramonto sulla skyline newyorkese, e all'ultimo momento decidi che quel bilanciamento colore che avevi aggiunto all'inizio non ti piace più, sarai felice di non dover ricominciare tutto da capo...}
E poi i livelli di regolazione si possono mascherare. Vedere il punto 4.
Le maschere di livello sono nostre amiche: non si può mai sapere quando avremo bisogno di recuperare una porzione di immagine da un livello dopo averla cancellata. Ciò che è cancellato non si recupera, ciò che è "mascherato", sì!
Oltre a ciò, avere dimestichezza con le maschere vi permette di sfruttare al 100% i livelli di regolazione... vedere punto 3
Quindi: prendere tanta, tanta, tantissima confidenza con le maschere di livello.
SPERIMENTARE, SPERIMENTARE, SPERIMENTARE! Non fermarsi mai a quello che ci riesce bene, ma cercare sempre nuove strade per ottenere nuovi effetti! ;)
{Magari la sperimentazione evitiamo di farla su quel lavoro importante che dobbiamo consegnare entro due ore, ma nel normale cazzeggio fotografico che io faccio e che sono sicura ognuno di noi fa, la sperimentazione ci sta tutta}
Tanto esiste il comando "Annulla" :P
e poi... avete fatto una copia dell'originale, no? ;)

Finalmente operativi + ...idee regalo?

2010-12-09T12:32:00.002+01:00

Le persone "normali" approfittano del ponte dell'Immacolata per fare il presepe e l'albero di Natale.
D'altra parte, le persone "normali" probabilmente non hanno in casa una feroce e pericolosa GATTA divoratrice di rami di plastica, con la molesta indole cleptomane scatenata da tutto ciò che ha l'aria di non dover assolutamente essere rubato, come (elenco parziale): palline, fiocchetti, pupazzi, pecorelle...

Di conseguenza noi, che tanto normali in fondo non siamo, piuttosto che allestire un improbabile luna park felino, abbiamo approfittato della giornata inaspettatamente libera per allestire altro: e così finalmente, in attesa di trovare uno spazio più grande, il nostro mini studio fotografico (mini nelle dimensioni, ma superaccessoriato) è pronto e operativo! :)

E veniamo a ruota al secondo punto all'ordine del giorno: le idee regalo per il Natale 2010.
Avete pensato, per questo Natale, di fare un regalo... fotografico?
Potreste ad esempio regalare un minibook fotografico alla fidanzata, fidanzato, sorella, amica del cuore.
Oppure farvi un bel calendario sexy / fashion / ironico / burlesque e regalarlo alla vostra dolce metà perché si ricordi di voi in ogni mese del 2011!
O ancora... regalare un corso di fotografia, privato ed intensivo!
Spedire un poster con fotodedica a un amico lontano.
Oppure preparare degli originali bigliettini natalizi, con tutta la famiglia vestita da... renne :)
E che ne dite di impaginare un bel fotolibro con le vostre foto preferite per mamme e nonne? (le nonne vanno matte per le foto dei nipoti)

Se avete già dimestichezza con la macchina fotografica e i software grafici, la maggior parte di queste idee possono essere originali soluzioni fai-da-te.
Però, se avete bisogno di una mano esperta (dal semplice consiglio all'intervento grafico / fotografico)
stabilite un budget, mandatemi una mail, e di certo qualcosa di simpatico salterà fuori! ;)

Cosa bolle in pentola...

2010-11-30T11:07:00.001+01:00

Mea culpa, sto clamorosamente trascurando il blog da tempo immemore, soprattutto per quanto riguarda i tutorial.
Ci sono in realtà alcune novità (avrete visto il sito, che era in lavorazione... uhm... da appena DUE anni), e tante altre cosette che sono in preparazione tra cui una sala posa come si deve (anche se per il momento ci siamo "arenati"), e qualche idea per un workshop di cui vi dirò se si concretizza, e un progetto abbastanza importante (per noi) ma che non vi voglio anticipare... Questi a grandi linee gli "alibi" che mi tengono lontana dal blog.

Ah no, ce n'è un altro in realtà: la fotografia non mi bastava, ho trovato una nuova "droga creativa" nella legatoria artigianale e il cartonaggio :)
Quindi ora il mio già poco tempo libero lo divido tra la reflex e la carta dipinta, piegata, incollata.

D'altra parte nel mio processo creativo mentale la foto entra nella lente, passa attraverso il pc e arriva su carta, da qui il mio recente interesse per la carta. Lo so, sono un casino!

E questo post è totalmente inutile, ma mi interessava farvi capire come mai ultimamente si parla poco di Photoshop, Paint Shop e Gimp, e come mai a breve si parlerà di cartone, spago, stoffa e colla vinilica!

Tutorial sì, tutorial no
Visto, però, che mi rendo conto che molti di voi stavano qui per i tutorial di Photoshop e non per i miei sproloqui deliranti su carta e cartoncino (anche se qualcosa lo potevate intuire, in tempi non sospetti dal soft-box versione art-attack!), visto poi che sul fronte tutorial sono un po' a corto di idee... se avete richieste e curiosità su come si ottiene un determinato effetto, scrivetemi: lulu@viziocreativo.it
Se la cosa è fattibile, vi accontento volentieri! ^_^
Per la cronaca, vi segnalo la sezione fotoritocco sul mio sito, dove ho aggiunto qualche "before/after" per far vedere da che tipo di foto si parte per arrivare dove si arriva.

P.S. Se invece l'argomento cartonaggio/legatoria vi "sconfinfera", vi segnalo questo interessantissimo forum:
http://artigianalmente.forumattivi.com/scrap-cartonaggio-e-legatoria-c9/

Buona luce... e buona carta!

L'arca di Noè

2010-11-28T10:35:00.027+01:00

Metti una giornata uggiosa all'Eur.
Metti delle lumache giganti rosa.
Metti i murales di un asilo d'infanzia.
Metti una modella spigliata e un po' pazza che corre, salta, balla e fa le boccacce.
Aggiungi un paio di flash e fai rosolare tutto a fuoco... vivace ^_^

Grazie a Noemi per l'inconsueta performance! ;)

L'arca di Noè

NB: per chi se lo stesse (giustamente) chiedendo, le chiocciole fucsia sono una vivace installazione del Cracking Art Group e saranno a Roma in Viale della Civiltà del Lavoro (EUR, davanti al Colosseo quadrato) fino a gennaio 2011

VizioCreativo è online!

2010-11-19T14:08:00.001+01:00

Dopo un lungo ed estenuante work-in-progress, eccolo qui finalmente, il mio sito / portfolio.
Ancora tante cosette da sistemare, aggiungere, ottimizzare e mettere a punto (bug inclusi).
Ma intanto beccatevi la "beta version" :)

www.viziocreativo.it

Qualunque osservazione è più che benvenuta!

Cheers, Lu

Installare nuove font

2010-10-04T10:00:00.004+02:00

E’ un’operazione veramente semplice ma alcuni non sanno neanche da che parte cominciare.
L’installazione di nuove font (sì, ho scoperto recentemente che "font" è femminile) è indispensabile quando ci serve di aggiungere uno stile ben preciso al nostro lavoro. Esistono decine di risorse per il download di font gratuite ma di questo magari parleremo un’altra volta…

Ecco in breve le semplici operazioni da effettuare per installare un nuovo carattere:

i file delle font sono caratterizzati dall'estensione .ttf (True Type Font).
Se scaricate un carattere da un sito, avrete nella maggior parte dei casi un file zip contenente il file .ttf.
Scompattate lo zip e salvate il .ttf da qualche parte (anche sul desktop)
aprire la cartella dei caratteri:
1. da menu Avvio -> Impostazioni -> Pannello di controllo -> tipi di Carattere
  oppure
2. da menu Avvio -> Esegui -> “c:\windows\fonts”
Installare il nuovo carattere:
1. menu File – Installa nuovo tipo di carattere
2. scegliere la cartella in cui avete salvato il file .TTF

…FATTO

Ora il nuovo carattere sarà disponibile in tutti i vostri programmi di grafica, office, ecc.

Attenzione perché alcuni programmi caricano l’elenco delle font all’avvio, quindi se il programma era aperto durante l’installazione del nuovo carattere, forse avrete bisogno di chiuderlo e riaprirlo per vedere le modifiche…

Un sistema ancora più veloce? Ok

Diciamo che avete appena scaricato la nuova font da installare (es. da DaFont.com che è il mio preferito)..

di solito i caratteri sono disponibili in un file zip che contiene il .ttf + un file ReadMe.txt

Aprite il file .zip con winZip o winRar o quello che preferite
Estraete il file TTF direttamente in c:\windows\fonts

…FATTO!

Hai un MAC? Ancora più semplice: doppio clic sul file TTF… e il carattere si installa da solo!

Hai VISTA? Detto, fatto: se fai clic con il tasto destro del mouse sul file TTF, vedrai che c'è la voce "installa"... et voilà!

Informazioni di copyright

Un’ultima considerazione: fate sempre molta attenzione all’eventuale file readme (o leggimi) che accompagna il font: di solito contiene informazioni sul copyright e sulla licenza d’uso. Alcuni font infatti sono gratuiti, ma possono essere utilizzati solo per progetti non commerciali. Altri invece richiedono che venga indicato l’autore da qualche parte. Altri invece sono completamente liberi. Vale la pena dare un’occhiata, può evitarvi di incorrere in problemi legali (rarissimo, ma estremamente fastidioso se succede).
E poi, ricordiamocelo, chi ha creato un font e lo ha “regalato” al web è un creativo che ci ha fatto un enorme favore: è un gesto doveroso leggere quello che ha da dire!

Alla prossima

Microstock: guadagna soldi vendendo immagini

2010-10-02T09:00:00.001+02:00

AAA Grafici, Fotografi, Creativi...

Sei un grafico?
Un fotografo?
Un illustratore?
Un creativo?
O, in generale, un appassionato di arti grafiche?

Questo post fa per te. Sì sì: sto parlando proprio con te! ;)

Del microstock abbiamo già parlato (per la precisione, qui), e come promesso sono qui a spiegare come guadagnare soldi vendendo foto tramite i siti di Microstock.

Il principio è semplice: i siti di Microstock altro non sono se non delle vere e proprie agenzie.

Vendono immagini, e pagano una percentuale all'autore.

La commissione varia in base a un certo numero di fattori: salvo casi particolari, all'autore spetta dal 20% al 60%, su foto che vengono vendute a prezzi molto bassi (a partire da 20 cent l'una).

La licenza di vendita è di tipo Royalty Free (RF): questo vuol dire che chi acquista l'immagine paga i diritti d'autore al momento dell'acquisto, dopodiché la può utilizzare senza limitazioni nel rispetto ovviamente di un contratto di utilizzo che prevede specifiche restrizioni (ad esempio, una foto acquistata con licenza RF non può essere venduta). Ma di questo tipo di licenza parleremo più dettagliatamente in un altro post: non voglio annoiarvi ;)

Il concetto fondamentale è che il microstock vende su larga (larghissima) scala: il mercato pubblicitario ha sempre bisogno di materiale inedito, ed il microstock funziona in base al principio che

è molto più facile vendere 1.000 copie di una foto a 25 cent
piuttosto che una singola copia a 25$.

Per grafici e fotografi professionisti: è un'opportunità di abbracciare una fetta di mercato normalmente non raggiungibile con i mezzi tradizionali, utilizzando foto che rimangono per lo più inutilizzate in fondo agli hard disk. Investendo un po' di tempo e risorse in materiale pubblicitario mirato, invece, si possono ottenere guadagni interessanti.

Per i semplici appassionati, che siate dilettanti con una buona fotocamera digitale o grafici amatoriali che si divertono con photoshop, paintshop, illustrator e chi più ne ha più ne metta, può essere un'ottima occasione di migliorare la propria abilità grafica e fotografica (il microstock richiede standard qualitativi abbastanza alti), in più guadagnando qualcosa: se siete abbastanza fantasiosi, non c'è bisogno di attrezzatura costosa per creare una foto che "vende".

Questi sono alcuni fra i siti di microstock che ho sperimentato personalmente.

Ciascuno ha regole, statistiche di vendita e commissioni differenti. Alcuni di essi mi hanno dato molte soddisfazioni nel corso dei mesi: ve li descriverò dettagliatamente nei prossimi post.

Per finire, vi faccio qualche esempio di alcune immagini che sono fra le "best-seller" del mio portfolio:

46 dl: ± 50$

18 dl: ± 20$

50 dl: ± 18$

Come vedete, se è ovvio che una fotografia scattata in una sala posa professionale (l'ultima) abbia buone chances sul mercato pubblicitario (non a caso, l'ultima è online da meno tempo delle altre ed ha totalizzato 50 download in poco più di un mese)... paradossalmente la foto che mi ha dato più guadagni è un'istantanea abbastanza scadente (anzi... io la trovo decisamente bruttina...) che però ha, evidentemente, un vasto campo di applicazione pubblicitaria ;)

Nel prossimo post vi spiegherò meglio quali sono le immagini che per la mia esperienza "tirano" di più sul mercato, e soprattutto quali sono i requisiti perché le vostre foto ed illustrazioni siano accettate! ;)

Yongnuo RF-602 Transmitter/Receiver - Recensione

2010-10-01T09:00:00.003+02:00

Stanchi di poter usare il flash solo "on camera"?
Vi siete imbattuti nel blog strobist.com e vi è presa la smania di staccare il flash dalla macchina?
Ma il cavo sincro è scomodo, e i Pocket Wizard costano troppo???
...
come vi capisco :)
Io ho trovato la pace dei sensi con gli Yongnuo RF-602, economici e funzionali: se volete saperne di più, ho pubblicato una recensione su Ciao.it.
Potete leggerla qui:
Yongnuo RF-602 Transmitter/Receiver

Metz Mecablitz 48 AF-1, recensione

2010-09-30T10:27:00.001+02:00

"Io non uso il flash, preferisco usare la luce naturale"

Quante volte avete sentito questa frase? :)
Per chi ne vuole sapere di più sull'uso del flash esterno, ho pubblicato su Ciao.it una recensione di un ottimo flash, il Metz Mecablizt 48 AF-1, con qualche consiglio pratico (valido anche per altri modelli di flash)
Potete leggerla qui
Metz Mecablitz 48 AF 1 digital - Flash ad innesto su contatto caldo

Buona lettura... e buona luce ;)

Microstock: immagini GRATIS per il tuo web

2010-08-31T12:47:00.001+02:00

"Un'immagine vale più di mille parole"

Chi pubblica contenuti sul web lo sa bene: una buona immagine è un valore aggiunto senza paragoni in qualunque sito, newsletter o blog. Procurarsi buone immagini pubblicitarie non sempre è facilissimo: quasi tutto il materiale presente in rete, anche se facciamo finta di non saperlo, è coperto da copyright, e pubblicare un'immagine senza autorizzazione scritta dell'autore può avere conseguenze legali anche gravi. Quello che non tutti sanno, è l'esistenza di un mercato definito "Microstock" che offre immagini di qualità professionale (foto ed illustrazioni) in licenza "Royalty Free" (ovvero: libere dai diritti, ed utilizzabili anche per scopi commerciali) a prezzi ridicoli... o in alcuni casi persino gratis!

E' il caso, ad esempio, di Dreamstime: tutte le immagini che vedete in questo articolo sono tratte da Dreamstime e sono disponibili in licenza gratuita. Basta registrarsi per avere accesso alla sezione "Free images" che contiene centinaia di immagini gratuite. Un'ampia sezione di immagini e foto gratis la trovate sul sito 123RF: controllate periodicamente la sezione free perché vengono aggiunte continuamente nuove immagini.

Ma non è tutto. se non avete trovato l'immagine giusta fra quelle gratuite, provate a consultare la sezione commerciale: troverete immagini di altissimo livello a partire da 0,25 $ (USD)... meno di 0,20 eurocent! I prezzi variano ovviamente a seconda della risoluzione e del numero di crediti acquistati: se siete dei designer ed avete bisogno di moltissime immagini per i vostri prodotti (web, volantini, biglietti da visita, brochures, ecc.), vi consiglio l'abbonamento a Shutterstock, che propone degli abbonamenti veramente interessanti con cui potrete scaricare fino a 25 foto al giorno. Questo è un elenco di alcuni siti di Microstock dove potrete trovare bellissime immagini libere dai diritti: 123RF - Royalty Free + immagini GRATIS Dreamstime - Royalty Free + immagini GRATIS CanStock Photo - Royalty Free YAY Micro - Royalty Free Shutterstock - Royalty Free

E non finisce qui: attraverso i siti di MicroStock è possibile anche... guadagnare soldi ;)

Ma questo ve lo racconto in uno dei prossimi articoli

Sommersi dagli appunti? c'è Google blocco note!

2010-05-14T14:00:00.001+02:00

Come navigate voi?…

Io quando devo fare una ricerca sul web, che si tratti di prenotare un volo per Valencia, raccogliere informazioni su un film o cercare una ricetta per la torta al limone, di solito apro Google e poi comincio a cliccare sui risultati che mi interessano aprendo una scheda nuova per ogni link… insomma… se non ho una quarantina di schede aperte non sono soddisfatta!! :)

Così ho subito una panoramica su quello che sto cercando, controllo subito le pagine che a occhio mi sembrano più interessanti e poi passo a spulciare tutte le altre… il più delle volte poi comincio a chiudere le schede in ordine sparso così spesso e volentieri mi perdo le informazioni che avevo trovato.

Brava tonna. Lo so.

Così ho preso l’abitudine di inserire le pagine più interessanti nei preferiti.

Ma siamo onesti.
Chi mai va a mettere in ordine la cartella dei preferiti?
NON IO.

Risultato: il delirio.
Allora sono giunta alla conclusione che quando trovo qualcosa, apro il blocco note e faccio copia incolla del link e del testo che mi interessa. Rudimentale ma efficace, perché poi salvo il file di testo con un nome a casaccio. E il più delle volte (ma non sempre) non so più dove andarlo a ripescare.
Ok.

Ammetto di essere un disastro.

Ma penso che non abbiate bisogno di essere disordinati come me per apprezzare lo strumento Google che vi descrivo oggi: stiamo parlando di Google Blocco note

Se avete già un account GMail siete già abituati all’interfaccia essenziale e pratica di Google e vi farà piacere ritrovarla anche qui.

Non abbiamo scoperto l’acqua calda: a tutti gli effetti è un vero blocco appunti, ma ce l’avete a disposizione sul web da dovunque vi colleghiate (un po’ come GMail, in effetti)

Fin qui però, diciamolo, niente di eclatante.

Mi è già capitato di prendere appunti su messaggi di GMail che ho salvato come bozza e recuperato quando ne avevo bisogno.

L’aspetto più interessante di Google Blocco note è l’estensione per il browser che trovate qui:

http://www.google.it/notebook/download/

In pochi secondi (occhio che bisogna riavviare il browser), avrete a disposizione nel vostro browser un nuovo strumento.

La funzione più utile è quella che permette di prendere appunti direttamente dal testo selezionato all'interno delle pagine web...
guardate un po' qui:
Facciamo conto che io stia cercando la mia famosa ricetta della torta al limone, e ho già aperto le pagine che mi interessano.
Per prima cosa, creo un nuovo blocco note.

Poi, seleziono il testo che mi interessa e lo memorizzo con il pulsante

Ripeto l’operazione con tutte le pagine interessanti o che voglio comunque memorizzare...

...e in pochi clic ecco qui tutti i miei appunti, aperti a pagina intera:
Non so voi, ma io credo di essere abbastanza… “Google addicted” :)
Io l’ho provato solo su Firefox, purtroppo non esiste ancora una versione per Chrome; assicurano la compatibilità con IE ma non so dirvi… in caso fatemi sapere! ;)

Tutorial: effetto stoffa

2010-05-11T12:10:00.002+02:00

Rieccoci... sto trascurando un po' l'area tutorial, me ne pento e me ne dolgo ma purtroppo per me le moderne tecnologie di clonazione non sono ancora così affidabili e quindi non ho avuto modo di crearmi degli alter ego efficientissimi a cui demandare le altre 8.000 attività che sto seguendo... :)
Tradotto: sono più incasinata del solito!

Bando alle ciance.
Oggi il tutorial è facile facile.
Ho sperimentato un nuovo effetto su una foto e mi sembrava interessante condividerlo.
Mi è stato chiesto come ho fatto ad ottenere questo "effetto stoffa":

Niente di difficile, si tratta come sempre di sfruttare i livelli, le modalità di fusione e le maschere.
In questo caso entrano in gioco anche un paio di filtri tra i più elementari. Ho usato Photoshop ma si può ottenere un risultato identico sia con Paint Shop Pro che con Gimp.

Per prima cosa, apriamo l'immagine di partenza ed aumentiamo i margini: Immagine > Dimensione quadro (Dimensione tela per PSP, Canvas size per la versione inglese)
Attenzione a impostare l'unità di misura da cm a pixel.
Aggiungiamo un passepartout di circa 100 pixel per ogni lato. Ad esempio, se l'immagine di partenza è 3000x2000px, aumentiamo le dimensioni a 3200x2200px
Il risultato è questa oscena cornicetta nera (o di altro colore: non importa, perché dopo la taglieremo via) intorno alla foto. Vi spiego più avanti perché abbiamo fatto questa cosa.
Aggiungiamo un nuovo livello di riempimento di un colore scuro ma ben saturo. Io ho scelto il rosso scuro.
Poi, (importante) selezionando la maschera del livello di riempimento, utilizziamo il filtro "aggiungi disturbo". Usiamo un valore abbastanza basso per il disturbo (30%), ed il risultato dovrebbe essere questo:
Sempre agendo sulla maschera di livello, invertiamo la maschera: Immagine > Regolazioni > Inverti
(con PSP: Regola > Bilanciamento colore > Immagine negativa)

In questo modo i "buchetti" sono diventati ora dei puntini rossi sull'immagine
Continuiamo a lavorare la maschera di livello, applicando un effetto di movimento diagonale: Filtro > Sfocatura > Effetto movimento
(con PSP: Regola > Sfocatura > Sfocatura da movimento)
Utilizziamo un angolo di 45° e un'intensità sufficiente per ottenere delle linee continue e irregolari:
Se vogliamo accentuare le linee, possiamo agire sempre sulla maschera di livello utilizzando la regolazione dei Livelli, della Luminosità e contrasto, oppure applicando una Maschera di contrasto (o le tre cose insieme)
Infine, modifichiamo la modalità di fusione del livello di riempimento in Moltiplica

Questo è l'effetto complessivo: abbiamo creato delle striature simili alle venature del legno, per avere l'effetto stoffa ci manca ancora qualcosa.
Duplichiamo il livello di riempimento, dopodiché lo capovolgiamo orizzontalmente:

Paint Shop ha il comodo comando Immagine > Rifletti che capovolge solo il livello corrente; con Photoshop io utilizzo lo strumento Sposta attivando la spunta Mostra controlli di trasformazione: cliccando su uno dei quadratini che delimitano l'immagine, si attivano le caselle con le dimensioni.
Basta impostare la larghezza a -100% per capovolgere orizzontalmente l'immagine.
Per un effetto diverso, nulla ci vieta di scegliere un colore di riempimento diverso per il livello duplicato: qui ho scelto un colore ocra:
Ed ecco l'effetto complessivo.

Perché abbiamo lasciato la cornicetta intorno? E' presto detto.
Nascondiamo il livello base: questi sono i due livelli di riempimento sovrapposti:
Quando si applica il filtro di movimento, i pixel vicini al bordo vengono influenzati solo in parte dal filtro, e quindi rimangono più visibili. Aggiungere i margini ci permette in un secondo momento di tagliarli via, lasciando questa sgradevole "cornice" più opaca fuori dall'immagine.
Che è quello che andremo a fare ora.
Un veloce crop, e tagliamo via le parti che non servono:
Se l'effetto è troppo vistoso, possiamo agire sull'opacità dei due livelli di riempimento, oppure regolare la luminosità della maschera, oppure unirli ed andare a lavorare la maschera del livello generato dall'unione dei due livelli di riempimento e rispettive maschere.

Ed ecco il frutto delle nostre fatiche:

Al di là del fatto che possa piacere o meno applicato a questa foto in particolare, è un effetto veloce, molto versatile e altamente customizzabile che permette di dare "movimento" a superfici troppo "piatte".

Può essere usato come texture d'emergenza nei casi più disparati.

A proposito di texture... mi accorgo che non ho ancora mai parlato di come si aggiunge una texture.
Ne parleremo in uno dei prossimi tutorial.
Nel frattempo, come sempre, se avete dubbi mandatemi una mail o lasciate un commento!

Sei un webmaster? Hai un blog? Prova gli strumenti di Google

2010-05-02T21:33:00.001+02:00

Per chi non lo sapesse, Google ha da tempo sviluppato un'ampia sezione dedicata ai webmaster e agli strumenti per l'ottimizzazione dei siti web, finalizzata (non solo, ma soprattutto) all'indicizzazione delle pagine all'interno del motore di ricerca più popolare al mondo.

Non è una novità che temi come indicizzazione, motori di ricerca e pagerank abbiano in questo momento un certo peso per chi svolga una qualunque attività di pubblicazione su web: che si tratti di website tradizionale, di forum o di blog, la visibilità del sito è un dettaglio assolutamente non trascurabile.

Vale quindi la pena perdere qualche minuto per visitare la sezione "Strumenti per i Webmaster" di google:
https://www.google.com/webmasters/tools

Basta inserire l'indirizzo completo del sito (o del blog) per avere un accesso ultrarapido alle statistiche pubbliche del sito: ovvero quali sono le informazioni che Google ha già catalogato (es. pagine indicizzate, descrizione e così via)

Per statistiche più dettagliate, per la diagnostica e per gli strumenti avanzati, occorre "verificare" il sito: in altre parole, bisogna dimostrare a Google di esserne i veri proprietari.

Sono disponibili due differenti metodi di verifica:

"Carica un file HTML" è il metodo più semplice e veloce se si ha accesso FTP allo spazio web: si tratta semplicemente di uploadare un file (anche vuoto) con un nome generato automaticamente da Google (es. google8a74aga8549d9afb.html). Il file può essere cancellato dopo la verifica.
"Aggiungi un metatag" va bene se non si ha l'accesso FTP, ma si può comunque intervenire sulla struttura delle pagine ed in particolare sulle intestazioni (es. Blogger); si tratta di aggiungere alla pagina principale un metatag generato da Google (es. <meta name="verify-v1" content="..." />). Il metatag può essere rimosso dal template una volta che il sito è stato verificato.

La verifica consente di accedere agli strumenti più interessanti. Gli strumenti di diagnostica permettono di avere una panoramica sugli errori del sito e sui possibili interventi di ottimizzazione. Sono molto utili per individuare link errati e pagine non trovate, ad esempio dopo l'eliminazione di qualche pagina. Altre funzioni molto utili consentono di scoprire quali chiavi di ricerca realmente utilizzate dagli utenti restituiscono un link al sito, ed in quale posizione; oppure i collegamenti interni ed esterni al sito, il pagerank, le caratteristiche dei metatag, i titoli duplicati, ecc.

Provate.. e non saprete più farne a meno!

Misure standard per i banner pubblicitari

2010-04-29T19:55:00.005+02:00

Ecco qualcosa di cui ogni webmaster dovrebbe tenere conto nel progettare un sito web.

Stiamo parlando delle misure standard per i banner pubblicitari, così come comunemente accettate ed utilizzate in tutto il mondo, e riconosciute da alcuni enti ufficiali.

E' qualcosa da tenere in considerazione nel momento in cui:

si progetta il layout di una pagina o di un sito web (prevedendo spazi di dimensioni adatte ad ospitare banner standard)
si disegnano i banner grafici da distribuire per pubblicizzare il proprio sito: sarebbe bene infatti prevedere delle soluzioni grafiche almeno in 3 formati differenti tra i 6 raccomandati (possibilmente almeno un formato orizzontale e uno verticale)

Malgrado non esista uno standard generico per quanto riguarda i banner, queste sono le misure riconosciute e raccomandate dallo IAB (Internet Advertising Bureau) europeo, in vigore dal 2003. I formati standard a livello europeo sono i seguenti:

Banner Tradizionale 468 x 60
Skyscraper UAP 120 x 600 *
Wide Skyscraper UAP 160 x 600 *
Rettangolo UAP 180 x 150 *
Rettangolo Medio UAP 300 x 250 *
Super Banner o Leaderboard 728 x 90

* UAP sta per Universal Ad Package: sono alcuni dei 7 formati inseriti dallo IAB in aggiunta ai cosiddetti formati "storici".

I formati storici sono quelli precedenti all'inserimento delle nuove misure e sono i seguenti:

Full Banner classico 468 x 60 (raccomandato)
Banner Pieno 392 x 72
Mezzo Banner 234 x 60
Banner verticale 120 x 240
Button 1 - 120 x 90
Button 2 - 120 x 60
Button quadrato 125 x 125
Micro Button 88 x 31

Questi invece sono i formati aggiuntivi del pacchetto UAP:

Skyscraper 120 x 600 (raccomandato)
Wide Skyscraper 160 x 600 (raccomandato)
Rectangle 180 x 150 (raccomandato)
Medium Rectangle 300 x 250 (raccomandato)
Large Rectangle (Rettangolo largo) 336 x 280
Vertical Rectangle (Rettangolo verticale) 240 x 400
Square Pop-up (Pop-up quadrato) 250 x 250

Di seguito gli esempi dei formati raccomandati:

(ridotto per motivi di spazio, clic per vedere il formato originale)

Qui invece troverete un archivio zip con i file grafici in tutti i formati standard (da usare come base per disegnare altri banner)

ScaricaQUI

Tutorial: effetto "Wet floor" (pavimento bagnato)

2010-03-18T16:18:00.002+01:00

Come promesso (a qualcuno), ecco un tutorial su come ottenere l'effetto "mi si è allagata la piazza", più elegantemente soprannominato "wet flor" :)

E' un effetto molto usato nella fotografia pubblicitaria, soprattutto su soggetti scontornati, oppure per scritte, loghi, ecc.

Si usa per dare un senso di tridimensionalità ad un'immagine altrimenti piatta e perché i riflessi in fondo un po' ci ingrippano sempre, quindi dove c'è un pavimento lucido con un riflesso l'occhio ci cade più facilmente :)

A parte le miei indegne supposizioni a carattere psico-comunicativo, in realtà l'effetto "riflesso" che vi propongo oggi è un po' diverso dall'uso che se ne fa di solito e, se vogliamo, totalmente fine a se stesso.
Pazienza :)
Quello che vi propongo è di simulare un "allagamento" in un paesaggio altrimenti perfettamente asciutto.

Scegliamo per prima cosa la foto di partenza: l'ideale è una foto in cui ci sia un elemento naturale o architettonico ben distinto, e un'ampia area su cui distribuire il nostro "allagamento".
E' anche importante che queste due aree siano facilmente separabili, possibilmente sulla linea dell'orizzonte.
Andiamo a duplicare il livello di base, poi lo ribaltiamo verticalmente, impostiamo il metodo di fusione del livello su schiarisci e posizioniamo il livello superiore in maniera che le due basi dell'edificio coincidano.

In questo caso, la distribuzione della luce nell'immagine originale mi ha aiutata perché la parte da "allagare" è già prevalentemente scura, e quindi con il metodo schiarisci si vede quasi solo il riflesso dell'edificio. Tuttavia è ancora visibile il riflesso dei sampietrini tra le colonne centrali.

No problem, risolviamo subito il problema.
Aggiungiamo una maschera di livello con l'opzione nascondi tutto, poi andiamo a selezionare la zona sottostante all'edificio. In questo caso, dal momento che la base dell'edificio è quasi perfettamente allineata con l'orizzonte, una selezione rettangolare andrà benissimo.
Non c'è bisogno di essere troppo precisi in questa fase, basta che la selezione copra tutta l'immagine in orizzontale e arrivi fino al bordo inferiore dell'immagine:
Andiamo ad agire sulla maschera di livello: con lo strumento riempimento gradiente scegliamo un gradiente lineare dal bianco al grigio, dall'alto verso il basso, e coloriamo con questo gradiente sfumato la zona selezionata:

Il risultato è un riflesso più visibile in prossimità della base dell'edificio, e meno visibile man mano che ci si avvicina al punto di ripresa (i sampietrini in basso sono più visibili)
In questo caso particolare, ho bisogno di "togliere l'acqua" dal piazzale al centro.
Rendo invisibile il livello superiore, e utilizzando il lazo poligonale o il lazo magnetico, seleziono l'area del piazzale:
Area che poi riempirò di nero nella maschera di livello.
Rendo di nuovo visibile il livello superiore et voilà:
Posso rendere meno netto il bordo applicando il controllo sfocatura sul livello maschera:

(ragionevolmente, in prossimità dello scalino lo strato d'acqua sarà più sottile e meno "riflettente")
Ora voglio modificare la resa cromatica del riflesso; questo è solo un suggerimento, perché naturalmente si possono studiare molti effetti diversi a partire dallo stesso riflesso.
Aumento il contrasto e scurisco le zone d'ombra del riflesso, utilizzando i livelli e il bilanciamento colore
A questo punto vado a desaturare il riflesso, agendo direttamente sul livello superiore con la regolazione tonalità / saturazione
Per finire, riduco l'opacità del livello intorno al 70% per ottenere uno riflesso un po' più "trasparente".

Potremmo fermarci qui ma... c'è qualcosa che non va, o sbaglio?
Beh, a volerla dire tutta, anche i paletti sul bordo dello scalino dovrebbero riflettersi nell'acqua, no?
A questo punto abbiamo due possibilità: certosinamente andiamo a duplicare, riflettere e mascherare ogni singolo paletto, oppure... circoscriviamo ulteriormente la zona allagata.
Oggi mi sento pigra, ho scelto la via più breve :)
Diciamo che non si è allagato proprio tutto... diciamo che c'è solo un'ampia pozzanghera in cui si riflette l'edificio... come fare?
Ci vuole un po' di pazienza, e andando a lavorare sulla maschera di livello "anneriamo" tutto ciò che non fa parte della "pozzanghera".
Come si fa a disegnare una pozzanghera che abbia una forma realistica?
Beh, io ho seguito il bordo dei sampietrini, immaginando che alcuni di essi fossero "mancanti" e quindi invasi dall'acqua:

Per fare questo lavoro vi consiglio di utilizzare un pennello nero non molto grande, con durezza al 50% (sfumerà un pochino i bordi)
Per mio gusto personale, credo che questo riflesso più "localizzato" renda meglio cambiando la modalità di fusione da "schiarisci" a "normale".

Ed ecco il risultato finale:

Qualche considerazione finale: non è un effetto difficile da ottenere, ma non tutte le foto sono adatte allo scopo.
Se vi accorgete che state perdendo troppo tempo a far combaciare i riflessi o a mascherare le zone o altro, probabilmente non è la foto adatta. Evitate anche prospettive particolari, l'ideale sono soggetti frontali con linee orizzontali e verticali.

Approfondirò meglio l'argomento "riflessi" nel prossimo articolo, ma ricordate che forzando le prospettive si possono ottenere effetti molto finti, e non è quello che ci interessa :)

Se non avete una foto adatta ad essere "riflessa", non accanitevi inutilmente su livelli e maschere, uscite all'aria aperta e... scattatela! :)

Al prossimo articolo!

Matrimonio: spendere meno, si può?

2010-03-15T22:29:00.001+01:00

Fiori d'arancio in vista a budget "ridotto": è la situazione in cui si trovano molte coppie decise a festeggiare il loro giorno più bello in maniera adeguata, ma senza buttare soldi per ciò che è superfluo.

Da fotografo, non posso certamente dispensare consigli su come scegliere i fiori o organizzare il ricevimento, ma penso di potervi dare alcune idee su come "ottimizzare" la voce del budget che conosco meglio e che riguarda il 5%-20% della spesa complessiva, ovvero il servizio fotografico.

Lo spunto per questo articolo nasce da un servizio passato tempo fa su un importante TG nazionale, all'interno del quale una sedicente wedding planner suggeriva di risparmiare "rinunciando al fotografo professionista, e distribuendo agli invitati macchinette fotografiche usa e getta".

Ora, al di là di questo discutibile consiglio che fa quasi sorridere per la sua ingenuità, antiquatezza e antieconomicità (non c'è bisogno che vi spieghi perché la pellicola è sempre e comunque meno economica del digitale, vero?), la scelta di rinunciare al fotografo professionista affidando le foto ricordo agli invitati (che, statene pur tranquilli, verranno tutti dotati di macchina fotografica digitale di ultima generazione) non è, di per sé, né giusta né sbagliata: dipende da cosa considerate prioritario nel contesto di quella che è, prima di tutto, la vostra giornata speciale.

Quindi, se non vi interessa avere foto professionali, ma quello che vi importa è conservare negli anni un bel ricordo dei vari momenti della giornata e dei suoi partecipanti, chiedete agli invitati di portare la macchina fotografica, di scattare tante foto e di farvi un CD: avrete tante di quelle foto da riempire non uno, ma 3 album, senza buttare soldi per antiquate e costose macchine monouso a pellicola.

Costo: zero (escluse ovviamente le stampe).

Qualità: dipende (ovviamente) dall'abilità degli invitati!

Sì, ci sarà qualche faccione sbiancato dai flash, ci saranno foto sbagliate, mosse, sfocate, e probabilmente non avrete una foto assolutissimamente perfetta dello scambio delle fedi, ma come ho detto sopra, è tutta questione di priorità: se il budget è veramente ridotto ma non volete rinunciare ad avere un bel ricordo della giornata, sguinzagliare parenti e amici, macchina digitale alla mano, è certamente una soluzione più che accettabile.

Ci sono però molte altre possibilità.

Certamente, tra il reportage "casereccio" fatto dagli invitati a costo zero e il servizio fotografico da 5.000 euro con 4 fotoreporter professionisti e lussuoso album di "pelle umana", c'è tutta una vasta gamma di soluzioni intermedie che potrete sfruttare per ottimizzare i costi e creare un reportage su misura per le vostre esigenze.

Ad esempio, posto che i vostri invitati possano e vogliano darvi una mano per realizzare il reportage, potreste rivolgervi ad un professionista solo per i momenti della giornata che considerate più "irripetibili" e importanti, come la cerimonia, lo scambio degli anelli, l'uscita dalla chiesa. Naturalmente, c'è differenza in termini di budget se bloccate un fotografo solo per qualche ora o per l'intera giornata: ad esempio, alcuni scelgono di anticipare un "finto" taglio della torta a inizio ricevimento, per poter così liberare il fotografo molte ore prima.

Un'altra possibilità è quella di eliminare le stampe e i bellissimi e costosi album artigianali: magari non vi interessa un album da sfogliare, ma preferite qualche bella stampa da appendere in casa o distribuire agli invitati. Cercate in questo caso un fotografo disposto a realizzare il solo servizio fotografico e a consegnarvi le foto lavorate su formato digitale (CD o DVD): potreste risparmiare dal 10% al 30%, e scegliere in un secondo momento "se" e "come" stamparle e rilegarle.

Ricordate, in questo caso, di accertarvi che nel contratto ci sia la consegna dei file digitali ad alta risoluzione, altrimenti non potrete stampare ingrandimenti.

L'altra raccomandazione quasi ovvia, se vi sposate fuori dalla vostra città, è quella di contattare un fotografo di zona per risparmiare ovvie spese di trasferta: l'ideale anzi sarebbe, per quanto possibile, "concentrare" i luoghi del vostro matrimonio per ridurre al minimo gli spostamenti. Se vi sposate al centro di Roma sarebbe meglio evitare di fare il ricevimento a Monterotondo, soprattutto se non volete proprio rinunciare a qualche foto a Ostia Antica...

Meno tempo perso in spostamenti vuol dire più tempo per le vostre foto... e anche gli invitati ve ne saranno grati!

Lo specchietto seguente vi aiuterà a farvi un'idea su come tagliare "fette" di spesa più o meno consistenti: le percentuali sono, ovviamente, solo indicative perché ogni fotografo ha le sue personali tariffe:

Con questo accorgimento...	potreste risparmiare fino al...
niente foto della preparazione sposa	15%
anticipare il taglio torta	20%
solo file digitali (niente stampe e album)	30%
fotografo professionista solo per la cerimonia	50%

Come al solito, e lo ripeto una volta di più, dovrete per prima cosa stabilire quali sono le vostre priorità, decidere a cosa potete rinunciare di buon grado e cosa invece non volete assolutamente sacrificare; dopodiché potrete cominciare a cercare il fotografo più adatto a voi, con una richiesta ben precisa del tipo di servizio che volete e, soprattutto, di quello che non volete.

Alcune spose non rinuncerebbero per niente al mondo al fotografo in casa durante la preparazione: è un momento in cui si sentono delle vere star e questo fa cominciare loro la giornata nel migliore dei modi; altre spose al contrario non vogliono avere nessuno tra i piedi fino al momento di entrare in chiesa.

Alcune coppie ci tengono ad avere qualche bella foto artistica subito dopo la cerimonia, magari in location particolari; altre coppie non sopportano neanche l'idea di mettersi in posa e non vedono l'ora di cominciare la festa con gli invitati.

Quindi, non lasciatevi influenzare da quello che vogliono o che fanno gli altri: analizzate con serenità cosa per voi è più importante e quali sono le foto che vi piacerebbe rivedere tra 10 o 20 anni.

Detto questo, se invece non volete sacrificare proprio nulla, reclutate il vostro fotografo preferito e fatelo senza troppi "sensi di colpa": è il vostro giorno speciale, potete pretendere il meglio, e in fondo

siete voi... le star del giorno!

Fai-da-te fotografico: softbox casalingo

2010-03-10T18:04:00.002+01:00

Oggi ho avuto un attacco d'arte... uhm, no, bloccata a casa con una tendinite da quasi due settimane ho avuto più che altro una crisi di nervi :)
Nei giorni scorsi ho sperimentato che la carta da forno può essere un ottimo diffusore d'emergenza in mancanza di meglio quando si scatta con i flash.
Però ha la tendenza ad arrotolarsi e accartocciarsi e spiegazzarsi e poi avere una mano occupata a tenere la carta da forno mentre si scatta non è il massimo, così rovistando tra le cose che avevo in casa mi è sembrato di aver trovato l'oggetto ideale per costruire un piccolo softbox artigianale: una scatola per torte :)
Non è difficile, ci vorrà non più di una mezz'ora e in compenso è molto utile per fotografare piccoli oggetti o per ritratti con luce artificiale. La carta da forno assorbe un po' di luce, per cui penso sia più indicata per i flash che per la luce continua, ma vale la pena provare ;)

Ecco cosa ci serve per il nostro softbox artigianale:
- una scatola per torte, più è curva e grande, e meglio è
- carta da forno
- carta stagnola
- forbici e taglierino
- scotch
- abbondante colla vinilica :)

(sognavo di poterlo dire!!)

Aiutandoci con il taglierino nei punti in cui la scatola è incollata, la apriamo completamente.
Attenzione a non rompere niente, perché dopo dovremo richiuderla :)

Utilizziamo il taglierino per ritagliare un quadrato al centro del fondo della scatola, lasciando circa 1cm di margine dalla piegatura.
Un margine più sottile indebolisce troppo la struttura della scatola, ma ovviamente un margine più largo lascerà meno spazio alla luce per uscire, quindi cerchiamo il giusto compromesso.

Ritagliamo un quadrato di carta da forno delle stesse dimensioni del fondo della scatola (quindi, più grande del buco che abbiamo ritagliato nel fondo) e lo fissiamo all'interno della scatola usando scotch o colla... la colla è migliore perché lo scotch non fa molta presa sulla carta da forno e rischiate che in seguito si scolli.
Io ho usato lo scotch per fare prima ma non mi sembra che regga molto.

Questo è l'aspetto che dovrebbe avere dall'esterno, con la carta da forno che sostituisce il fondo della scatola

Distribuiamo la colla all'interno della scatola, sulle 4 "ali".
Attenzione a non sporcare la carta da forno.

Poi utilizziamo le dita per stendere la colla, abbondando particolarmente sui bordi (se serve, aggiungere!)

Ritagliamo un pezzo di carta stagnola grande più o meno quanto l'"ala", e la incolliamo su tutta la superficie.
Non è importante la forma, la sistemeremo dopo.
Incollate partendo dal centro (dalla piega).

Ripetiamo la stessa operazione sulle 4 "ali" della scatola.

...e poi rifiniamo l'opera ritagliando la stagnola lungo il bordo della scatola.

Richiudiamo la scatola incollando i punti che avevamo scollato all'inizio.
Con la colla il risultato sarà più "pulito", con lo scotch si fa prima e non c'è da aspettare che asciughi... scegliete voi :)

Ora dobbiamo utilizzare un pezzetto di scotch per unire al centro le due "ali" esterne, quelle con la fessura: vanno posizionate in modo che il bordo dell'altra ala coincida perfettamente (o quasi), quindi in realtà non vanno completamente sovrapposte ma vanno strette un po' meno di quanto si farebbe per chiudere la scatola in maniera tradizionale

Per controllare che la posizione delle alette centrali sia corretta, verificate che i bordi coincidano su tutti e due i lati.
Procediamo con il fissaggio di questi bordi.

In questo caso bisogna utilizzare per forza il nastro adesivo: 3 o 4 strisce parallele lungo il bordo delle due alette.
Se volete un lavoro più pulito, usate delle strisce di scotch più corte, e poi coprite il tutto con nastro isolante.
Lasciamo alla fine le rifiniture, per il momento fissiamo il bordo lasciando qualche cm di distanza dai manici.
Fissiamo saldamente i 4 lati della scatola.

Ora dobbiamo creare il foro per inserire il flash nella scatola: l'ideale sarebbe prendere la misura con il flash che usate di solito.
Poggiatelo in cima alla scatola e verificate se lo spazio tra i due manici è sufficiente a far passare la parabola del flash.

Se lo spazio è troppo stretto, basta piegare ulteriormente i manici per allargare l'apertura.
Prendiamo di nuovo la misura con il flash per vedere di quanto spazio laterale abbiamo bisogno.

Con le forbici, sfruttando le fessure, tagliamo le alette fissate con lo scotch.
Dovremmo avere un foro rettangolare della stessa dimensione della parabola del flash.
Verifichiamo ed eventualmente facciamo dei ritocchi.
Dopodiché possiamo completare l'incollatura dei bordi della scatola, fino alla piega dei manici.

Accorciamo uno dei due manici: sarà il lato inferiore del softbox.
Lo accorciamo per non creare intralci al flash quando avremo bisogno di piegarlo a 90°

E questo è il softbox montato sul flash.
Per fissarlo alla parabola io ho usato un pezzo di scotch di carta, ma va bene anche un elastico.
Cerchiamo di non inserire tutta la parabola nel foro, perché il softbox funziona meglio se il flash è più distante dal foglio di carta da forno.

Se la scatola non è molto grande, tutto questo "accrocco" può essere montato anche direttamente sulla macchina fotografica.
Se è più alto del flash + base, invece, ci vorrà uno stativo.

Ecco il nostro "soft-cake-box" montato... e all'opera :)

Ed ecco cosa succede con il flash "nudo":

...e con il nostro piccolo softbox montato:

Ed ecco il set finale:

Al prossimo tutorial :)

Tutorial: pelle d'angelo

2010-03-09T14:32:00.003+01:00

Ultimo tutorial per la serie degli "sbiancamenti" :)

Abbiamo già visto come sbiancare i denti e come sbiancare la neve, oggi vediamo invece come ottenere un effetto che può essere utile nei ritratti per dare un'aspetto più etereo o "angelico" o per valorizzare alcuni dettagli del viso, come gli occhi e il make-up, sbiancando la pelle:

Attenzione: un effetto molto simile si può ottenere molto rapidamente scattando in raw, sovraesponendo di un paio di stop e poi regolando il bilanciamento del bianco sul colore della pelle. Con un paio di tentativi in postproduzione, dovreste ottenere il risultato voluto, più o meno intenso.

Il procedimento che sto spiegarvi è particolarmente utile quando non volete alterare altri elementi dell'immagine (sfondo, accessori, ecc.) agendo selettivamente solo sulla pelle.

Ecco l'immagine di partenza:

E' stata scattata in estate e per questo motivo la pelle è più scura del normale.
L'effetto è sicuramente esotico ma non particolarmente "elegante" :)
Le foto ideali per applicare questo tipo di procedimento devono avere un buon contrasto tra colore della pelle e colore dello sfondo, oppure sfondo molto scuro (come in questo caso) o bianco. Uno sfondo di colore troppo simile a quello della pelle, con toni caldi, vi complicherà le cose.
Duplichiamo il livello di sfondo e lo convertiamo in b/n. Occorre scegliere un b/n in cui la pelle sia ben distinta dallo sfondo, ma senza perdere i dettagli. In questo caso, ho preferito una via di mezzo tra il canale del verde e quello del rosso (potete ottenere questo effetto con il mixer canali oppure sovrapponendo i due b/n con opacità al 50%)
Regoliamo i livelli in modo da schiarire i toni medi e scurire le ombre, per annerire completamente lo sfondo. Se necessario, possiamo intervenire localmente con un pennello nero o con il pennello brucia.

In generale tutto ciò che non è pelle dovrebbe essere completamente nero (compresi eventuali riflessi come quelli delle treccine, nell'esempio)
Modifichiamo la modalità di fusione del livello, impostandola su "Scolora" (per Paint Shop: "Filtra", per Gimp: "Dividi")
In questo caso, visto il colore castano dell'iride, la conversione in b/n con filtro rosso / verde ha schiarito notevolmente anche l'occhio.

Può essere un effetto voluto, in questo caso però preferisco evitare di schiarire alcuni particolari: basterà colorare il livello superiore con il pennello nero:
Per rendere l'effetto più naturale (meno "sparato") posso ridurre l'opacità del livello

Potremmo fermarci qui: la pelle è più chiara, abbiamo "sbiancato" l'abbronzatura e l'effetto è abbastanza naturale.
Per avere un effetto più particolare, andiamo a raffreddare il colore della pelle.
Modifichiamo il bilanciamento colore del livello base, aumentando il ciano, il blu e leggermente anche il magenta:
Per finire, applichiamo un viraggio sul livello superiore: con il comando tonalità / saturazione, contrassegnando la spunta "colora", impostiamo la saturazione tra 30 e 40 e la tonalità tra 160 e 190: questo darà alla pelle una tonalità perlata con riflessi azzurri.Et voilà.

E' evidente che questa è solo una delle molteplici applicazioni di questo effetto: con piccole variazioni nella regolazione del colore e della tonalità si possono ottenere effetti molto diversi... a voi la scelta :)

Come sempre, liberi di lasciare commenti se qualcosa non è chiaro ;)

Tutorial: sbiancare la neve

2010-02-23T10:41:00.001+01:00

Proseguiamo con il filone dell'effetto "candeggina" :)

Nel tutorial precedente abbiamo visto come lavorare con i canali RGB e la fusione additiva per "sbiancare" i denti in un ritratto.

Lo stesso procedimento può essere utilizzato per sbiancare qualunque elemento in una foto abbia bisogno di "candeggio" per dominanti di colore indesiderate e via dicendo.

In questo caso, ho utilizzato un sistema molto simile per "salvare" una foto di una nevicata che mi piaceva molto come luce e composizione, ma che era totalmente cannata quanto a colori per via dell'illuminazione stradale.

Vale la pena aggiungere che in questi casi, prima di pianificare un intervento in postwork, è sempre meglio vedere se si può intervenire in fase di scatto per migliorare la situazione.

Diciamo che con vari wb differenti (compreso il premisurato) il risultato non migliorava in maniera significativa: i lampioni gialli non avevano tutti la stessa temperatura colore e per giunta la neve aveva dei riflessi blu dati forse dal cielo. Il premisurato dava come risultato una neve grigiastra con riflessi malaticci sul blu / verde.
Aumentare l'esposizione per dare più luce alla neve bruciava completamente alcuni dettagli.

In definitiva, questa che utilizzerò come base è la foto migliore che sono riuscita a tirar fuori :P

Diamo come sempre un'occhiata alle dominanti di colore dell'immagine: ciò che deve essere portato verso il bianco è tutto quello che nell'immagine appare arancio-verdognolo. Dovrei anche ridare un po' di blu al cielo.
Lavoriamo come prima cosa sul bilanciamento colore: aumentando il blu e diminuendo il rosso sia nei toni medi che nelle alte luci, e aggiungendo un po' di blu alle ombre, questo è il risultato:

Va un po' meglio per quanto riguarda il cielo, ma la neve è ancora verdognola / grigiastra e la luce dei lampioni è gialla.
Il risultato è molto simile a quello che ottenevo in fase di scatto con il wb premisurato, ma in questo modo recupero meglio il colore del cielo sporcando meno la neve.
Duplichiamo il livello e convertiamolo in b/n utilizzando un canale o un filtro che lasci la neve molto chiara e il cielo abbastanza scuro.
Il canale rosso o un filtro tra il giallo e il rosso andranno benissimo.

(se non sapete come fare, è spiegato nel tutorial precedente)
Ora regoliamo i livelli in modo da aumentare il contrasto tra neve e area circostante (cielo / palazzi)

Cerchiamo di schiarire la neve quel tanto che ci permette di mantenere ancora tutto il dettaglio (o quasi), anche nelle zone più luminose.
Qualcosa andrà necessariamente "bruciato" intorno alle fonti di luce, non ce ne preoccupiamo troppo.
Modifichiamo la modalità di fusione del livello in b/n su "scolora" ("filtra" se usate paint shop, "dividi" se utilizzate Gimp).
Ed ecco il nostro paesaggio innevato con la neve bianca che più bianca non si può:
Potremmo fermarci qui. Io ho preferito enfatizzare l'effetto "dipinto" saturando i colori, aumentando leggermente il contrasto e giocando ancora un po' con il bilanciamento colore (dopo aver unito i due livelli, ovviamente)

Come ho specificato all'inizio, prima di pianificare un intervento di postproduzione così estremo, vale la pena sempre cercare di migliorare la foto in fase di scatto.

Ricordate che qualunque intervento di postwork comporta una perdita, più o meno consistente, di informazioni all'interno dell'immagine, quindi dove possibile meglio evitare :)

Alcune volte non si può. Nel dubbio, se i colori vi sembrano proprio disastrosi, scattate in raw così potrete sperimentare varie temperature colore senza perdere informazioni e se ne avete la possibilità provate anche varie soluzioni di sovra / sottoesposizione.

Ci sono casi in cui, con tutta la cura possibile in fase di scatto (o semplicemente perché non c'è il tempo materiale per tutte queste prove) si può aver voglia di recuperare i bianchi di una foto un po' "sporca".

Questo è un metodo che se ben dosato può dare buoni risultati con una perdita di informazioni tutto sommato accettabile ;)

Nel prossimo tutorial (ultimo della serie) vedremo invece come ottenere un effetto che fa molto "fashion", sbiancando la pelle.

Dubbi, perplessità, bla bla bla... lasciate un commento ;)

Tutorial: sbiancare i denti

2010-02-22T16:43:00.004+01:00

Come promesso, il tutorial di oggi è facile facile e vi permetterà in pochissimi passaggi di eseguire un'operazione che può rivelarsi utile soprattutto se vi dilettate in ritratto: lo sbiancamento dei denti.

Questo è il primo di una serie di tre tutorial che utilizzano lo stesso effetto per scopi differenti.

Come immagine di partenza ho scelto un improbabile autoritratto molto "casereccio" di un paio di estati fa: scattato senza partivolari accorgimenti riguardo la luce (ambiente, in esterna) e il wb probabilmente auto.

La premessa doverosa è che ho la fortuna di avere, già in partenza, i denti abbastanza bianchi; c'è da dire che spesso la necessità di sbiancare ulteriormente i denti può nascere non tanto dal colore reale dei denti, quanto da fattori contingenti come un cattivo bilanciamento del bianco oppure (molto più frequente, come in questo caso) da colori ambientali riflessi naturalmente dai denti. Di fatto anche i denti più bianchi, per avere in foto quell'aspetto "alieno" da pubblicità del dentifricio, hanno quasi sempre bisogno di una sbiancatina supplementare. :)

La stessa cosa succede quasi inevitabilmente con il bianco degli occhi, ecco perché, con l'occasione, ne approfitteremo per dare una sbiancatina anche agli occhi.

Normalmente si procede in maniera "artigianale" con il pennello "spugna" (che desatura eliminando le dominanti cromatiche) e "filtra" (che schiarisce), ma se non si hanno un buon occhio e una buona mano c'è sempre il rischio di ottenere un effetto molto innaturale. Penso che il metodo che sto per proporvi sia più semplice e efficace nella maggior parte delle situazioni.

Diamo per prima cosa un'occhiata da vicino all'immagine di partenza per capire dove e in che misura intervenire.

L'importante è procedere allo sbiancamento (quindi: schiarire e desaturare) senza appiattire, quindi mantenendo i riflessi e il chiaroscuro che danno volume alla figura.
Sia gli occhi che i denti sono ben delimitati dal contorno delle ciglia, del labbro superiore e (in questo caso) degli occhiali da sole. Approfitteremo di questi "confini naturali" per sbiancare settorialmente.
Duplichiamo il livello e convertiamolo in b/n: come abbiamo visto nell'articolo dedicato alla conversione in b/n, possiamo farlo in diversi modi.
In questo caso specifico, abbiamo bisogno di un forte contrasto tra denti (e occhi) e l'area circostante: possiamo farlo sfruttando il filtro (o canale) BLU, che renderà la pelle ancora più scura con un effetto devastante sulle sue naturali imperfezioni... ma per fortuna questo non è il tutorial di pulizia della pelle!! :)

NB: con Photoshop è sufficiente scegliere Immagine > Regolazioni > Bianco e nero, partire dal filtro Blu e poi regolare i vari valori finché non ottenete il contrasto ottimale.
Con Paint Shop (e credo anche con Gimp) esiste la funzione Immagine > Scomponi in canali RGB che crea 3 nuove immagini denominate Rosso, Verde e Blu. Copiate l'immagine Blu e incollatela come nuovo livello nella vostra immagine di partenza.
Andiamo ad aumentare il contrasto agendo con i Livelli.

Il risultato che dobbiamo cercare è quello che ci permette di avere un'area circostante molto scura, quasi nera, mantenendo sufficientemente chiari (e senza perdere dettaglio) denti e occhi.
Attenzione a non "appiattire" il bianco dei denti!
A questo punto andiamo a togliere dalla nostra immagine tutto ciò che non fa parte di denti e occhi.
Possiamo sfruttare le aree circostanti nere (o quasi) per creare una selezione con il lazo poligonale.
Se ci interessa sbiancare solo i denti, selezioneremo solo la bocca. Altrimenti, aggiungiamo alla selezione i due occhi.
Invertite la selezione (Ctrl+I / Command+I con Photoshop, Ctrl+Maiusc+I con Paint Shop) e colorate tutto di nero.Vi ricordate il negro della pubblicità delle Tabù? :)
Quello che dovremmo ottenere è un risultato simile:
A questo punto modifichiamo la modalità di fusione del livello su "Scolora" (per Paint Shop: "Filtra")

Magia o cosa? :)
Ecco cosa succede: i toni chiari del livello superiore vengono aggiunti al livello inferiore, sbiancando il tutto in maniera abbastanza verosimile perché le ombre vengono mantenute.
Se volete un effetto più naturale, meno "dentiera", abbassate l'opacità del livello al 60-70%.

Adesso potete proporvi come nuovi testimonial del dentifricio Durban's.

Ve l'avevo detto che era facile, no?

Nei prossimi due tutorial vedremo come utilizzare un procedimento molto simile per sbiancare:

la neve:
la pelle, con quello che io chiamo "effetto pelle d'angelo":

Nel frattempo, come sempre, se avete dubbi mandate una mail o lasciate un commento!

Tutorial: effetto Puzzle (3° parte)

2010-02-21T12:32:00.050+01:00

Rieccoci con la 3° e ultima parte di questo interminabile tutorial!
Nella 1° parte abbiamo visto come "staccare" sagome di tessere di puzzle da una foto.
Nella 2° parte, abbiamo visto invece come rendere il puzzle tridimensionale, aggiungendo uno spessore alle tessere, con questo risultato:

Se avete seguito le mie istruzioni, dovreste avere un'immagine che ha i seguenti livelli: SFONDO, SPESSORE_BASE, BASE, SPESSORE_TESSERE, TESSERE.

Ora vedremo come completare l'opera con gli ultimi ritocchi: le ombre.

Sarò onesta con voi: potreste semplicemente selezionare il livello SPESSORE e utilizzare il comando "Sfalza ombra". Ma io preferisco il metodo artigianale: dà un controllo migliore sul risultato e potete usarlo anche in situazioni di emergenza (es. intervento al volo con editor di immagini che non conoscete come le vostre tasche)
Quindi: se ne avete piene le tasche sfalzate questa benedetta ombra e passate subito in dirittura d'arrivo a raccogliere la meritata gloria.
Altrimenti... pasticciate un altro po' con me!

Duplichiamo il livello SPESSORE e lo rinominiamo in "OMBRA"
Con lo strumento Sposta, lo facciamo slittare leggermente in basso a sinistra.
Poi lo anneriamo completamente, utilizzando i livelli e impostando a 0 il livello di uscita delle alte luci
Infine (volendo) lo coloriamo con il comando "Tonalità / saturazione", selezionando la spunta "colora", alzando leggermente la luminosità e regolando tonalità e saturazione finché non otteniamo il colore voluto
Poi posizioniamo il livello OMBRA appena al di sotto di SPESSORE.
Et voilà.
Alla faccia dell'ombra dura... facciamo finta di avere un bel soft-box e attenuiamo l'ombra, utilizzando il controllo sfocatura (sfocatura gaussiana per paint shop). Scegliete un raggio che attenui l'ombra senza pasticciarla troppo. Poi, riducete l'opacità del livello OMBRA a circa il 70%

Il risultato finale:

Ok.
Volendo potremmo aver finito qua (ed effettivamente, abbiamo finito qua).
Cosa succede però se (come è capitato a me) arrivata alla fine del lavoro mi accorgo che una delle tessere è in una posizione che non mi piace proprio?
Nella fattispecie, la tessera sulla bocca che nella mia testa faceva molto "Silenzio degli innocenti", crea solo un gran pasticcio.
Niente panico, anche se sarebbe meglio non farlo, anche arrivati alla fine è ancora possibile apportare qualche modifica alla posizione delle tessere.

Nascondiamo i livelli SFONDO, SPESSORE_BASE e BASE.
Uniamo i livelli OMBRA, SPESSORE e TESSERE con il comando Livelli > Unisci visibili
A questo punto possiamo intervenire sulla singola tessera selezionandola con lo strumento Selezione o con il Lazo poligonale: attenzione a lasciare un po' di spazio intorno all'ombreggiatura per essere certi di averla selezionata tutta.
Dopodiché, spostiamo la tessera con lo strumento Sposta.

Stavolta abbiamo veramente finito.

Come al solito, per dubbi, perplessità e donazioni in denaro o travel cheque, sapete dove trovarmi... o casomai lasciate un commento qua sotto ^_^

Il prossimo tutorial sarà qualcosa di più semplice, promesso!

Tutorial: effetto Puzzle (2° parte)

2010-02-19T12:30:00.004+01:00

Riprendiamo con la 2° parte del tutorial.
Scusate l'esagerato ritardo: sono in ginocchio sui ceci e mi cospargo il capo di cenere, ma giunta a metà dell'opera mi sono accorta che un passaggio, facilissimo con Gimp e Paint Shop, non mi riusciva in nessun modo di riprodurlo con Photoshop.
Il problema fondamentale è che non sono riuscita a trovare il modo di ricavare una maschera di livello dall'opacità di un livello esistente.
Per capirci: da un livello come questo qui sotto, ricavare una maschera come quella che vedete a fianco:

Sia con Gimp che con Paint Shop è una funzione semplicissima, Photoshop mi ha lasciata a piedi O_O
Alla fine penso di aver trovato una soluzione alternativa, ma non mi entusiasma: se avete proposte migliori lasciate un commento qui sotto e sentitevi liberi di sbeffeggiarmi... ^_^

EDIT: a distanza di mesi, il metodo l'ho trovato :) Si tratta di tenere premuto il tasto CTRL e contemporaneamente CLICCARE sull'anteprima del livello nella finestra "Livelli". Non modifico il resto del tutorial, tanto si capisce lo stesso ;)

Ok, bando alle ciance

Nella 1° parte abbiamo visto come "staccare" sagome di tessere di puzzle da una foto, con questo risultato:

Se avete seguito le mie istruzioni, dovreste avere un'immagine che ha i seguenti livelli: SFONDO, BASE, TESSERA 1, TESSERA 2, ..., TESSERA N.

Ora vedremo come aggiungere "tridimensionalità" al nostro puzzle.

Rendiamo invisibili i livelli SFONDO e BASE, lasciando solo i livelli delle varie tessere.

Quindi uniamole tutte in un unico livello con il comando Livelli > Unisci visibile.
Rinominiamo il nuovo livello in "TESSERE"
Spessore delle tessere
- Per Paint Shop e Gimp:
  Dobbiamo creare le sagome che daranno lo spessore alle nostre tessere.
  Creiamo un nuovo livello raster, vuoto, e lo denominiamo "SPESSORE". Per non incasinarci, lasciamo questo nuovo livello in cima, sopra a TESSERE.
- Per Photoshop:
  Duplichiamo semplicemente il livello tessere in un nuovo livello, che chiameremo "SPESSORE"
Mascherare lo spessore
- Per Paint Shop e Gimp: Il livello SPESSORE ha bisogno di una nuova maschera di livello: creiamone una nuova, a partire dall'opacità di un'immagine esistente. L'immagine esistente è ovviamente quella attiva.
- Per Photoshop:
  - Rendiamo uniforme il colore delle tessere, utilizzando i livelli e impostando sia il canale di entrata che il canale di uscita a 125 (dovremmo ottenere delle tessere color grigio al 50%)
  - Con lo strumento "bacchetta magica", deselezioniamo la casella "contiguo" e attiviamo "anti-alias". Cliccando su una delle tessere dovremmo in questo modo selezionarle tutte.
  - Infine, creiamo la maschera utilizzando il comando "Crea maschera da selezione" del menu Livelli
  - Deselezioniamo tutto (ctrl+D o command+D)
Abbiamo così un livello con una maschera che riproduce la forma delle tessere.

Con il secchiello di riempimento, coloriamo l'intero livello di un colore solido, adatto a fare da spessore alle tessere. Io ho scelto un beige che richiama il colore della pelle

A questo punto occorre spostare leggermente in basso a destra le sagome che formano lo spessore, utilizzando lo strumento Sposta direttamente sulla maschera del livello SPESSORE.
Alla fine, possiamo riportare in primo piano il livello TESSERE e rendere di nuovo visibile lo SFONDO e il livello BASE. Il risultato dovrebbe essere qualcosa del genere:

Ha già una parvenza di tridimensionalità, ma se osserviamo le tessere da vicino, manca qualcosa

In pratica abbiamo disegnato il "fondo" delle tessere, ma mancano ancora gli spigoli che formano lo spessore vero e proprio.
E qui fatevi un caffè perché comincia il vero lavoro certosino! ^_^
Agiremo sulla maschera del livello SPESSORE, colorando di bianco le parti mancanti.
Gli strumenti che utilizzeremo sono il Lazo poligonale ("Selezione a mano libera da punto a punto" per Paint Shop) e il secchiello di riempimento, in questo modo:

Alla fine (molte caffettiere più tardi) avremo tutti i nostri spessori sagomati per benino

Volendo fare un lavoretto più raffinato, andremo ad aggiungere riflessi ed ombre allo spessore, intervenendo direttamente sul livello SPESSORE con pennello o aerografo: scegliete una punta sufficientemente morbida, impostate l'opacità al 20%, ed utilizzate colori dal panna al marrone per aggiungere ombra dove vi pare che ci sia un incavo, o riflessi dove dovrebbe battere la luce, oppure semplicemente per aggiungere contrasto dove la tessera e lo spessore hanno colori troppo simili..

Fidatevi del vostro occhio e non esagerate: un piccolo intervento fa la differenza.
Non preoccupatevi di "uscire dai bordi", abbiamo una maschera di livello che ci impedisce di fare pasticci :)
Questo dovrebbe essere il risultato a questo punto:

Manca ancora qualcosa? Eh sì, anche il livello BASE ha bisogno di uno spessore.
Niente paura: ripetiamo tutto quello che abbiamo fatto finora, ma stavolta invece che intervenire sul livello TESSERE, agiremo partendo dal livello BASE per creare un livello SPESSORE_BASE

Isolare il livello BASE

Creare, mascherare e colorare il livello SPESSORE_BASE

Disegnare gli spigoli mancanti con Lazo e riempimento (direttamente sulla maschera)

Aggiungere ombre e riflessi (direttamente sul livello SPESSORE_BASE)

Rallegrarci (forse) per il risultato finale :)

Bene, siamo in dirittura d'arrivo, l'effetto è quasi completo.

Nella prossima (ultima!) puntata vi spiegherò come aggiungere le ombre proiettate dalle "tessere volanti" sul puzzle sottostante.

Per il momento vi lascio a meditare sulle maschere di livello ^_^

Se avete dubbi esistenziali, mandatemi una mail o lasciate un commento qua sotto!

PapyEventi

2010-02-04T15:04:00.000+01:00

Papygroup si rinnova: è online PapyEventi, con tutti gli aggiornamenti sugli eventi della capitale e non solo; gallery fotografiche, archivio hostess e modelle, e molto altro

www.papygroup.com

progetto grafico: VizioCreativo.it - realizzazione: Vega Edp S.r.l.

Tutorial: effetto Puzzle (1° parte)

2010-01-12T15:11:00.006+01:00

Rieccoci qui con il 1° tutorial del 2010.
E ripartiamo in grande, con un bell'effetto di postproduzione massiccia :)
In molti mi hanno chiesto come ho fatto a realizzare l'effetto "puzzle" della locandina qui a fianco.
Non è difficile ma ci vuole un po' di pazienza... uhm... un bel po' di pazienza.

Visto che lavoreremo molto con i livelli e con le maschere di livello, vi consiglio di dare una ripassatina all'argomento:
http://www.psdrevolution.it/forum/index.php?showtopic=27331
Inoltre, fate molta attenzione ai nomi dei livelli perché ce ne sono diversi ed è facile incasinarsi :)

Infine, tenete presente che ho realizzato questo tutorial con Paint Shop e che non ho a disposizione Photoshop per verificare i nomi delle varie funzioni: sono sicura al 100% che tutti i passaggi che vi descrivo siano realizzabili con passaggi molto simili indipendentemente dal vostro programma (Gimp, Paint Shop, Photoshop); tuttavia qualche comando potrebbe avere nomi diversi.

Se avete dubbi utilizzate i commenti!

Bene, pronti per cominciare.
Questa è la nostra foto di partenza:

Ho scelto volutamente una foto con lo sfondo quasi completamente nero: questo darà maggiormente l'effetto di pezzi di puzzle che "fluttuano" nel vuoto. Ma ovviamente si può usare un'immagine qualunque.

La prima cosa di cui abbiamo bisogno è un'immagine da cui poter "ritagliare" le tessere del puzzle. Non è necessario che abbia lo sfondo trasparente come quella che vi propongo, purché sia facile ricavare delle selezioni dalle varie tessere.
Quella che vedete qui a fianco, l'ho disegnata utilizzando lo strumento Penna vettoriale di Paint Shop, immagino si possa fare qualcosa di simile con i tracciati di Photoshop.
In ogni caso, bando alle ciance, se non sapete neanche da che parte cominciare scaricate il mio puzzle :)
http://www.viziocreativo.it/tutorial/puzzle/puzzle.png
(clic con il tasto di destra sul link e poi "salva collegamento con nome")

Per prima cosa, innalziamo a livello la nostra immagine. Per non fare confusione, diamo nomi chiari ai livelli. Questo si chiamerà "BASE"
Creiamo un nuovo livello di riempimento, lo chiamiamo "SFONDO" e lo riempiamo completamente con il colore che vogliamo far apparire sotto alle tessere spostate. In questo caso, nero.
Il livello sfondo va ovviamente posizionato sotto al livello BASE.
Prendiamo la nostra immagine con le tessere e la incolliamo come nuovo livello al di sopra di BASE. Chiameremo "PUZZLE" questo nuovo livello, che ci serve solo come "area di lavoro": alla fine lo butteremo via.
Se l'immagine che state utilizzando non ha lo sfondo trasparente, impostate la modalità di fusione su moltiplica o riducete l'opacità del livello.

L'immagine va poi opportunamente ruotata e ridimensionata in modo che copra tutta l'area da "scomporre". Utilizziamo lo strumento Sposta di Photoshop, Deforma Raster per Paint Shop oppure i tre strumenti Scala, Ruota, Sposta per Gimp.
Non vi preoccupate se ci sono delle "tessere di troppo", non dobbiamo per forza elaborarle tutte.
Andiamo a staccare le varie tessere dal puzzle.
Posizioniamoci sul livello PUZZLE e utilizziamo lo strumento bacchetta magica per selezionare l'area interna alla tessera:
Tolleranza: 12
Antialias: Sì / Esterno
Contiguo: Sì

Se la selezione non copre il bordo della tessera, utilizziamo il comando Selezione - Modifica - Espandi per allargare la selezione di 1-2 pixel (dipende dallo spessore dei bordi)
Posizioniamoci sul livello BASE
Con il comando Taglia (Ctrl+X) rimuoviamo via la tessera e la incolliamo come nuovo livello (Ctrl+V per Photoshop, Ctrl+L per Paint Shop)

Chiamiamo questo nuovo livello "TESSERA 1"
La tessera ci servirà più tardi, quindi spostiamola in un punto dove sia ben visibile.
Riposizionandoci ogni volta sul livello PUZZLE e poi sul livello BASE, ripetiamo l'operazione di ritaglio con quante tessere vogliamo. Alla fine, cancelliamo il livello PUZZLE: non ci serve più!

Alla fine avremo i seguenti livelli: SFONDO, BASE, TESSERA 1, TESSERA 2, ..., PUZZLE
Se i pezzi del puzzle stanno "fluttuando" nell'aria, dobbiamo dargli un senso di prospettiva.
Utilizzando lo strumento Sposta di Photoshop, Deforma Raster per Paint Shop oppure i quattro strumenti Scala, Ruota, Sposta, Prospettiva per Gimp, deformiamo una ad una le varie tessere spostandoci sui relativi livelli (TESSERA 1, TESSERA 2, ecc.).

Per deformare la prospettiva con Paint Shop e Photoshop, dovete utilizzare i tasti Maiusc e Ctrl (o Alt e Command su Mac) mentre agite sugli angoli della selezione.
Distrubuite le tessere come se si stessero allontanando dal punto da cui sono state staccate. Variate rotazione e deformazione, e fate più piccole quelle più lontane.

Il risultato dovrebbe essere qualcosa del genere:

Non abbiamo ancora finito: dobbiamo aggiungere "tridimensionalità" al nostro puzzle.
Sia i pezzi che la base devono avere uno spessore, ed inoltre le tessere dovrebbero avere un'ombra.
Ma questo ve lo spiegherò nella prossima puntata. :)

Nel frattempo, se avete dubbi, lasciate un commento o mandatemi una mail!

Tutorial a cura di Viziocreativo.it

Skylinephoto si rinnova

2010-01-11T21:57:00.004+01:00

È online il nuovo sito Skylinephoto fresco fresco di restyling, e non è tutto: Skyline raddoppia.

All'indirizzo abituale, www.skylinephoto.it, troverete l'archivio fotografico in costante aggiornamento con gli ultimi eventi sportivi: basket, rugby, pallavolo, calcio serie A...

Mentre all'indirizzo www.skylinephoto.it/studio è online il nuovo studio fotografico, con le rubriche dedicate al matrimonio, ai book e alla fotografia pubblicitaria.
Tenete d'occhio questo blog: a febbraio offerte speciali per gli sposi ;)

realizzazione: VizioCreativo.it & Vega Edp S.r.l.

Tutorial: effetto pioggia

2009-12-24T11:49:00.006+01:00

Ecco un effetto molto semplice da realizzare che potrà tornare utile per aggiungere atmosfera ad una foto.

L'effetto "pioggia"

Come sempre, utilizzerò istruzioni generiche per permettere a ciascuno di realizzare questo effetto con il programma di grafica che preferisce: Photoshop, Paint Shop o Gimp.

Ho scelto come immagine di partenza un vecchio (2007) autoritratto scattato nella classica "giornata uggiosa":

Creiamo un nuovo livello con modalità di fusione scolora / filtra / dividi (a seconda del programma) e lo riempiamo completamente di nero con il secchiello.
Non è cambiato niente? :)
Ok, adesso utilizziamo la funzione aggiungi disturbo.
Le regolazioni variano a seconda delle dimensioni dell'immagine e dell'intensità dell'effetto che si vuole realizzare. Qualcosa del genere dovrebbe andare bene:
- intensità disturbo: 20-50%
- modalità: random o gaussiana
- monocromatico: sì (importante, a meno che non vogliate una multicolore pioggia radioattiva)
Per aumentare la dimensione delle "gocce", dobbiamo ingrandire tutto il livello.
Possiamo utilizzare lo strumento "sposta" di photoshop (paint shop ha lo strumento "deforma raster", gimp ha lo strumento "scala"), la proporzione varia a seconda delle dimensioni dell'immagine e dell'effetto desiderato.
Diciamo che un ridimensionamento tra il 150% e il 200% dovrebbe andare:
Questo è l'aspetto che dovrebbe avere il livello della "pioggia"
La pioggia ha una peculiarità: si muove!
Cerchiamo di riprodurre quest'effetto con il filtro sfocatura da movimento (motion blur). Scegliamo la direzione e l'intensità in maniera da avere un effetto realistico.

E questo l'effetto finale:
Per accentuare le "gocce", andiamo a regolare i livelli in modo da migliorare il chiaroscuro, e poi aumentiamo la messa a fuoco con l'effetto contrasta ("accentua messa a fuoco" per paint shop)

il risultato:
Per migliorare l'effetto, applichiamo di nuovo la sfocatura da movimento, ma con un'intensità minore:
Il risultato:

E questa è l'immagine intera:

Potremmo fermarci qui, ed è quello che faremo per la maggior parte delle immagini.

Questa foto in particolare, ha un cielo neutro molto chiaro e di conseguenza nell'area del cielo le gocce risaltano poco.

Vediamo come risolvere il problema:

Per prima cosa, andiamo a creare due maschere che ci serviranno in seguito: quello che mi serve è isolare la figura dallo sfondo.
Faccio una copia dell'immagine di partenza (il livello base) e la converto in b/n, scegliendo il canale che mi permette di isolare meglio lo sfondo (in questo caso, un filtro blu va benissimo).
Poi lavoro sulla luminosità con i livelli, in maniera da "sbiancare" quasi totalmente lo sfondo e annerire il più possibile il contorno della figura (1).
Dove non arrivo con i livelli, vado a ritoccare (anche grossolanamente) con il pennello bianco e nero (2)
Infine, creo una copia di questa maschera in negativo, attaverso la regolazione del colore -immagine negativa (3).
1. 2. 3.
Teniamo da parte queste due maschere (2 e 3), ci serviranno tra poco.
Torniamo alla nostra immagine "piovosa" e duplichiamo il livello con la pioggia

Ora la pioggia è più visibile sul cielo, ma troppo marcata sulla figura.
Creiamo una maschera di livello, utilizzando questa maschera:

Ora il secondo livello "pioggia" è visibile solo nell'area del cielo,

et voilà:

Vi state chiedendo a cosa serve allora questa maschera? :)

Vi propongo una soluzione alternativa: questi sono i passaggi:

- applicare la seconda maschera al primo livello pioggia

- invertire i colori del secondo livello pioggia (con "immagine negativa")

- impostare la modalità di fusione del secondo livello pioggia su "moltiplica"

Per finire, una regolatina al bilanciamento colore per "raffreddare il tutto".

Finito :)

In realtà, come abbiamo visto, l'effetto pioggia si ottiene con pochi semplici passaggi.

In questo caso ho preso in considerazione la "peggiore delle ipotesi" con un cielo molto chiaro che non facesse risaltare la pioggia (un caso analogo può essere quello di un forte controluce)

Se qualcosa non è chiaro, usate i commenti ;)

Se avete richieste particolari per i prossimi tutorial, mandatemi una mail: lulu@viziocreativo.it

PS: ops... Buon Natale :)

Esempio di postwork: foto di insilenzio

2009-12-18T14:14:00.005+01:00

Ecco un altro tutorial per la serie "salviamo il salvabile" (l'iniziativa nasce da un gruppo su Flickr, per info vedere questo thread: TUTORIAL SALVA-FOTO il fotoritocco d'emergenza che "salva il salvabile")

Oggi è insilenzio a proporci questa foto, di buon impatto ma che secondo lei ha bisogno di una ritoccatina:

Come per il tutorial precedente, anche oggi mi va di lusso: la foto è già bella e ben composta, ed in più ha un'atmosfera e una luce molto particolari.

A livello compositivo, mi piace la scelta simmetrica spezzata dalla posizione asimmetrica della porta e della ragazza. Effettivamente, però, pende un po' a sinistra.

La dominante azzurra non è necessariamente un difetto, contribuisce all'atmosfera, ma il controluce è un po' piatto e c'è un po' troppo rumore.

Volendo fare qualcosa di diverso, ho elaborato due differenti versioni di questa foto. La prima normale, per non snaturare le caratteristiche della foto originale; alla seconda, che ho intitolato "fairy version", ho voluto dare un tocco fantasy.

Il tutto si riassume in pochi passaggi:

Taglio e raddrizzamento
Pressappoco un grado a destra, e un leggero crop solo per portare la foto in rapporto 2:3
(chiedo venia, è una mia fissazione!!)

L'immagine appare così più bilanciata, ma se osserviamo il dettaglio c'è un po' troppo rumore.
Riduzione del rumore
Il procedimento è quello già spiegato nel tutorial sul fotoritocco del viso (oppure, se avete Paint Shop, usare il comodissimo filtro "rimozione disturbo fotocamera digitale).
L'operazione di riduzione del rumore va fatta sempre in un livello separato per poter eventualmente recuperare dettagli persi dal livello sottostante, e per poter poi "dosare" l'effetto con l'opacità del livello.
Alla fine, ho aggiunto un po' di nitidezza ad alcuni particolari (ragazza, colonne, griglia in primo piano), con il pennello "contrasta" usato localmente:

Attenzione: se il rumore è stato rimosso correttamente, il pennello "contrasta" permette di recuperare un po' di dettaglio; altrimenti non fa che aumentare la grana!
Lavoriamo ora sui toni dell'immagine, suggestivi ma un po' freddi.
Bilanciamento colore: vorrei riscaldare l'immagine senza perdere la dominante azzurra.
Per fare questo, agisco per prima cosa sulle ombre, aumentando il Ciano (+10) e il Blu (+5)
Sui mezzitoni, enfatizzo invece il Magenta (+6) con una punta di Rosso (+2)
Infine, per scaldare le alte luci, un po' di Giallo (+12)

A queste dimensioni si nota appena, ma le ombre ora sono più intense (si vede sulla porta, tra le colonne, nelle piege del pullover).
Adesso andiamo ad accentuare i toni pastello.
Nuovo livello di riempimento
Se non sapete come si crea un livello di riempimento, create un nuovo livello e riempitelo di blu con lo strumento Riempimento (il secchiello di vernice)
Colore riempimento: colore blu scuro non molto saturo (RGB: 10, 17, 27)
Modalità di fusione: Scolora / Filtra
Opacità: 50%

Questa operazione aggiunge una sorta di "patina blu" su tutta l'immagine ed in particolar modo sulle ombre.
Scaldiamo ancora un po' le luci.
Nuovo livello di riempimento
Colore riempimento: giallo rosato molto chiaro (RGB: 246, 219, 188)
Modalità di fusione: Moltiplica
Opacità: 100%

Questo invece aggiunge una patina calda soprattutto sulle alte luci.
Luminosità e contrasto: per dare un po' più di risalto al chiaroscuro, riduciamo leggerissimamente la luminosità (-2) e aumentiamo il contrasto (+5)
Risultato:

Per capire meglio le differenze tra i vari viraggi, questa è la sequenza completa:

Potremmo fermarci qui, anche perché, come ho già detto, l'immagine era già molto bella in partenza. Ho voluto aggiungere un pizzico di "magia" sovrapponendo una leggera vignettatura e una splendida texture di Pareerica.

La texture (o meglio, la parte superiore di essa) l'ho aggiunta come nuovo livello con modalità di fusione scolora / filtra, dopo però averla desaturata e dopo aver regolato i livelli in modo da rendere tutto nero a parte i raggi e il pulviscolo.
La vignettatura potete aggiungerla con il filtro Correzione lente di Photoshop, mentre se avete Paint shop... farò presto un tutorial anche su questo. :)

Et voilà: Fairy version

Consiglio per insilenzio: nessuno, ma a Natale ti regaliamo una livella!! ^_^

Grazie anche a insilenzio per aver proposto la sua foto molto bella.

Se hai una foto che pensi possa essere migliorata in postwork, mandami un messaggio:lulu@viziocreativo.it

Tutorial: still life "casalingo" - un esempio pratico

2009-12-01T23:24:00.006+01:00

Come promesso qui http://arte-visuale.blogspot.com/2009/12/tutorial-still-life-casalingo.html

eccomi a spiegarvi con un esempio pratico come creare un mini set fotografico con mezzi veramente essenziali... oserei definirlo "un set di fortuna".

Premessa indispensabile

Sono partita dalla peggior condizione possibile: mi trovo in albergo, quindi non ho a disposizione neanche gli oggetti che normalmente si possono trovare in casa propria. Non ho una grande libertà per quanto riguarda lo spostare mobili, lampade, ecc.

Tutto quello che ho utilizzato è una lampada orientabile da comodino e alcuni oggetti che ho nel mio "bagaglio a mano"

E ovviamente il cavalletto e possibilmente il telecomando... ma siccome io sono malata, porto sempre con me il cavalletto :)

Quindi questo è in breve l'inventario essenziale:

1) una lampadina a incandescenza da 40W

2) un pezzo di carta e alcune forcine per capelli

3) una sciarpa

4) un cuscino bianco

5) una borsa nera

6) il cavalletto, o una superficie stabile su cui appoggiare la macchina fotografica

+ una fonte di illuminazione "a sorpresa" per dare un effetto speciale (questa la vedremo alla fine)

Nota bene: non ho curato particolarmente la messa a fuoco in questi scatti, la profondità di campo è sicuramente troppo ridotta. Mi interessava più che altro la luce. Inoltre, non avendo a disposizione uno zoom, ho studiato l'inquadratura in modo che il "set" fosse visibile. Di conseguenza le immagini finali sono croppate in maniera pesante, e per questo non hanno questa qualità eccezionale.

Spero si capisca qual è l'intento!

Nota bene (2): le immagini di questo tutorial non hanno subito alcun tipo di postproduzione (eccettuato il crop di cui sopra)

Il set iniziale:

...e il risultato finale:

(no photoshop, no postwork) ;)

Vediamo nel dettaglio come "costruire" questo scatto.

Cominciamo con il bilanciare correttamente il bianco. Il primo scatto è il risultato di un wb settato su "luce solare". Ma l'unica fonte di luce è una lampadina ad incandescenza, per cui utilizzerò il wb "tungsteno" (secondo scatto)

Tempo di esposizione: 1/6 sec.
Diaframma: f/2.8 (troppo aperto, ma non mi sono preoccupata eccessivamente della messa a fuoco per il tutorial)
Esposizione: 0EV
Andiamo quindi a corregere l'esposizione, concentrandoci sulla luce che illumina il soggetto: in questo caso, utilizzando un'esposizione "corretta" secondo l'esposimetro, alcune zone risultano in realtà bruciate o sovraesposte. Correggiamo l'esposizione a -1.5 stop, diminuendo il tempo di posa. In questo modo recuperiamo i dettagli sulle alte luci:

Molto meglio, no?
Tempo di esposizione: 1/15 sec. (foto a destra)
Diaframma: f/2.8
Esposizione: -1.5EV

Questo è il risultato dopo aver corretto il bilanciamento del bianco e l'esposizione:

A livello compositivo, abbiamo bisogno di fare qualcosa per isolare maggiormente gli oggetti dallo sfondo.
Utilizzando un pezzo di carta stagnola (ma va bene anche del cartoncino), si può creare uno "schermo" che, fissato direttamente sulla lampada, impedisce alla luce di illuminare lo sfondo.
Ho scelto la stagnola (fissata alla lampada con una forcina per capelli) perché può essere facilmente "modellata", ed inoltre blocca completamente la luce:
Tempo di esposizione: 1/15 sec.
Diaframma: f/2.8
Esposizione: -1.5EV

Il risultato è già buono, ma ora le parti in ombra sono un po' troppo scure, ed inoltre mi piacerebbe avere il lato destro un po' più in luce.
Ma non ho altre lampade a disposizione. Come fare?
Utilizzo un cuscino bianco come pannello riflettente:

In questo modo, la luce della lampada "rimbalza" dal cuscino sul lato destro della scena.
C'è un solo problema: il cuscino riflette un po' di luce anche sullo sfondo.
Utilizzo una borsa nera per coprire l'estremità del cuscino

In questo modo, la borsa "scherma" la luce riflessa dal cuscino, che illumina solo la parte anteriore della scena.
Et voilà:

Ora il lato destro è correttamente illuminato. Potrebbe andar bene anche così, ma non sono ancora soddisfatta: vorrei aggiungere qualche riflesso nella parte alta per delineare meglio il tappo scuro del flacone. Magari una luce di colore diverso.
Ma non ho altre lampade a disposizione...
Ed ecco che entra in gioco la luce a sorpresa! utilizzo il display del pc portatile per dare quel tocco di luce che mancava:

Nota bene: la luce del monitor non è blu, ho utilizzato una schermata bianca. Tuttavia, appare blu perché la lampada a incandescenza emette una luce di colore rossastro.

Ed ecco di nuovo il risultato finale, senza nessun intervento di postwork:

Che ne dite, vale la pena perdere quei 10 minuti a sistemare un paio di luci e cartoncini, o preferite scontornare tutto con il lazo magnetico di Photoshop? :)

Ovviamente il risultato è appena passabile: dubito fortemente che un addetto stampa della Pantene mi telefonerà per chiedermi di acquistare i diritti dell'immagine!

Il tutto può essere ulteriormente migliorato con un po' più di pazienza nella disposizione del set... e magari utilizzando qualcosa di meglio che un cuscino e una lampada da comodino!

Diciamo che mi sono voluta mettere nella peggiore situazione possibile proprio per dimostrare che, con un po' di creatività, si possono tirare fuori risultati simpatici.

Fotografia = scrivere con la luce.

Ogni tanto ce ne dimentichiamo... ;)

Enjoy!

Tutorial: still life "casalingo"

2009-12-01T23:14:00.003+01:00

Prendendo spunto da questa iniziativa
http://www.flickr.com/groups/1087843@N20/discuss/72157622912440320/
nasce l'idea di questo tutorial di Still Life "casalingo":

la sfida è realizzare uno still-life di qualità senza l'aiuto di attrezzatura professionale (quindi senza l'uso di lampade professionali, sale posa, tavolini da still life e via dicendo), utilizzando invece oggetti comuni per costruire un set fotografico che dia un risultato il più possibile "professionale".

Da alcuni interventi inseriti nell'ambito dell'iniziativa in questione, nasce questo articolo.

Per saperne di più sullo still life:
it.wikipedia.org/wiki/Still_Life_(fotografia)
In due parole, lo Still Life è quello che in italiano viene tradotto riduttivamente con "Natura morta"; in realtà si tratta di un genere meno semplice di quel che sembra, perché in una foto di Still Life niente può essere lasciato al caso.

Un esempio per capire di cosa stiamo parlando
Lo spunto per questa "sfida" nasce in parte da questa foto, realizzata con un semplice flash nella cucina di casa mia:

Questi i dati di scatto:
Fotocamera: Canon EOS 5D
Lente: Canon EF 24-70 f/2.8
Diaframma: f/2.8
Esposizione: 1/200 sec.
Lunghezza focale: 28 mm
White balance: Auto
Illuminazione: Flash (Metz mecablitz 48 EF)
Modalità flash: E-TTL

Costruzione del set:
Per questo scatto ho preferito uno sfondo completamente bianco ed asettico.
Illuminazione con flash montato sulla macchina, parabola orientata in avanti e ruotata di 30° a destra, utilizzando il frigo, la parete e i pensili della cucina come pannelli riflettenti naturali.
Per ottenere una luce molto concentrata e spiovente dall'alto, che rimbalzasse nell'angolo tra frigo e parete e quindi illuminasse "da dietro", ho utilizzato uno "snoot" artigianale fatto con un opuscolo di carta bella pesante fissato intorno alla testa del flash con un elastico per capelli.

E questo è il "backstage":

Still-life fai da te: qualche consiglio
Lungi da me spacciarmi per esperta di still-life, ma è un genere che mi diverte e con cui spesso mi sono cimentata, come avete visto, con mezzi molto "casalinghi" :)
Quindi quelli che seguono sono solo alcuni "suggerimenti tecnici" su come realizzare gli scatti. Per il resto, l'unico limite è la vostra creatività :)

L'illuminazione
Con flash o continua, l'importante è che la controlliate al 100% e che serva a valorizzare il più possibile la vostra scena.

L'unica luce che dovrà entrare nella vostra foto sarà quella che voi VORRETE far entrare.
Quindi via libera a lampade direzionabili, diffusori, pannelli, snoot di ogni genere.

Vi state chiedendo cos'è uno "snoot"?
Cinematograficamente parlando, credo si definisca snoot il cono di metallo che serve a creare il cosiddetto "occhio di bue".
In senso più esteso, parliamo di snoot ogni volta che utilizziamo qualcosa per direzionare la luce (non è esattissima come definizione, ma serve al nostro scopo).

Qui ho usato una busta da lettera (piena) come schermatura, per non far arrivare la luce sullo sfondo:

...e questo è il risultato:

Ovvero: una foto ancora sicuramente migliorabile come illuminazione, ma con fondale perfettamente nero

Fonti di luce consigliate:
- flash
- lampade da tavolo
- torce
- led
- luce di qualunque genere fatta passare attraverso un "diffusore"
- luce di qualunque genere rimbalzata su un pannello riflettente

Fonti di luce sconsigliate:
- luce ambientale (lampadario, sole, luce proveniente dalla finestra) non filtrata né manipolata in qualche modo.
- il flash incorporato della vostra fotocamera: difficilmente riuscirete a controllarlo a sufficienza da avere una buona illuminazione. Meglio usare luce continua e cavalletto!

Diffusori
Non è obbligatorio, ma consigliabile usare dei materiali per diffondere la luce se è troppo diretta o troppo dura, soprattutto se avete un'unica fonte di luce.
Potete utilizzare qualunque cosa faccia passare abbastanza luce per il vostro set:
- ombrellini bianchi
- carta di riso, carta da forno, carta oleata, carta velina
- stoffa
- ...

Pannelli riflettenti
Qualunque superficie può essere utilizzata come pannello riflettente:
- scatole di cartone
- pannelli di polistirolo
- ante di pensili e armadi
- carta stagnola
- un amico con una maglietta bianca :)
- ...

Schermature e snoot
Come faccio a far sì che la luce colpisca un'area del mio set e non ne colpisca un'altra? Schermandola!
Utilizzate qualunque oggetto vi venga in mente per "direzionare" la luce che proviene dalle vostre fonti di illuminazione. Ovviamente, i vostri "schermi" dovranno rimanere fuori dall'inquadratura :)
Io ho utilizzato nel primo esempio (maialino su fondo bianco) un opuscolo, nel secondo (maialino su fondo nero) una busta bianca... non è proprio il massimo!

L'ideale sarebbe utilizzare del cartoncino nero:
- piegato
- arrotolato
- fissato con mollette, elastici, attaches...

Intensità e qualità della luce
Se tutto questo ancora non basta a creare la luce giusta, provate a "spostarla": allontanando una lampada avremo una luce più diffusa e più debole (aumentare il tempo di posa), avvicinandola avremo una luce più intensa e più "dura" (ridurre il tempo di posa)

Se utilizzate un flash, provate ad impostare a mano lo zoom della parabola per ottenere un'illuminazione più o meno diffusa!

Il fondale
Non è obbligatorio che sia bianco, nero, o necessariamente uniforme.
L'importante è che non sia casuale.

Sceglierete uno sfondo adatto a valorizzare quello che state fotografando.
Anche uno sfondo molto sfocato con punti luce posizionati ad hoc, può valorizzare l'oggetto fotografato.

Se volete che lo sfondo sia più sfocato e meno visibile, allontanate l'oggetto dallo sfondo.
Se volete uno sfondo bianco uniforme, utilizzate fogli di carta, cartoncino, oppure il retro delle tovaglie usa e getta in pvc :)
In questo caso, curate l'illuminazione in modo che una fonte di luce "bruci" lo sfondo bianco.
Se volete uno sfondo neutro o colorato, utilizzate un lenzuolo o un cartoncino.
Suggerimento: aggiungete una lampada che illumini lo sfondo, per renderlo meno "piatto".
E mantenete sempre l'oggetto fotografato abbastanza distante dallo sfondo.
Se volete uno sfondo completamente nero, utilizzate una superficie scura, non importa che sia completamente nera: l'importante è che non sia illuminata in alcun modo dalle vostre fonti di luce!
(suggerimento: anche qui può essere utile allontanare il soggetto dallo sfondo)

Ma lo sfondo può essere composto anche da altri oggetti sfocati:

(sfondo composto da palline di stagnola, altri pastelli e... il cavo di alimentazione del computer) ^_^

(sfondo composto da altri oggetti per dare un particolare effetto cromatico alla scena)

Insomma, l'importante come già detto è che niente venga lasciato al caso!
Questi sono solo alcuni esempi, le possibilità sono illimitate ;)

La postproduzione

Non esiste una regola ferrea, ma diciamo che nella fotografia di still life "ideale", la foto dovrebbe uscire dalla macchina così come il fotografo l'ha pensata nella sua testa.
Altrimenti, che senso ha starsi a sbattere con fondali, luci, pannelli, annessi e connessi? :)
In generale bisognerebbe, ragionevolmente, limitare il fotoritocco allo stretto indispensabile (contrasto, saturazione... NO bilanciamento colore, perché per quello c'è il white balance!)
Se siete troppo pigri per impostare il wb prima di scattare, almeno utilizzate il raw, così potrete regolarlo in fase di conversione senza perdere qualità!

Esempio n. 1
Per esempio, la foto del maialino su fondale bianco è stata ulteriormente sbiancata sul lato sinistro dove cadeva meno luce (il che si nota anche dalla foto del backstage, non ritoccata)
Con un'illuminazione diversa, non avrei avuto bisogno di fare questa correzione: ma mi sarebbe servito un secondo flash che non avevo.
Aumentando l'esposizione avrei bruciato il maialino.
Quindi in questo caso la postproduzione è stata praticamente inevitabile (e tutto sommato innocua).

Esempio n. 2
Se invece devo fotografare una fede nuziale e clono via la mia faccia riflessa nell'anello... ecco, quello magari è un intervento di postproduzione eccessivo! :)

Esempio n. 3
Nella foto con la collana, il wb è stato corretto in postwork.
Sbagliato, il wb andava impostato in fase di scatto.

Diciamo che, come regola generale, dove si può intervenire in fase di scatto (esposizione, bilanciamento del bianco, controllo della luce, composizione) sarebbe meglio non postprodurre.
Questo per una semplice ragione: qualunque operazione che vada a modificare i colori, il contrasto, la luminosità, i livelli, provoca sempre una perdita di informazioni nell'immagine (a meno che non venga effettuata sul file RAW, e anche qui con le dovute eccezioni).

Quindi per quanto riguarda lo still life: immagine non postprodotta = immagine con più informazioni.

Visto che abbiamo tutto il tempo di fare le regolazioni del caso prima di scattare, approfittiamone ;)

Se scatti a f/22 e hai un pelo sul sensore, però, magari è una buona idea clonarlo via con Photoshop. :)

Quanto al crop, diciamo che una rifilatura per raddrizzare la scena di qualche grado ci può stare.
Considerato che in una foto di still-life staremo ore (!) a costruire un set e studiare millimetricamente l'inquadratura... beh, riempiamolo questo benedetto frame, no? ;)
Ovvio, se dobbiamo fare una close-up e abbiamo a disposizione solo un'ottica corta che ha una distanza minima di messa a fuoco troppo alta, in quel caso il crop è giustificato.
Se invece possiamo restringere l'inquadratura aumentando la focale o avvicinandoci, allora no: perché sprecare preziosi pixel del nostro sensore?

Mettiamoci una mano sulla coscienza e cerchiamo di scattare usando la testa :)
E' un genere molto creativo che permette di conoscere meglio i comportamenti di luci ed ombre e migliorare notevolmente la tecnica fotografica.
Non potete avere idea di quando vi potrà tornare utile saper direzionare o schermare la luce con un pannello!

Nel prossimo tutorial vedremo in pratica come costruire un piccolo set con veri mezzi di fortuna.
Buon proseguimento :)

Esempio di postwork: foto di Ilarib

2009-11-18T15:14:00.006+01:00

La foto di oggi è di ilarib e ci propone questa foto, scattata con ottimo colpo d'occhio ma con un cielo poco adatto ("pessimo!" dice lei):

In questo caso la maggior parte del lavoro l'ha già fatta lei fotografando: la foto è a dir poco impressionante nel suo dettaglio, c'è ben poco che si possa fare in postwork senza rischiare di rovinarla inutilmente.

Volendo trovare un difetto a tutti i costi, la foto è effettivamente un po' piattina con tutto quel cielo grigio senza neanche una nuvola.

Così, in questo caso, propongo una soluzione che va contro ogni buon senso: convertire in "colore" una foto in b/n.

L'operazione richiede pochissimi passaggi, e per la precisione:

Bilanciamento colore:
Alte luci - aumentare il ciano (+10%) e il blu (+30%)
Mezzitoni - aumentare il rosso e il magenta (+15%)
Ombre - aumentare leggermente il rosso (+10%), il giallo e il verde (+20%)

Questa operazione consente di intervenire solo sull'area del cielo (le alte luci), creando un certo contrasto con il soggetto della foto che viene invece influenzato dalla regolazione di mezzitoni ed ombre.
Con un unico, semplice passaggio, la foto ha già un aspetto completamente diverso.
Rimane una leggera vignettatura grigia un po' fastidiosa, andiamo a modificarla con i passaggi seguenti.
Ritocco della vignettatura.
Creare un nuovo livello con modalità di fusione "Colore": questo ci permetterà di intervenire sul colore sottostante senza modificare il chiaroscuro.
Con lo strumento Pennello (diametro molto ampio, colore indaco, opacità 100%), andiamo a "disegnare" grossolanamente la vignettatura tutto intorno all'immagine:

Non c'è problema se la vignettatura è imperfetta o troppo vistosa, la correggiamo con il passaggio seguente
Sfocatura gaussiana / controllo sfocatura: applicare il filtro con un raggio sufficientemente ampio, più volte se necessario, finché l'effetto della vignettatura non è quello desiderato:

Alla fine diminuiamo leggermente l'opacità del livello per attenuare l'effetto.
Anche se a me il taglio originale piace molto, possiamo effettuare un Crop in formato 2/3 per rendere la composizione meno dispersiva e per attenuare ulteriormente la vignettatura.

Consiglio per ilarib: solo uno: continua a scattare! ^_^

Grazie ad Ilaria per aver proposto la sua bellissima foto.

Se hai una foto che pensi possa essere migliorata in postwork, mandami un messaggio:lulu@viziocreativo.it

Calendario 2010: (not) Only Words

2009-11-16T13:21:00.004+01:00

Si intitola "(not) Only Words" il calendario di beneficienza nato da un'iniziativa del gruppo "Only Words" su Flickr:

29 foto per 12 mesi, formato A3.

Costo unitario: 15 euro.

Il ricavato sarà devoluto interamente all'ICYC, Fundacion Instituto Chileno de Colonias y Campamentos

L’istituto di Quinta de Tilcoco, ora “Villa Padre Alceste Piergiovanni” si trova a circa 130 KM da Santiago, ospita dai 160 ai 180 bambini soli o in difficoltà familiare, con il nostro contributo
aiutiamo questi nostri piccoli ospiti a vivere quotidianamente una vita in parte “normale” e in più cerchiamo di preparare per loro un futuro migliore.

Per info e prenotazioni: http://www.flickr.com/groups/1036370@N23/discuss/72157622766382524/

Termine prenotazioni: martedì 17 novembre 2009

E queste sono le 29 foto del calendario.

Dimenticavo... una è mia :)

Luciana Ognibene - www.viziocreativo.it

Esempio di postwork: foto di Elisisu (2)

2009-11-09T09:20:00.004+01:00

Pensavate che avessi abbandonato la "sana" abitudine del fotoritocco "on demand"?

Sbagliato, oggi sono qui a raccogliere il guanto di sfida di Elisisu, che al grido di "salviamo il salvabile" propone questo interessante spunto su Flickr:

TUTORIAL SALVA-FOTO il fotoritocco d'emergenza che "salva il salvabile"

e ci propone questa ancor più interessante foto:

Il pianoforte è uno strumento che ha sempre il suo fascino; in questo caso però è penalizzato dalle cattive condizioni di ripresa (luce e sensibilità iso) che hanno sporcato notevolmente lo scatto mettendo in evidenza solo i difetti (tasti macchiati).

A livello compositivo la foto è buona, una profondità di campo più ridotta, con conseguente effetto a "lama di rasoio" sui tasti centrali, non avrebbe guastato, ma non sempre si può sfocare. La resa cromatica purtroppo lascia abbastanza a desiderare a causa del giallo malaticcio dei tasti che stona pesantemente con l'aspetto monocromatico del resto della scena.

In questi casi la soluzione più semplice è la conversione in bianconero... ma forse possiamo fare di meglio.

Quello che è il difetto evidente della foto (il risalto dei tasti rovinati) può diventare il punto di forza di uno scatto dall'atmosfera volutamente vintage.

Ecco le tre possibili soluzioni (bianconero, vintage ed effetto invecchiato):

Ed ecco il procedimento.

La versione bn è "rapida ed indolore"

Conversione in bn ricavata dal canale RGB rosso, o semplice desaturazione
(in questo caso andrà benissimo)
Riduzione del rumore (io ho usato il meraviglioso filtro "rimozione disturbo fotocamera digitale di Paint Shop", ma la rimozione disturbo di PS dovrebbe ottenere risultati apprezzabili) - sempre su un livello separato per poter all'occorrenza recuperare dettaglio!
Vedere a questo proposito anche il tutorial sulla pulizia della pelle: si può utilizzare una tecnica simile per rimuovere il rumore.
regolatina ai livelli (scurendo le zone d'ombra) o in alternativa a Luminosità e contrasto (luminosità +5, contrasto +12)
intervento localizzato con pennello "brucia" di photoshop ("accentua" di Paint Shop) per scurire alcune zone dell'immagine:
utilizzare un pennello di raggio abbastanza ampio e scurire i quattro angoli, i tasti neri in primo piano e gli elementi più scuri a destra.
crop in formato 2/3 per bilanciare la composizione

Per la versione vintage, lavoreremo sulle tonalità di colore in maniera da sfruttare i tasti ingialliti per dare una sensazione di "vecchia stampa scolorita"

riduzione del rumore (vedi sopra)
Livelli o luminosità e contrasto (vedere sopra)
Regolazione dei colori con "Bilanciamento colore"
ombre: aumentare rosso e blu, aumentare leggermente il magenta
toni medi: aumentare ciano, verde e blu
alte luci: aumentare leggermente rosso, magenta, aumentare significativamente il giallo
Questo darà alle ombre quella tonalità "vinaccia" eliminando il contrasto tra tasti colorati e pianoforte monocromatico
Tonalità, saturazione, luminosità (hue / saturation / lightness)
aumentare leggermente la tonalità
diminuire leggermente la saturazione
(opzionale) Aggiunta di un "falso sfocato":
duplicare il livello, sfocarlo con il controllo sfocatura,
quindi applicare una maschera livello con doppio gradiente e ritoccare manualmente i tasti centrali per togliere lo sfocato.
Non esagerate con lo sfocato: si vede quando è finto ;)
Utilizzare il pennello brucia / accentua per "vignettare" manualmente e scurire i dettagli (vedere sopra al punto 4)
Crop in formato 2/3 per bilanciare la composizione

A questo punto, se vogliamo dare all'immagine un ulteriore effetto "invecchiato", possiamo utilizzare una texture.

Io ho scelto questa, bellissima, di Dubtastic (che ringrazio una volta di più per le sue splendide texture)

Aprire la texture e ridimensionarla nello stesso formato della nosta immagine
Selezionare tutto, copiare ed incollare la texture come nuovo livello nella nostra immagine
Impostare la modalità di fusione del livello su "moltiplica"
Intervento localizzato direttamente sulla texture con i pennelli "Brucia" e "Scherma" ("Accentua" e "Attenua" in Paint shop): scurire gli angoli per aumentare la vignettatura, schiarire la zona dei tasti per rendere meno evidente la texture in quest'area.

Fatto!

Consiglio per Elisisu: per "salvare" una foto come questa, il trucco è studiarla per cercare i suoi punti di forza, e lavorare su quelli. Come individuare i punti di forza? Un buon sistema può essere quello di analizzare gli elementi più difficili da correggere, ed utilizzarli come punto fermo ;)

Grazie ad Elisisu per aver sacrificato la sua foto al demone del fotoritocco ^_^

Se hai una foto che pensi possa essere migliorata in postwork, mandami un messaggio: lulu@viziocreativo.it

Tutorial: effetto "Dragan"

2009-11-05T23:25:00.006+01:00

Vi siete esercitati a cancellare magicamente tutti i difetti dai vostri ritratti?

Bene, perché oggi faremo l'esatto contrario... quello che vi propongo è il cosiddetto "effetto Dragan" e se non avete idea di cosa sia vi consiglio di andare a fare una visita al sito web del signor Andrzej Dragan, che ha fatto di questa tecnica il suo stile distintivo. I ritratti di Dragan hanno una particolare luce drammatica che ricorda alcuni effetti ottenibili con pellicola (non chiedetemi come: mai fatto) e un effetto molto simile è stato utilizzato per il film 300.

Non voglio inventare l'acqua calda: se cercate su Google troverete circa un miliardo di tutorial su come realizzare l'"effetto Dragan". Io ho sperimentato il mio metodo personale, sono meno passaggi rispetto a quello che ho visto in giro, ma sono molto più "artigianali": andremo a intervenire direttamente sull'immagine come se dovessimo dipingere un quadro.

Non sarà facilissimo, non sarà banale, non sarà un'operazione di pochi clic, quindi prima di cominciare guardate quale sarà il risultato e valutate se ne vale la pena, visto che vi spiegherò come passare da questo:

a questo:

Nota bene: prima che qualcuno venga con solerzia a farmi questa segnalazione, lo so che esiste un "filtro Dragan" per Photoshop, come so che esiste la regolazione "Luci e ombre" che permette di velocizzare un po' le cose... credetemi, il risultato non è neanche lontanamente paragonabile a quello che si ottiene facendo le cose per bene e a mano ^_^

Useremo le maschere di livello: se non avete idea di cosa siano vi consiglio di dare una ripassata! ;)

http://www.psdrevolution.it/forum/index.php?showtopic=27331

Bene, se tutto sommato avete del tempo da perdere (magari fuori sta diluviando), possiamo metterci al lavoro.

La prima cosa da fare è studiare l'immagine di partenza.
Dovremo agire manualmente aggiungendo e togliendo luce ai particolari: il nostro scopo è far risaltare il più possibile tutte le caratteristiche del viso che stiamo ritoccando.
Quindi dedichiamo qualche minuto a studiare per bene dove aggiungere luce e dove toglierla, perché successivamente applicheremo delle regolazioni che potrebbero annerire le aree più scure o sbiancare le aree più chiare, e dobbiamo fare in modo di non perdere dettagli importanti.

Nel caso dell'immagine utilizzata come esempio (che sono sempre io al termine di una giornata disastrosa), devo dare profondità agli elementi del viso, fronte, zigomi, naso. Inoltre, avendo gli occhi molto scuri, dovrò in qualche modo aggiungere profondità all'iride per evitare che diventi troppo scura e si fonda con la pupilla.
Un altro dettaglio che vorrei salvaguardare o meglio ancora valorizzare, sono i riflessi sui capelli e le varie rughette di espressione.
Ci siamo?
Possiamo procedere.
Schiarire le luci, scurire le ombre. Questo è quello che faremo per aumentare il contrasto locale dei dettagli.
Duplichiamo il livello di base e lavoriamo sulla copia.
Gli strumenti che andiamo ad utilizzare sono il pennello brucia (Paint Shop lo chiama rafforza) per i toni scuri, e scherma (attenua per Paint Shop) per i toni chiari.
Lavorerò per prima cosa la parte interna dell'iride, i riflessi dell'occhio e del contorno occhio e la cornea schiarendo i punti luce, poi ripasserò le ombre (ciglia, pupilla, angolo dell'occhio) scurendo le ombre.

Le aree da schiarire sono la fronte, gli zigomi, la punta del naso, il labbro inferiore e i riflessi sui capelli. Schiarirò leggermente anche l'orecchio. Andrò invece a scurire l'interno dell'arcata sopraccigliare, l'incavo sotto allo zigomo, l'ombra del collo, le occhiaie, le rughe di espressione. Il tutto variando opportunamente il diametro del pennello che sto utilizzando.
Alla fine l'effetto sarà quello di "fondo tinta steso male" ^_^
Regoliamo l'opacità del livello fino ad ottenere un effetto un po' più naturale, poi uniamo i due livelli. Controlliamo sempre di aver mantenuto la lucentezza degli occhi.
Adesso abbiamo bisogno di un nuovo livello in b/n. Ci serve un b/n molto scuro, il canale blu andrà benissimo.
Con Photoshop: duplichiamo il livello e poi convertiamo in b/n utilizzando il filtro blu o blu contrasto elevato.
Con Paint Shop: scomponiamo l'immagine in canali RGB, prendiamo l'immagine "Blu" e la incolliamo sulla nostra immagine come nuovo livello.
Una volta ottenuto questo nuovo livello, andiamo ad intervenire sui livelli per scurire ancora più ombre e toni medi, e per schiarire le alte luci.
Il risultato dovrebbe essere qualcosa del genere:
Modifichiamo la modalità di fusione del livello in "moltiplica", e diminuiamo l'opacità al 70-80%:

In questo modo abbiamo aumentato drasticamente il contrasto dell'immagine e scurito molte aree; abbiamo però anche perso alcuni dettagli che ora è importante recuperare.
Utilizziamo una maschera di livello per riportare alla luminosità originale le aree che devono essere più luminose. Ricordiamo sempre che il colore bianco sulla maschera vuol dire visibilità totale, il nero trasparenza totale, e che possiamo lavorare anche con i grigi.

Per prima cosa devo recuperare gli occhi e i riflessi più luminosi: agisco con il pennello nero sui riflessi degli occhi, sulla cornea, sul riflesso delle labbra, sul riflesso dei capelli, sulla punta del naso.
Poi con un pennello grigio scuro vado ad illuminare le zone di luce: fronte, zigomi, orecchio.
Il resto posso ritoccarlo a piacimento utilizzando le varie gradazioni di grigio ricordando che nero = più chiaro, bianco = più scuro.
Quando il risultato è soddisfacente, regolo di nuovo l'opacità del livello superiore e infine fondo i due livelli
Andiamo a modificare il colore.
Duplichiamo nuovamente il livello e con il Bilanciamento colore apportiamo queste modifiche:
toni medi - aumentare il ciano e aumentare leggermente il blu e il verde
ombre - aumentare leggerissimamente ciano e giallo
alte luci - aumentare il ciano

Questo, naturalmente, nel caso abbiate in mente un colorito finale verdognolo stile zombie, altrimenti usate colori più caldi!
Regoliamo l'opacità del livello tra il 60 e l'80%

poi uniamo i due livelli
Creiamo un nuovo livello interamente riempito di colore grigio / verde
modalità di fusione: luce diffusa
opacità: tra il 30 e il 60%
Ancora qualche rifinitura:
utilizziamo i pennelli scherma e filtra per scurire e schiarire dove ce n'è bisogno.
Sono i ritocchi finali, quindi assoluta libertà in base al vostro gusto personale.
Et voilà!

Che ne dite, ho un colorito sano?

Divertitevi pure a sperimentare altri effetti giocando soprattutto con il bilanciamento colore. Ricordate la regola base: schiarire le luci, scurire le ombre, e mai, per nessuna ragione, dico mai perdere dettaglio!

Se poi non avete voglia di perdere tutto questo tempo a fotoritoccare, una valida alternativa è farsi un margarida, due spritz, un cuba libre e innaffiare il tutto con un quarto di vino rosso dei castelli romani: io questa estate ci ho provato e a fine serata ero di quel colore lì! ^_^

Buon fotoritocco a tutti! ;)

Tutorial a cura di Viziocreativo / Luciana Ognibene

La foto del giorno

2009-11-04T18:42:00.006+01:00

Il ritorno di Kakà a Milano

Milano, 3-11-2009

Group C Champions League

Stadio San Siro
Milan - Real Madrid 1-1

Kakà e Pato

foto: Alfredo Falcone

Sicuramente la foto di ieri era il ritorno da ex del Milan di Kakà.

Io ho preferito dare spazio ad una foto che rappresenti il passato ed il futuro del Milan.

Tutorial: fotoritocco da "star"

2009-11-02T19:34:00.012+01:00

Alzi la mano chi è ancora convinto che esistano donne con la pelle perfetta come quelle delle riviste.

Nessuno, eh? ^_^

Nel caso ci fosse ancora qualche ingenuo in circolazione, mi sento in dovere di informarlo che

la pelle delle persone normali ha pori (orrore!), macchie, imperfezioni assortite
non dovete credere a tutto quello che vedete!!

Visto che, a grande richiesta, oggi vi spiego come passare da questo:

a questo:

Premessa: come sempre userò termini generici per non vincolarvi a nessun software particolare. Quello che sto per descrivervi può essere fatto in maniera molto simile con Photoshop, Paint Shop, Gimp e via dicendo.

Useremo molto le maschere di livello: se non avete idea di cosa siano vi consiglio di dare una ripassata! ;)

http://www.psdrevolution.it/forum/index.php?showtopic=27331

Per finire, quando si va a ritoccare la pelle consiglio di farlo sempre su un livello duplicato: in questo caso potete regolare meglio il risultato finale o tornare indietro recuperando dettagli dal livello sottostante.

Visto che si tratta di un esercizio, cerchiamo di partire dal classico "caso disperato".
Come prima cosa prendete una modella pallida con la pelle disastrata e il trucco sfatto, possibilmente al termine di una giornata devastante con pochissime ore di sonno alle spalle.
Nel mio caso la ricerca è stata abbastanza semplice: mi è bastato guardarmi allo specchio.
Senza dare tempo a questo sfacelo di modella di rifarsi il trucco, fotografatela nelle peggiori condizioni di luce possibile:
Ok, let's Photoshop it ^_^
per prima cosa, liberiamoci delle occhiaie e degli altri difetti più vistosi.
Duplichiamo il livello di base, lavoreremo su questa "copia".
Lo strumento più efficace per eliminare le occhiaie è il pennello clone:
- opacità: 30-50% (mai oltre il 50%)
- diametro: più o meno pari allo spessore delle occhiaie
- origine copia: prelevate il campione dall'area sottostante all'occhiaia.
Selezionate spesso una nuova origine per evitare di clonare elementi che non vanno clonati (nei, ecc.)
Evitate di "pennellare" (ovvero non fate clicca e trascina) ma piuttosto "picchiettate" facendo clic nei vari punti da correggere. Rifinite poi riducendo il diametro del pennello clone.
Con la stessa tecnica potete schiarire l'interno dell'arcata sopraccigliare e altri difettucci (rughe d'espressione, macchie, ecc.) assortiti. Anche e venuzze all'interno degli occhi vengono via con questo sistema.

Una volta terminato, se vi sembra che il risultato sia troppo innaturale, potete agire sulla trasparenza del livello per attenuare il ritocco.
Alla fine, unite il livello con quello sottostante.
Pulizia della pelle: sembra che avere dei pori, per quanto perfettamente umano, sia alquanto antiestetico.
Duplicate di nuovo il livello e applicate un filtro di riduzione del disturbo: il filtro adatto al nostro scopo è il "filtro medio" o "mediano" o "median filter". Scegliete un raggio abbastanza ampio da avere un risultato del genere:

Dove abbiamo eliminato gran parte delle imperfezioni... ma anche quasi tutti i dettagli.
Poco male, andiamo oltre
La pelle dopo il filtro medio ha un aspetto "spigoloso". Applichiamo quindi un abbondante "controllo sfocatura" (sfocatura gaussiana su Paint Shop).
Il raggio dev'essere abbastanza alto, l'effetto dev'essere quello di avere l'incarnato uniforme:
Cominciamo a lavorare sulla maschera di livello: applichiamo una maschera di livello a quest'ultimo livello sfocato, in modalità "nascondi tutto".
Il livello sottostante tornerà visibile.
Ora lavoriamo sulla maschera per rendere visibili le aree di "pelle pulita":
- pennello bianco
- opacità: 100%
- diametro: molto ampio

Cominciamo a "picchiettare" la mascheratura sulle aree più vaste: zigomi, fronte.
Lasciamo per il momento invisibili le aree più vicine ai dettagli (occhi, sopracciglia, bocca)
Con un pennello più piccolo e con opacità al 30-50%, andiamo a rifinire le zone vicine ai dettagli, la punta del naso, l'arcata sopraccigliare, l'attaccatura dei capelli, ecc.
Se vi sembra che l'aspetto generale della pelle sia un po' "spigoloso", non fatevi scrupoli: applicate di nuovo il controllo sfocatura (sul livello, non sulla maschera):
Uhm. L'effetto è troppo plasticoso?
Nessun problema, regoliamo l'opacità del livello finché il risultato non è più naturale (opacità al 70% dovrebbe andar bene)

Vogliamo strafare?

Sì, va bene, la pelle ora è pulita, ma l'immagine è un po' piatta, i colori sono anonimi, lo sfondo è orrendo e i capelli sono inqualificabili.

Niente che non si possa migliorare con qualche pennellatina ad hoc qua e là, per aggiungere colore, profondità e punti luce.

Vi consiglio di sperimentare pennelli di varie dimensioni, in modalità normale e / o moltiplica, senza mai superare il 20% di opacità.

E lavorate sempre su livelli separati, così da poter dosare il risultato finale.

Et voilà...

Ci vuole un po' di pazienza, questo è vero.

Se non volete perdere tutto questo tempo a sistemare la pelle della vostra incauta modella, sono molte le cose che potete fare: utilizzare del fondotinta e illuminare la scena in maniera più omogenea (magari utilizzando dei soft box) è sempre meno faticoso che dover ritoccare tutto.

Ho voluto proprio farvi vedere il caso più estremo possibile: se con un tale sfacelo si ottiene un risultato passabile, immaginate cosa potete fare con una modella con una bella pelle, ben truccata, ben pettinata e ben illuminata.

Buon fotoritocco ;)

Tutorial a cura di Viziocreativo / Luciana Ognibene

Foto del giorno

2009-10-31T21:30:00.004+01:00

Roma, 31-10-2009 campionato nazionale Super 10 7° giornata di andata stadio "Tre Fontane" Futura Park Rugby Roma vs Petrarca Padova 19-13 nella foto:Giulio Toniolatti realizza la meta decisiva della partita.

foto: Alfredo Falcone

Se vuoi emergere dalla massa cerca sempre di far cose diverse.

Nessuno dei circa 15 fotografi presenti alla partita si è probabilmente lasciato sfuggire questa meta: di spalle o frontale, meglio o peggio, ognuno ha portato a casa il suo scatto.

A quanti sarà venuto in mente di scattare ad 1/15 di secondo e fare qualcosa di diverso?

Questa foto difficilmente verrà pubblicata (almeno qui in Italia), ma almeno sarà differente da tutte le altre.

Tutorial: esposizione multipla e "cloni" digitali - seconda parte

2009-10-31T21:29:00.003+01:00

Come promesso (nella prima parte), ecco come creare dei "cloni" digitali con il fotoritocco.
Per l'occasione, ho deciso di clonare la mia "modella" preferita.
Ecco le tre immagini che ci serviranno a comporre il nostro "clone felino" finale:

Ovvero: 3 foto scattate con il cavalletto (o comunque con la macchina fotografica appoggiata da qualche parte per non modificare neanche di un millimetro l'inquadratura), esattamente alla stessa esposizione.
Quindi (abbastanza tassativo per foto di questo tipo), diaframma e tempo di esposizione rigorosamente in modalità manuale.
Possibilmente, flash in manuale (se avete intenzione di usarlo) e di rimbalzo, così non avrete ombre problematiche da gestire, e diaframma abbastanza chiuso da avere luce e messa a fuoco praticamente identiche tra i 3 scatti.

Insomma, non come me che ho usato il flash in e-TTL e diaframma a f2.8!! :)

Prima di andare avanti, sarebbe veramente molto utile che aveste già una certa dimestichezza con le "maschere di livello" ;)

http://www.psdrevolution.it/forum/index.php?showtopic=27331

Ok, cominciamo!

Scegliere un'immagine come base su cui "incollare" gli altri "cloni".
Io ho scelto questa:
Aprire la seconda immagine ed incollarla sulla prima come nuovo livello (con Photoshop è automatico quando fate il ctrl+V, con Paint Shop il comando è ctrl+L)
Per controllare che le due immagini siano perfettamente sovrapposte, impostate al 50% il livello della seconda:
Attenzione agli elementi da far coincidere nelle varie immagini: in questo caso, tra uno scatto e l'altro (cioè nella fattispecie "spostando" la gatta) si è spostata anche la macchina fotografica sul letto. Non è importante, perché la "clonerò" insieme alla gatta. Quello che mi interessa di far coincidere meglio possibile è la testiera del letto.
Impostare il livello superiore al 100% di opacità e aggiungere una maschera di livello ("nascondi tutto"). Questo farà sparire il secondo livello aggiunto
Andiamo a rendere visibile la seconda gatta: con pennello bianco andiamo a "colorare" sul livello maschera (quindi, rendere visibile) l'area occupata dalla gatta. Utilizziamo prima un pennello molto grande e morbido per rendere visibile tutta l'area. Poi con pennello più piccolo e nero andiamo a ritoccare (e rendere invisibili) le aree intorno alla gatta, dove sia necessario
Ed ecco il risultato:
Ripetere le stesse operazioni per aggiungere alla scena anche la terza gatta.
In questo caso l'operazione di mascheratura è un po' più delicata in quanto, per incuria della fotografa (io ^_^) la messa a fuoco tra la terza foto e le altre due è molto diversa. Bisogna quindi lavorare con cura le linee di giunzione tra la testiera sullo sfondo (a fuoco nelle prime due, sfocata sulla terza) e il pelo della gatta in primo piano.
Inutile dire che quando mi sono accorta dell'errore la mia atavica pigrizia mi ha impedito di rifare le foto, ma fare le foto per bene mi avrebbe risparmiato molto lavoro su photoshop ed inoltre il risultato finale sarebbe stato migliore.
Malgrado ciò, ecco il risultato:

Il trucco adesso lo conoscete, l'unico limite a questo punto è la vostra creatività.

Buon divertimento!

Tutorial a cura di Viziocreativo / Luciana Ognibene